Buenos Aires y Corea del Sur se volvieron a conectar a través de la música durante las noches del 14 y 15 de septiembre.Stray Kids, la famosa banda surcoreana proveniente de la empresa de entretenimiento JYP, llegó al país por primera vez con STRAYCITY, su propio festival, con un concepto que suma en cada destino artistas especialmente curados para acompañar la jornada.Durante la tarde, la girlband argentina K4OS y el DJ y productor Cocho comenzaron a musicalizar la entrada de las fans, que ya hacían fila desde largas horas de la mañana, y ya entre el atardecer y la noche despejada de Zona Norte, NEXZ, el grupo surcoreano-japonés surgido en 2024, completó el line-up antes de la llegada de Stray Kids.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/15/STRAY_KIDS_x_@irishsuarez_-_051_(1)3999_.jpg"><figcaption>Foto: irishsuarez</figcaption></figure>&nbsp;La experiencia de un concierto de K-Pop no empieza desde el momento en que una persona pisa el estadio, sino que mucho antes. Desde que se anuncian las fechas de un tour y, entre muchos factores, si tu grupo favorito decide llegar a tu país o no.&nbsp;Desde que se anunció el "Dominate World Tour" entre 2024 y 2025, y sin Argentina en la lista de lugares a los que iban a visitar, las fans locales de Stray Kids se pusieron en campaña para recibir el mismo trato que sus pares de todo el mundo: crearon tendencias en redes sociales, pegaron afiches, reservaron segundos de pantallas en una de las avenidas más transitadas de Capital Federal.&nbsp;Con el festival STRAYCITY, ese sueño se les cumplió.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DdURrf5in4n/?img_index=1"></oembed></figure>Así lo mencionó Bang Chan, líder del grupo, a mitad del concierto en una noche todavía invernal de septiembre en el Hipódromo de San Isidro.El cantante comentó en coreano, con traductora cerca, que los chicos supieron de todas las cosas que el fandom argentino realizó para tener la posibilidad de verlos en vivo, en un país que previo a la pandemia llegó a tener presentaciones de grandes grupos de K-Pop (como SHINee, GOT7) y en los últimos años más bandas conocidas del género se animaron a venir.Bang Chan, Lee Know, Changbin, Hyunjin, Han, Felix, Seungmin e I.N comenzaron su show con temas como "TOPLINE" y "S-Class", que sirvieron para demostrar lo que llegaron a hacer: un gran show con la música, el baile, y los fuegos artificiales que sus fans sólo podían ver por pantalla.&nbsp;“MANIAC”, “DOMINO” y “Thunderous” encontraron del otro lado a un público que las que las entonaba como himnos, mientras que “God’s Menu”, la canción que marcó un punto de inflexión en la expansión internacional de Stray Kids, fue recibida de principio a fin por un coro masivo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/15/STRAY_KIDS_x_@irishsuarez_-_0297707_.jpg"><figcaption>Foto: irishsuarez</figcaption></figure>En "Divine", trajeron un poco más de cultura coreana a la Argentina, ya que utilizaron ropa tradicional (los Hanbok) para la presentación de varias canciones que combinaba lo moderno y lo clásico de un país oriental.En la segunda fecha, además de usar las camisetas de la Selección Argentina y agregar más canciones (el setlist del concierto del 15 terminó con "CEREMONY" y "Haven"), los chicos de Stray Kids pidieron un minuto de silencio en homenaje a Delfina, una adolescente de 16 años que falleció previo al show.Además del reconocimiento durante el show, los artistas enviaron una corona de flores a la familia de Delfina con una carta: "Nunca olvidaremos que amabas nuestra música y nuestras actuaciones, y que viniste para estar con nosotros".Con casi dos horas de show, los chicos terminaron su paso por Argentina con las canciones "MIROH", "Hall of Fame", y "Chk Chk Boom", para hacer bailar a chicas, chicos, padres, parejas y todo aquel que tuvo la oportunidad de ver a uno de los grupos más grandes del K-Pop.

El grupo surcoreano se presentó frente a miles de fans en el Hipódromo de San Isidro para dos noches que mezclaron la cultura y la euforia de dos países.

El grupo surcoreano se presentó frente a miles de fans en el Hipódromo de San Isidro para dos noches que mezclaron la cultura y la euforia de dos países.

Stray Kids y el K-Pop en Argentina: el género musical que sigue pisando fuerte en nuestro país

Stray Kids tocó por primera vez en Argentina con su festival STRAYCITY

Rave3000 coronará el año con un festival con 12 horas, múltiples escenarios al aire libre donde se reunirán importantes artistas de la escena: hard techno, house, trