Cuando pensamos en alguien de más de 50 años, la cara de Paul Rudd no es precisamente lo primero que se nos viene a la cabeza. Famoso desde muy joven, su popularidad solo sigue creciendo con el correr de los años, en los que se hace más evidente su inmunidad al paso del tiempo y su buen humor, dos cualidades que lo definen. 
No podemos dejar afuera que uno de los trabajos que más contribuyeron a esa popularidad, fue su papel como Mike en la serie Friends. Pero hoy lo recordamos con cinco películas indispensables en su carrera: 
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<h4>Ant-Man (2015)</h4> 
Con más de cien títulos como actor en su carrera, ya era uno de los tipos más queribles de Hollywood cuando Marvel lo convocó para formar parte de su Universo Cinematográfico. Aunque el Hombre Hormiga no era uno de los personajes más populares de “la casa de las ideas” con el público general, Paul Rudd se encargó de colocarlo entre los favoritos de la franquicia con su interpretación. Su primera aparición fue con su propia película en solitario, tras la cual sería reclutado por el mismísimo Capitán América para formar parte de su equipo en Capitán América: Civil War (2016). Condenado a prisión domiciliaria, se pasó toda la secuela de su película Ant-Man and the Wasp (2018) escapando de la autoridad, y dejó una de las mejores escenas post-créditos de la saga. La cual daría pie a su regreso triunfal en Avengers: Endgame (2019) con un plan maestro para ayudar a sus amigos. 
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<h4>Ni idea (Clueless, 1995)</h4> 
Pasaron más de dos décadas desde que el mundo lo conoció como Josh&nbsp;Lucas, el adorable interés romántico de&nbsp;Cher (Alicia Silverstone) en la emblemática comedia adolescente “Clueless” (Ni idea). Pero desde entonces, Paul Rudd se mantiene casi igual en la percepción del público. Por un lado, porque literalmente está casi igual que a los 26 años, cuando ya interpretaba a alguien mucho más joven. Y por otro lado, porque sigue eligiendo (y le siguen ofreciendo) papeles de tipo bueno y querible, como el aspirante a abogado ambientalista que coqueteaba con la protagonista. Se considera que “Clueless” es un retelling moderno de Emma, la novela de Jane Austen, por lo tanto su personaje vendría a ser una versión noventosa de George Knightley. 
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<h4>I love you, man (2009)</h4> 
En la década del 2000 se volvió parte de ese grupito de talentosos comediantes que vemos en todos lados, integrado por Jonah Hill, Seth Rogen y Jason Segel, entre otros. Con este último protagonizó esta comedia que en Argentina llegó directo a video como “Te amo, hermano”. Rudd interpreta al protagonista Peter, un tipo que se está por casar pero se da cuenta de que no tiene ningún amigo que sea su padrino de bodas, ya que siempre tuvo solo amigas. Con el objetivo de encontrar a la persona ideal para ocupar ese rol, decide tener una serie de “citas” y cuando conoce a Sydney (Segel) pegan onda inmediatamente. En esa época participó también en otras aclamadas comedias como El Reportero: La Leyenda de Ron Burgundy (2004), Virgen a los 40 (2005) y Forgetting Sarah Marshall (2008). 
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<h4>Wet Hot American Summer (2001)</h4> 
Ambientada a principios de los nostálgicos años ochenta, esta típica comedia americana de enredos en el último día de un campamento de verano, se convirtió en un clásico de culto. Aunque la crítica la destrozó en su momento, es una de esas películas chiquitas que se reivindicaron con los años y construyeron una sólida base de fans. Netflix aprovechó el fenómeno para convertirla en serie catorce años después con Wet Hot American Summer: First Day of Camp, narrando cómo había sido el primer día en el mítico Campamento Firewood. Paul Rudd fue convocado como parte del elenco original, junto con Janeane Garofalo y Molly Shannon, entre otros, para volver a interpretar a sus personajes, junto a varias estrellas invitadas. A pesar de duró una sola temporada de ocho episodios, la miniserie tuvo buena recepción entre los fanáticos y la crítica. 
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<h4>The Fundamentals of Caring (2016)</h4> 
En esta película indie distribuida por Netflix en Latinoamérica&nbsp;como “Los principios del cuidado”, el actor&nbsp;explora su veta más dramática, interpretando a un escritor retirado que sufre una pérdida muy cercana. Sin trabajo y traumado, Ben toma un curso de seis semanas para convertirse en cuidador y termina contratado por la madre de Trevor, un chico de 18 años con distrofia muscular. Ambos desarrollan una amistad&nbsp;y se embarcan en un road trip, donde conocen gente y viven experiencias que los ayudan a sanar. Durante su larga carrera, medios como Vanity Fair elogiaron a Paul Rudd por tener un gran rango actoral (e incluso llegaron a apodarlo como el nuevo Jack Lemmon), pero nunca tuvo tanta oportunnidad de demostrarlo como en esta película, basada en una exitosa y conmovedora novela.

Aunque no parece envejecer nunca, Paul Rudd cumple 52 a&ntilde;os y los celebramos recordando algunas de sus mejores pel&iacute;culas.

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Cinco películas para celebrar el cumpleaños de Paul Rudd, el eterno adolescente

Joven por siempre

Es el creador de los personajes de Disney más queridos por toda una generación, que los conoció en su infancia y creció con ellos. Con una carrera de casi cuatro décadas en Disney, Glen Keane fue parte de la avanzada de creativos que salvó la división de animación del estudio, cuando atravesaba su peor época allá por los años ochenta. El estreno de La Sirenita (The Little Mermaid, 1989) puso fin a la ‘era oscura’ de la factoría del ratoncito, para dar lugar a su ‘Renacimiento’, donde el trabajo de Keane fue una pieza clave. 
Con solo diseñar a Ariel, la salvadora del estudio, ya hubiera sido suficiente para pasar a la historia de la animación, pero la influencia del trabajo de Glen Keane fue tan grande que le siguieron una atrás de otra películas protagonizadas por las creaciones nacidas de su mente: la Bestia de La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast, 1992), el mismísimo Aladdin (1993), Pocahontas (1995) y Tarzán (1999). Y como los genios nunca se quedan quietos, más de una década después volvió a propulsar el segundo 'renacimiento' de Disney con el diseño de Rapunzel, la inolvidable protagonista de la exitosa Enredados (Tangled, 2010). 
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 Glen Keane con el diseño de su nueva protagonista, Fei Fei 
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Siguiendo esta tradición de animación en 3D que tan bien supo conjugarse con los diseños bidimensionales de antaño, llega ahora a la pantalla de Netflix el primer largometraje dirigido por Glen Keane: Más Allá de la Luna (Over the Moon, 2020). La historia sigue a Fei Fei, una nena que crece escuchando la leyenda china de la diosa de la luna Chang’e y se obsesiona con demostrar su existencia. Poniendo su inteligencia al servicio de su curiosidad, Fei Fei apela a todos sus conocimientos científicos para poder construir un cohete que la lleve a la luna, esperando solucionar así todos sus problemas. 
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Con esta película, Netflix espera poder competir en los Oscar del año que viene, que hace poco flexibilizaron sus reglas con respecto a los estrenos de streaming para adaptarse a un año marcado por la pandemia. Glen Keane ganó su primer Oscar en 2018, luego de dejar Disney, cuando el basquetbolista Kobe Bryant (quien murió trágicamente a principios de este año) lo convocó para dirigir el corto animado Dear Basketball (2017), inspirado en la sentida carta con la que Bryant anunció su retiro.&nbsp; 
Ahora esta eminencia de la animación se pone al frente de la primera película original animada de Netflix, y Ana Manson habló con él en exclusiva para Filo.News y lo entrevistó sobre su carrera, cómo llegó a este proyecto y qué inspiraciones volcó en el diseño de Fei Fei, su nueva protagonista. ¡Mirá el video acá abajo y compartilo! 
 
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Glen Keane es una leyenda de la animaci&oacute;n, que trabaj&oacute; durante casi 40 a&ntilde;os en Disney y ahora dirige por primera vez su propia pel&iacute;cula en la plataforma de streaming.

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Más Allá de la Luna: Hablamos con el director de la nueva película animada de Netflix

De China con amor

El neoyorquino inició su carrera en la actuación como tantos otros comediantes de varias generaciones, en las filas del legendario programa Saturday Night Live. Pero su primer encuentro con las tablas fue mucho antes, a los 12 años en un club de comedia. Su pasión por la actuación&nbsp;lo llevó a estudiar Bellas Artes y se graduó en la Universidad de New York, debutando inmediatamente en El Show de Bill Cosby y en su primera película como protagonista Going Overboard (1989), interpretando precisamente a un joven comediante con grandes aspiraciones. 
Sus cinco años en el escenario de SNL y en varias películas cómicas como Cabezas Huecas (1994), Billy Madison (1995) y Happy Gilmore (1996) lo encasillaron en el rol de protagonista torpe y bastante adorable en producciones de dudosa calidad para el público masivo. Hasta que a principios del milenio, el director Paul Thomas Anderson lo fichó para su cuarta película y Adam Sandler sorprendió a todos con un registro dramático que no le habíamos visto explorar hasta el momento: 
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<h3>Embriagado de Amor (Punch-Drunk Love, P.T. Anderson, 2002)</h3> 
Sandler interpreta al protagonista Barry Egan, un comerciante soltero que tiene una relación problemática con sus siete hermanas mujeres, causante de sus frecuentes ataques de ira y ansiedad social. Barry intenta afrontar sus problemas psicológicos, mientras se involucra en una relación amorosa con una mujer británica (Emily Watson) y al mismo tiempo es extorsionado a través de una línea telefónica sexual por un vendedor de colchones (Philip Seymour Hoffman) y sus matones. Entre millas de viajero, pudín y la facilidad de Sandler para la comedia física en medio del drama, la vida de este hombre solitario se va transformando, dejando en evidencia el talento del actor. Esta película le valió su primera (y hasta ahora, única) nominación a los Globos de Oro, además de presentarse en el Festival de Cannes y recibir el elogio de la crítica. Sandler volvió a interpretar a su personaje al año siguiente para otros tres cortos del director. 
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<h3>La esperanza vive en mí (Reign Over Me, Mike Binder, 2007)</h3> 
Después de algunos años de vuelta en el género de las comedias ligeras, como Golpe Bajo - El Juego Final (The Longest Yard, 2005) y comedias dramáticas como Espanglish (Spanglish, 2004), la romántica Como si fuera la primera vez (50 First dates, 2004) o la inclasificable Click - perdiendo el control (Click, 2006), Adam Sandler volvió a sumergirse por completo en el drama como Charlie Fineman, un hombre que perdió a toda su familia en los ataques a las Torres Gemelas. Cinco años después de la tragedia&nbsp;se reencuentra con su ex compañero de universidad Alan (Don Cheadle), a quien apenas recuerda. A pesar de que las vidas de ambos discurrieron por caminos muy opuestos, Charlie reconecta con su viejo amigo Alan y su&nbsp;renovada relación lleva a ambos hombres a encontrar las respuestas que necesitaban. Esta emotiva historia, musicalizada por The Who, completa su elenco con Jada Pinkett Smith, Liv Tyler y Donald Sutherland. 
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<h3>Siempre hay tiempo para reír (Funny People, Judd Apatow, 2009)</h3> 
A pesar de que en nuestro país&nbsp;esta película salió directo a DVD, tuvo su estreno comercial en salas de distintas partes del mundo y cosechó buenas críticas. Sandler interpreta -una vez más- a un comediante, pero en este caso su personaje George Simmons es un exitoso y consagrado artista de stand up. Las cosas se ponen mortalmente serias para este arquetipo del “tipo gracioso” cuando a George le diagnostican una enfermedad terminal. Pero este no es un melodrama cargado de golpes bajos, sino una ópera agridulce de la pluma de Judd Appatow, con todo el séquito que usualmente lo acompaña en sus películas: Seth Rogen, Jonah Hill y Leslie Mann, entre otros. George acoge bajo su ala al personaje de Seth Rogen, un joven aspirante a comediante que es una extraña mezcla entre fan, aprendiz, amigo y asistente personal. Esta es una comedia dramática sobre un grupo de gente rota y lo que puede pasar frente a una segunda oportunidad para hacer las cosas bien. 
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<h3>Los Meyerowitz: la familia no se elige (The Meyerowitz Stories (New and Selected), Noah Baumbach, 2017)</h3> 
Esta fue la segunda película de Netflix que compitió en el Festival de Cine de Cannes, desatando gran controversia entre el jurado por tratarse de un estreno exclusivo para una plataforma de streaming. A pesar de la polémica, recibió gran reconocimiento, especialmente por la actuación de Adam Sandler. En esta ópera familiar, el actor estuvo a la altura de pesos pesados del cine como Dustin Hoffman, quien interpreta a su demandante padre, y Emma Thompson, su excéntrica madrastra. Por su parte, Ben Stiller interpreta al otro hijo de los Meyerowitz, y ambos comediantes contrastarn su talento para el drama, como dos hermanos enfrentados&nbsp;por el tiempo y el resentimiento. La sobria interpretación de Sandler encajó a la perfección con las situaciones cotidianas y los diálogos naturalistas de Baumbach, heredero del mumblecore, ese subgénero del cine indie que llevó al público masivo, ayudado por la popularidad del elenco. 
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<h3>Diamantes en bruto (Uncut Gems, Josh y Benny Safdie, 2019)</h3> 
Adam Sandler se convirtió en una de las estrellas recurrentes de las películas originales de Netflix, generalmente comedias del montón sin muchas más pretensiones que las de entretener a su gran audiencia. Pero de vez en cuando, el gigante de streaming adquiere los derechos de alguna joyita del séptimo arte, y ese es el caso de esta película del estudio A24. Los hermanos Safdie eligieron a Sandler para encarnar a un comerciante neurótico y ludópata del submundo del mercado de las joyas en New York, una ciudad muy distinta a la glamourosa metrópolis que conocemos. En esta película ambientada a principios de la década pasada, el comediante está muy alejado de su registro habitual&nbsp;como Howard Ratner, un tipo agobiado por su propia ambición en una frenética carrera por ganar dinero, que va subiendo la apuesta sin dar respiro. La fuerza de esta interpretación le alcanzó para terminar de despegarse de su imagen de comediante y consagrarse como actor dramático.

Famoso por sus populares comedias, el actor tiene en realidad un gran rango dram&aacute;tico que explora solamente de vez en cuando. Ac&aacute; recopilamos sus “otras” pel&iacute;culas.

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Adam Sandler cumple años y elegimos 5 películas para redescubrirlo

Tonto pero no tanto

Ya desde su premisa, Corazón Loco parece una comedia salida de otra época. Y no por lo clásica o nostálgica, sino porque atrasa por lo menos veinticinco años. Como si no hubiera propuestas originales, guiones ingeniosos o talentos nuevos en la Argentina del siglo XXI, esta película recurre a reciclar una idea de sitcom de los ‘90 que ya resultaba vetusta en aquella época. El argumento gira en torno a Fernando (Adrián Suar), un tipo que tiene dos familias paralelas, una en la ciudad de Buenos Aires y otra en Mar del Plata. A pesar de que les miente a ambas, dice amarlas por igual y se toma grandes molestias para mantener las cosas funcionando entre las dos ciudades. 
Así de básico como suena, este es el disparador para una larguísima y desprolija comedia de enredos que no causa gracia porque ni siquiera sabe bien qué quiere contar. Por un lado, Fernando se presenta a sí mismo como un buen tipo incomprendido por la sociedad, narrando todo en primera persona. Según él, tiene un corazón enorme que “puede amar mucho más que el de cualquier ser humano”, pero esto no es más que un eufemismo para su poligamia. Por otro lado, sus acciones revelan a un mentiroso patológico con el potencial de lastimar a todos a su alrededor: viajando de una ciudad a otra durante nueve años y engañando a sus dos familias con un elaborado esquema que cumple al pie de la letra para sostener la mentira.&nbsp; 
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Ni siquiera su mejor amigo (o mejor dicho, su único amigo) se salva de la mentira, pero eventualmente queda en el lugar de cómplice involuntario. Todos estos enredos podrían desembocar en una comedia ligera y pasatista sin otra pretensión que la de entretener, pero su discurso esconde una moralina insostenible. La mentira central en esta clase de historias funciona como una bomba de tiempo: eventualmente explotará, lastimando a todos a su alrededor. Y el morbo del espectador reside en querer ver cómo se resuelve la situación desde la comodidad de la butaca (o sillón, en este caso), sin correr ningún riesgo real. Pero en este caso, el engaño sostenido se plantea como una virtud desde la perspectiva del protagonista, quien se considera moralmente superior y afirma que hace todo por amor. 
Marcos Carnevale es el director y co-guionista de esta película junto con Adrián Suar, una dupla que ya dio otros ejemplares como “El fútbol o yo” (2017) y que pergeñó Corazón Loco (2020) con el mismo espíritu con olor a naftalina. Este par de exitosos creativos de otra época se resisten a admitir el paso del tiempo y cambiar su fórmula infalible de antaño en consecuencia. Y como quien no quiere la cosa, toman un concepto “moderno” que no terminan de entender como el de poliamor y lo confunden con poligamia. En la diferencia está la clave, que es tan sencilla como elusiva para los dos guionistas: la relación consensuada. El conocimiento y aceptación de los términos del acuerdo por parte de todos los involucrados. 
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 Soledad Villamil en una de las escenas completamente demás 
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En cambio Paula (Gabriela Toscano) y Vera (Soledad Villamil) son jugadoras involuntarias del perverso juego en el que empezaron a participar cuando aceptaron compartir sus vidas con Fernando, sin saber la una de la otra. Y para colmo, ambas parejas tienen hijos (que están bastante de adorno, dicho sea de paso). Las dos actrices se lucen en papeles que les quedan demasiado chicos y las reducen a estereotipos unidimensionales, y sin embargo son las únicas capaces de generar empatía y alguna ocasional risa, junto el personaje secundario del hermano de Vera (interpretado por Darío Barassi). Los detalles como la castración del perro o la “ceguera” de Paula al comienzo solo sirven para subrayar lo obvio, en una constante subestimación del espectador 
Pasada la hora y media de duración, cuando la película tendría que estar llegando a su anticipada conclusión, recién estamos entrando en el tercer acto. Esta falta de ritmo se debe a la repetición de escenas innecesarias (como todo el montaje a mitad de camino entre ciudades) y el cambio radical en el punto de vista, que pasa abruptamente de Fernando a sus dos esposas a mitad de la película. Incluso la narración en primera persona queda completamente olvidada sin ninguna justificación, solo para retomarse al final. Ni las espectaculares tomas de Mar del Plata ni los elaborados planes de los protagonistas, ni siquiera el talento de Villamil y Toscano alcanzan para rescatar esta historia sin ritmo ni gracia.

La pel&iacute;cula de Adri&aacute;n Suar iba a llegar a los cines, pero su estreno qued&oacute; suspendido por la pandemia del coronavirus y ahora estrena en Netflix.

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Análisis | Corazón loco: Una comedia anticuada que no causa gracia

Naranja y media

El estreno del live action de Mulan estaba inicialmente programado para el 27 de Marzo, pero apenas dos semanas antes la Organización Mundial de la Salud declaró&nbsp;al coronavirus&nbsp;como pandemia y las salas de cines de todo el mundo tuvieran que cerrar sus puertas durante meses. Este título no fue el único postergado, por supuesto, aunque sí uno de los más afectados por su inversión multimillonaria y las apuestas del estudio en su producción, que se había retrasado&nbsp;casi dos años para poder hacer la película que su directora Niki Caro quería hacer. 
Esta es la primera vez que una mujer dirige un live action de los clásicos de Disney y maneja un presupuesto de este calibre, con un reparto íntegramente chino y una producción a escala. De esta forma, Mulan estaba destinada a convertirse en una película menos fantastiosa y más épica que su contraparte animada&nbsp;de 1998, adorada por millones como un clásico de culto intocable. Sin embargo, la producción mantuvo su rumbo y tomó decisiones muy cuestionadas, como sacar las canciones y el personaje de Mushu, además de cambiar el interés romántico de la protagonista y la forma en la que se relaciona con los demás personajes. 
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Ninguno de estos cambios alteró la esencia de la historia, basada en una leyenda china que data del siglo VI, la balada de Hua Mulan. El poema épico sobre la hija que se viste de hombre para ir al ejército en lugar de su anciano padre y defender al emperador de China fue la inspiración para el clásico animado, que se convirtió en uno de los más disruptivos de Disney y uno de los que mejor resisten el paso del tiempo. Más de veinte años después, la legendaria guerrera sigue inspirando a generaciones enteras, pero Disney está decidido a hacer enmiendas por el racismo que supo colarse en sus películas, y lo hace apegándose al material original y el cine oriental que homenajea. 
Con sus milenios de sabiduría encima, la cultura china tiene más recursos y belleza para ofrecer de lo que podríamos llegar a imaginar, sin necesidad de agregarle dragones parlanchines o amoldarla a la estructura del musical occidental. Por supuesto, todos adoramos a Mushu. Si no, ¡deshonor! Deshonrada tu familia, deshonrada tu vaca. Pero la intención de dejar de lado los preconceptos occidentales sobre la cultura asiática, sumada al creciente esfuerzo de Disney por modernizar sus historias y volverlas más representativas para su público en todo el mundo, exigen hacer algunos sacrificios, y la nueva adaptación de Mulan entendió eso a la perfección. 
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 El romance con uno de sus pares es sutil y responde a otras dinámicas de poder entre personajes,. 
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Hay algunos puntos de la película, incluso, en que nos preguntamos si efectivamente estamos viendo una de Disney. La resolución por supuesto, así como los valores tradicionales de la compañía sobre la familia y la amistad, están a la altura de las circunstancias. Pero es en los cambios más grandilocuentes donde encontramos un verdadero reflejo de la evolución del estudio y de sus cineastas, cada vez más dispuestos a tomar riesgos (calculados, por supuesto) para adaptarse a un mundo cambiante. No hay mensaje de inclusión forzados ni situaciones inorgánicas básicamente porque la historia no los requiere, ya está diseñada para funcionar y estos ajustes solo logran volverla más épica y emocionante. 
El cambio de tono le sienta perfecto a Mulan, ya haremos otra nota con las diferencias entre la versión animada y el live action, pero de momento nos concentraremos en los aspectos de la películas que la vuelven una experiencia absolutamente disfrutable para toda la familia. Incluso para quienes nunca vieron la versión original de Mulan, esta aventura épica con influencias del cine oriental y bélico, tendrá su atractivo. La historia comienza cuando la pequeña Hua Mulan exhibe ante los habitantes de su aldea una destreza física excepcional, proveniente de su “chi”, un tradicional y antiquísimo concepto chino para definir la energía vital que fluye por las personas. 
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 El momento "Hombres de acción" es un montaje sobrio pero efectivo con música instrumental. 
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Esta energía es interpretada por algunos de los prejuiciosos aldeanos como magia, acusando a Mulán de “bruja” y desencadenando una lección paterna que será aprendida durante toda su juventud y llevará a la protagonista a reprimir su verdadero ser para no ser juzgada. Y es ahí donde reside el verdadero espíritu de la historia de Mulan, al menos en la versión de Disney: una joven dotada que desafía los roles patriarcales no por su propio deseo de libertad y expresión, sino para salvar a su familia de la deshonra y el rechazo de la sociedad. La versión live action recupera esta esencia a la perfección y le agrega algunas capas de complejidad, además de una subtrama que rompe con una de las tradiciones más cuestionadas del estudio en sus películas infantiles. 
Mientras Mulán (la joven pero experimentada actriz china Liu Yifei) lidia con su aldea, con su familia y con la casamentera, del otro lado del imperio una horda de invasores avanza implacablemente, poniendo en peligro a toda China. El jefe de este ejército es Bori Khan (Jason Scott Lee), un despiadado líder movido por un deseo de venganza personal. Pero la verdadera fuerza detrás de esta invasión reside en manos de Xianniang (Gong Li), una poderosa hechicera exiliada que solo responde a sí misma. Es ahí cuando el Emperador (Jet Li) convoca a su ejército y cada familia debe enviar a un hombre para evitar la deshonra, pero Mulán toma el lugar de su padre y escapa hacia el campo de entrenamiento, donde deberá enfrentar su verdadero destino. 
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 El paralelismo entre Mulan y su antagonista es uno de los mejores aspectos de la película. 
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Las decisiones que toma nuestra heroína están siempre movidas por el honor ante todo, ese admirable pero inflexible valor que le inculcaron desde pequeña, y deberá cuestionar finalmente si quiere salvar al reino. Algunas resoluciones quizás sean un poco apresuradas, pero no hay que olvidar que estamos hablando de una película de Disney y que la complejidad de la trama siempre estará en función del disfrute de toda la familia. Esto no quita que el dramatismo alcance otro nivel poco visto para una película de estas características, que las actuaciones sean excelentes y que los diálogos carguen con una poética digna de la épica que se está narrando. 
El diseño de producción es un caso aparte, con un nivel igual o superior a todos los live action de Disney hasta el momento, pero con un estilo único en su tipo. El pulso en la dirección es tan firme en las escenas de acción como en los momentos emotivos, con un despliegue visual digno de las más recordadas superproducciones asiáticas, peleas bien coreografiadas que responden a la lógica del mundo en el que se desarrolla la acción e incluso un par de batallas campales. Las actuaciones acompañan todo el despliegue con un elenco repleto de estrellas, desde el Emperador (el experto en artes marciales Jet Li) hasta la casamentera (Pei-Pei Cheng, la recordada Zorra de Jade&nbsp;de El Tigre y el Dragón). 
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 Al igual que en la animada, mulán debe descubrir quién es y ser fiel a su verdadero ser. 
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Los guiños a la película animada están por todos lados, pero tan orgánicamente y tan ingeniosos que no se sienten como homenajes, sino como parte integral de la trama. A pesar de sus dos horas de duración, la historia discurre con un ritmo fluido y la aventura es lo suficientemente atrapante como para que apenas se sienta como una duración promedio. El guion incluso se permite pequeños momentos de humor para aliviar la tensión en las escenas más dramáticas, pero sin recaer en un personaje de alivio cómico ni en ridiculizar a nadie. Estos aciertos narrativos sumados a los recursos visuales de los que hace gala, la convierten en uno de los mejores -si no el mejor- live action de Disney hasta la fecha.

Hoy estren&oacute; en la plataforma de streaming Disney+ en Estados Unidos y otros pa&iacute;ses la versi&oacute;n live action del cl&aacute;sico animado de 1998, con algunos cambios radicales.

Hoy estren&oacute; en la plataforma de streaming Disney+ en Estados Unidos y otros pa&iacute;ses la versi&oacute;n live action del cl&aacute;sico animado de 1998, con algunos cambios radicales.

Análisis | Mulán: Una versión más épica de la legendaria guerrera china

Leal, Valiente y Auténtica

La ciudad costera más popular de Argentina es la sede del único festival clase A de la región, que todos los años para noviembre se convierte en el punto de encuentro de cinéfilos, directores, periodistas y productores de todo el país, junto a invitados internacionales, para celebrar el séptimo arte. En este prestigioso evento se presentan largometrajes, cortos y work in progress que compiten en diferentes categorías, pero además la programación del festival incluye varias secciones dedicadas a la exhibición de películas que de otra forma no llegarían a las salas, y grandes estrenos internacionales con meses de anticipación. 
Este año, como pasó con tantos otros eventos en el mundo, su realización se verá afectada por la pandemia. Pero si algo tienen en claro desde la organización, es que nunca estuvo en duda que esta edición se lleve a cabo. Según declaró el presidente del festival Fernando Juan Lima al diario La Capital de Mar del Plata a principios de agosto, la decisión de no pasarse el año de largo estaba tomada. La fecha para la próxima edición del Festival se había anunciado con casi un año de anticipación y solo restaba esperar la aprobación del Ministerio de Salud para poder implementar los protocolos sanitarios correspondientes en el marco de la pandemia. 
<blockquote> 
 “Esta decisión es una manera de acompañar a nuestro cine, de recuperar el valor de un lugar de encuentro y de cultura, de estar cerca de nuestros artistas y nuestro público.” 
</blockquote> 
Finalmente, se confirmó que la 35º edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata se llevará a cabo en la fecha anunciada del 21 al 29 de noviembre de 2020 y que será “todo lo presencial que permitan las circunstancias”. Así lo anunciaron en su página web mediante un comunicado oficial firmado por el presidente y la directora artística Cecilia Barrionuevo, donde reafirmaron su compromiso con la continuidad del Festival. Desde 1996 esta celebración del cine se viene realizando sin interrupciones, después de una ausencia de 26 años entre 1954 y 1970. La edición de 2019 estuvo dedicada a la memoria de José Antonio Martínez Suárez, quien desde 2008 se desempeñó como presidente. 
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 <img alt="" data-height="429" data-size="w:1118,h:600" data-width="800" src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2020/09/03/-1979084414-image.png_752570192.png" title=""> 
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 Fuente: Cinéfilos Oficial | Las funciones al aire libre son una de las principales atracciones para el público general. 
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“El formato del Festival se adaptará a las decisiones que se tomen contemplando la situación sanitaria y asegurando en primer lugar, la salud de todas y todos”, confirmó la directora artística. A su vez, el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) informó el pasado 26 de agosto que ya se encuentra abierta la convocatoria de este año y la inscripción de películas que formarán parte de la próxima edición se podrá realizar hasta el 16 de septiembre. Junto con el anuncio, se dio a conocer también el nuevo reglamento de la competencia, y uno de los nuevos requisitos&nbsp;generó rechazo entre la comunidad cinematográfica. 
El artículo establecía que solo podían formar parte las películas “declaradas de interés por el INCAA en los términos de la normativa nacional vigente.” Pero atendiendo al reclamo de productores, directores y demás trabajadores de la industria nacional que se pronunciaron en contra de la medida y en defensa del cine independiente, esta restricción fue modificada al día siguiente por el Instituto. Desde el Festival atribuyeron la confusión a un error de redacción y aseguraron que todas las películas producidas o co-producidas en el territorio nacional pueden participar de la competencia. 
<blockquote> 
 “Quisiéramos compartir una programación que nos permita nuevas perspectivas y emociones, que logre abrirnos a otras realidades y que genere otros debates.”&nbsp; 
</blockquote> 
También se anunció en febrero que la nueva edición del Festival de Mar del Plata se vincularía directamente con la 12º edición de Ventana Sur, el mercado de cine latinoamericano organizado por el mismo INCAA en la Ciudad de Buenos Aires. La propuesta es&nbsp;proyectar las películas que participen en el Festival en las salas del Centro Cultural Kirchner, mientras que la ceremonia de cierre se podría ver, por primera vez, en simultáneo. Todavía resta ver cómo se adaptarán estas actividades a la nueva normalidad, pero ya sea de manera mixta o completamente online, una cosa es segura: el Festival se llevará a cabo y será más federal que nunca.

La 35º edici&oacute;n del &uacute;nico Festival Internacional clase A en Latinoam&eacute;rica adaptar&aacute; su realizaci&oacute;n a la nueva normalidad, como tantos otros festivales en el mundo.

La 35º edici&oacute;n del &uacute;nico Festival Internacional clase A en Latinoam&eacute;rica adaptar&aacute; su realizaci&oacute;n a la nueva normalidad, como tantos otros festivales en el mundo.

Festival de Cine de Mar del Plata: Cómo será la próxima edición

Eventos en pandemia

Nadie hubiera pensado -y mucho menos dicho en voz alta- que una secuela de Bill &amp; Ted podría ser una buena idea. Excepto sus mismísimos creadores Chris Matheson y Ed Solomon, que decidieron llevar a cabo esta “innecesaria” tercera parte después de treinta años, para darle a su historia ese elusivo final que merecía. Y la mejor parte es que no solo salieron airosos, sino que además lograron mantener el espíritu de la original y dar con una premisa tan atemporal como sus protagonistas. Esta no es una gran producción de estudio, sino una de esas películas chiquitas hechas con mucho cariño. 
Siguiendo la lógica de los primeros dos títulos en Argentina, esta tercera parte debería llamarse simplemente Bill &amp; Ted 3 en nuestro país. Pero, al igual que muchas, llega solamente a través de plataformas de streaming, por lo que mantiene su título original Bill &amp; Ted Face the Music, completando una trilogía que empezó con Bill &amp; Ted’s Excellent Adventure (1989) y siguió con Bill &amp; Ted’s Bogus Journey (1991). Y eso es porque entendió los códigos de esta nueva normalidad que estamos atravesando: en lugar de esperar indefinidamente para estrenar en cines, tuvo un lanzamiento mixto y limitado en algunas salas. 
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De la misma manera, entendió a la perfección los códigos del mundo en el que estamos viviendo, y se adaptó con gracia y sin esfuerzo a los tiempos que corren. En lugar de tratar de actualizar a sus personajes o forzar un mensaje inclusivo en la trama, dejó que Bill y Ted hicieran lo que mejor saben hacer: ser ellos mismos. Dos tipos sin muchas luces que siempre predicaron ser excelentes unos con otros, que aman la música pero no tienen demasiado talento y que son -en esencia- buenos tipos. Sin un mínimo rastro de cinismo, justo lo que necesitamos ahora. 
Resulta que Bill y Ted siguieron siendo amigos a través de los años, al punto de que hacen todo juntos. Hasta ir a terapia de pareja, aunque eso les traiga bastantes problemas. Ambos siguen casados con las princesas que conocieron en la Europa medieval de la primera película, y tuvieron dos hijas que se parecen demasiado a ellos: Billie (Brigette Lundy-Paine), la hija de Ted Theodore Logan (Keanu Reeves) y Thea (Samara Weaving), hija de Bill S. Preston Squire (Alex Winter). Ellas tienen la misma relación que sus padres, crecieron juntas y aman la música, y solo quieren ayudar a sus “viejos” a que puedan componer la canción que está destinada a unir al mundo. 
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 Así como Keanu Reeves y Alex Winter volvieron a captar a la perfección la esencia de sus personajes, sus hijas también. 
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Pero Bill y Ted no están demasiado preocupados por cumplir la profecía, absolutamente seguros de que van a lograrlo. Acá no hay crisis de la mediana edad ni evolución de los personajes que valgan, internamente siguen siendo los mismos dos adolescentes pavotes y adorables que conocimos. Hasta que aparece Kelly (Kristen Schall), hija del mítico Rufus (el recordado comediante George Carlin) y enviada de los “Grandes”, para llevarlos a una audiencia con estos seres fuera del tiempo, que les exigen explicaciones. El límite de tiempo para componer la canción salvadora se está terminando y sus repercusiones son más graves de lo que imaginaban. 
Así es como Bill y Ted se embarcan, una vez más, en una serie de delirantes viajes por el tiempo en la cabina telefónica de antaño, donde van a conocer a versiones alternativas de ellos mismos y reencontrarse con algunos viejos amigos (y nuevos enemigos). Mientras tanto, sus geniales hijas no se quedan de brazos cruzados y aprovechan la presencia de Kelly para viajar al pasado y convocar una banda con los mejores músicos de la historia, con la intención de ayudar a sus padres. Muy en la sintonía de las andanzas adolescentes de Bill y Ted, no se enredan con explicaciones sobre las reglas del viaje en el tiempo ni sus consecuencias, todo es aventura de la más básica y pura. 
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 William Sadler también vuelve a su mítico papel como la Muerte, ex miembro de la banda Wyld Stallyns 
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Realmente no importa si la historia es altamente predecible o si algunas subtramas están demás, lo que importa es subirse a este viaje sin prejuicios y poder divertirse un buen rato. Estos personajes son tan queribles como los de tres décadas atrás y -al igual que sus antecesoras- la película no tiene muchas más pretensiones que la de entretener. Y eso es exactamente lo que hace, a fuerza de encanto, buen ritmo y unos efectos visuales muy respetables para su presupuesto. La ingenuidad y positividad de Bill &amp; Ted siguen intactas, como si el tiempo no les hubiera pasado. Y nos toman tan desprevenidos en estos tiempos complejos, que incluso -si bajamos un poco la guardia- nos pueden hacer emocionar.

Tres d&eacute;cadas despu&eacute;s llega directo a streaming esta tercera parte sobre los dos adolescentes viajeros del tiempo que est&aacute;n destinados a unir al mundo con su m&uacute;sica.

Tres d&eacute;cadas despu&eacute;s llega directo a streaming esta tercera parte sobre los dos adolescentes viajeros del tiempo que est&aacute;n destinados a unir al mundo con su m&uacute;sica.

Análisis | Bill & Ted Face the Music: Una secuela que recupera el espíritu original

Most awesome, dude!

Después de que el polémico final de la octava temporada de Game of Thrones dividiera las aguas entre los fans de todo el mundo y la crítica especializada, nadie podía evitar preguntarse cuál sería el próximo proyecto de David Benioff y D.B. Weiss. La dupla creativa llevó adelante la serie de HBO que se convirtió en un fenómeno cultural, y ya tenían otro acuerdo con la cadena&nbsp;para producir una controversial ficción que fue cancelada antes de nacer. Casi al mismo tiempo se anunció que encabezarían la próxima trilogía de Star Wars, pero ese proyecto también quedó en la nada por diferencias creativas con Disney y Lucasfilm. 
Sin embargo, D y D (como se los conoce en el ambiente) siguieron negociando sus servicios con el mejor postor, hasta que finalmente llegaron a un acuerdo con Netflix. Por esa misma época, el servicio de streaming estaba cerrando contrato con otros creativos como Ryan Murphy y Shonda Rhimes, que se unieron a sus filas para generar contenido original y exclusivo para la plataforma. Aunque en ningún momento se revelaron las cifras oficiales de este acuerdo, los medios especulaban con una suma cercana a los 300 millones de dólares y un contrato durante 5 años. 
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 Juego de Tronos se convirtió en la serie más premiada de la historia en los premios Emmy 
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Después de muchos meses sin novedades, hoy finalmente se confirmó la nueva serie a cargo de los creadores de Game of Thrones. Al igual que aquella, su nuevo proyecto para Netflix será la adaptación de una premiada saga literaria, en este caso del autor chino Liu Cixin. “El problema de los tres cuerpos” es la primera de la trilogía de ciencia ficción “El recuerdo del pasado en la Tierra”, aunque popularmente se conoce a la saga por el nombre de su primer libro. La trama está ambientada entre los años sesenta de nuestra era y varios milenios en el futuro, y narra la historia del primer contacto de la humanidad con una civilización alienígena. 
Hoy se supo también&nbsp;que su autor Cixin y el traductor encargado de llevar la obra al inglés, Ken Liu, estarán involucrados en la producción de la serie como asesores ejecutivos. En 2014 su trabajo se convirtió en la primera novela escrita en otro idioma que fue premiada en los prestigiosos premios Hugo. Ya hubo varios intentos de llevar esta saga al terreno audiovisual en los últimos años, pero hasta ahora no se concretó ninguno de esos planes. Hoy Netflix confirmó que Benioff y Weiss producirán y escribirán “The Three-Body Problem” junto a Alexander Woo, el responsable de otras exitosas series fantásticas como The Terror: Infamy y True Blood. 
<blockquote> 
 La trilogía de Liu Cixin es la serie de ciencia ficción más ambiciosa que hemos leído, y esperamos pasar los próximos años llevándola a la vida para las audiencias de todo el mundo. 
</blockquote> 
Los infames Benioff y Weiss acompañaron el comunicado de prensa con esta declaración, agregando que se trata de un viaje que llevará al público “desde nuestro pequeño punto azul pálido hasta los distantes confines del universo”. El autor Cixin también comentó que confía en la visión de la dupla creativa para adaptar su obra, que fue concebida como una historia “que trasciende el tiempo y los límites de las naciones, culturas y razas, invitándonos a considerar el destino de la humanidad como un todo”. Suena tan prometedor que ya se sumaron al proyecto Brad Pitt, Rosamund Pike y Rian Johnson en calidad de productores.

Se confirm&oacute; el pr&oacute;ximo proyecto de la dupla creativa David Benioff y D.B. Weiss, que ser&aacute; una adaptaci&oacute;n de la novela china “El problema de los tres cuerpos”.

Se confirm&oacute; el pr&oacute;ximo proyecto de la dupla creativa David Benioff y D.B. Weiss, que ser&aacute; una adaptaci&oacute;n de la novela china “El problema de los tres cuerpos”.

Los creadores de Game of Thrones anuncian su nueva serie para Netflix

Juego de Aliens

Anoche se estrenó en Fox para toda Latinoamérica, la nueva comedia animada sobre&nbsp;una familia tipo americana de clase media blanca, heredera de Los Simpson tanto en su forma como en su horario histórico en el canal. Duncanville retoma la premisa con una vueltita moderna, siguiendo la tradición televisiva de esa serie y todos los títulos que derivaron en mayor o menor medida de su éxito, como Padre de Familia y Los Reyes de la Colina. Incluso de series live action como Malcolm in the Middle y Modern Family, que también bebieron de esas influencias y hoy en día retroalimentan las nuevas creaciones de lo que ya es prácticamente un subgénero de la televisión estadounidense. 
Duncanville sigue al hijo adolescente de una familia de cinco, un pibe disconforme con todo en su vida, a pesar de que tiene padres cariñosos y comprensivos, además de un buen pasar y una vida social activa. En los dos primeros episodios de la serie se pudo conocer la dinámica de esta familia que se parece a tantas cosas que ya hemos visto antes, pero a su vez le aporta algo nuevo al género desde la perspectiva de este centennial irreverente. El propio Duncan -junto a su grupo de amigos- es precisamente una caricatura de todo lo que define a su generación, una especie de coming of age irónica para un personaje que se toma a sí mismo demasiado en serio. 
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 El diseño de Duncan está basado en el cantautor Ed Sheeran y el de su amigo&nbsp;Yangszi, en el vocalista de Foo Fighters, Dave Grohl. 
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Como todo protagonista que debe recorrer un camino para aprender una valiosa lección, con su público como testigo de su transformación y crecimiento, Duncan puede no caer demasiado simpático. Y eso está bien, porque ahí es donde reside el conflicto, la energía vital de cualquier guion. Sus creadores Amy Poehler, Mike Scully y Julie Thucker-Scully lo entendieron a la perfección y por eso trabajaron en sus personajes secundarios con el mismo énfasis que le pusieron al protagonista que da título a esta serie. Y de esta manera, desarrollaron el concepto alrededor de su familia, distribuyendo los roles de una manera en que todos tengan su momento para lucirse. 
El primer episodio gira alrededor de la relación de Duncan con sus padres, la estricta y pragmática&nbsp;Annie y el bonachón veterano de guerra Jack, que complementan sus roles parentales en una especie de dinámica de policía bueno/policía malo. Jack quiere enseñarle a Duncan a conducir, alegando que es el sueño de cualquier padre y dejando entrever una relación problemática con el suyo. Y Annie está convencida de que su hijo está a punto de tomar una mala decisión que arruine su vida, lo cual la vuelve especialmente sobreprotectora. Como cualquier adolescente en crisis que se precie de tal, Duncan se siente avergonzado por todo lo que hacen sus padres con las mejores intenciones de hacerle la vida más fácil. 
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 <img alt="" data-height="466" data-size="w:3600,h:2100" data-width="800" hspace="5" src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2020/08/31/original_1593005936_fox_channel_-_duncanville_101_x3x.jpg_640824151.jpg" title="" vspace="5"> 
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 La primera temporada ya está disponible completa para los suscriptores de Fox Premium 
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En el segundo capítulo, el foco gira hacia la relación con su hermana pre-adolescente Kimberly, una rebelde con causa que -a diferencia del caprichoso Duncan- tiene muy claro lo que quiere y por qué. Sus personalidades opuestas se enfrentan en una partida de videojuegos, mientras sus padres enfrentan su propio versus: liberar la casa de los recuerdos que los atan al pasado y no los dejan avanzar. Todo el episodio está lleno de nostálgicas referencias al rock de los ‘70, mientras que el torneo de videojuegos se parece mucho a un juego de rol de los ‘80, sin dejar que la tecnología ocupe un lugar demasiado central en las vidas de estos chicos. A su vez, la más pequeña integrante de la familia, llamada Jing, se apersona en cada gag para rematar con comentarios mordaces. 
Duncanville logra evocar una mezcla de sensaciones contradictorias: por un lado se siente como un constante tributo al pasado, pero a la vez se actualiza con un recambio generacional necesario desde hace mucho tiempo. En lugar de dejar morir el género como un recuerdo de otra época, busca reinventarlo sin traicionar su esencia, con&nbsp;personajes que pretenden ser&nbsp;universales en un mundo cada vez más claramente heterogéneo. Sin embargo, el&nbsp;potencial y el talento detrás de la serie son evidentes, y vale la pena darle una oportunidad. Solo es cuestión de que logre encontrar su rumbo para despegarse del resto y poder convertirse en un producto que sepa captar tan bien como sus predecesoras la esencia de su época.

La protagonista de Parks and Recreation se uni&oacute; con uno de los principales guionistas de Los Simpson para crear esta sitcom animada sobre una familia suburbana moderna.

La protagonista de Parks and Recreation se uni&oacute; con uno de los principales guionistas de Los Simpson para crear esta sitcom animada sobre una familia suburbana moderna.

Análisis | Duncanville: La nueva comedia animada de Amy Poehler

Hijo de familia

La esperanza, esa cosa con plumas… El primer verso del célebre poema de Emily Dickinson le da título en Latinoamérica a la nueva película original de Netflix, que llega hoy a la plataforma de streaming en simultáneo para todo el mundo. Y funciona a su vez como lema para su protagonista Amber Appleton (Auli’l Cravalho), una talentosa adolescente con altruistas motivaciones, que no para de sufrir hasta tocar fondo y llegar al punto de perder lo último que se pierde. 
Amber es una optimista estudiante de secundaria norteamericana, que trabaja como voluntaria en un hogar de ancianos, da clases de inglés a voluntad para adultos, organiza festivales de recaudación para su escuela, y todo lo hace siempre por una buena causa, con una sonrisa y una canción. Sin embargo, su situación personal va de mal en peor: desalojada de su casa por falta de pago y dejando atrás a un padrastro abusivo, vive con su madre en un autobús escolar que ella conduce y -para colmo- no le cuenta a nadie de sus necesidades. 
Porque buena, si sufrida, dos veces buena. O al menos ese es el mensaje que se desprende del guion, con un discurso moralista que presenta el sufrimiento como virtud y la lástima como recompensa. Si la descripción de la protagonista suena a princesa de Disney del siglo pasado, la elección del elenco completa esa idea convocando a la actriz que interpreta la voz de Moana para encarnar a la virtuosa Amber. Curioso, sin embargo, que la princesa más progresista y menos princesa quede reducida a un apolillado estereotipo que hasta tiene su animal acompañante. Moana se reiría de la ironía. 
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Basada en el best seller “Sorta like a Rockstar” de Matthew Quick, el mismo autor de El lado luminoso de la vida (Silver Linings Playbook, 2012), el proyecto de esta adaptación atravesó un camino sinuoso, hasta terminar en el catálogo de la N roja. A diferencia de su antecesora, no tuvo a un cineasta como David O. Russell a cargo del guion y dirección para convertirla&nbsp;en material digno del Oscar, sino que fue pasando por varias manos desde que Fox Searchlight adquirió los derechos allá por 2013. Hasta que finalmente fue a parar a Brett Haley, el mismo director que este año nos dio Violet y Finch, otro dramón de Netflix sin ritmo ni gracia. 
La buena de Amber tiene problemas de sobra para alguien de su edad, pero las tragedias en su vida -por más significativas que sean- no parecen pesar tanto como su conflicto interno: la incapacidad de pedir y de aceptar ayuda. Sin embargo, cuando es conveniente a la trama, nuestra heroína se puede sobreponer a su gran ¿orgullo? ¿dignidad? (nunca lo sabremos porque no queda en claro en ningún momento) para propulsar la acción y darle todavía más razones para sufrir. Quizás un material original que en otras manos podría haber encontrado su rumbo, termina siendo un sinsentido de lugares comunes para empaquetar una moraleja&nbsp;que se diluye en el camino.&nbsp;

La nueva pel&iacute;cula de Netflix es una adaptaci&oacute;n de la novela “Sorta like a rockstar”, sobre una sufrida joven que debe sobreponerse a sus tragedias personales y aprender a aceptar ayuda.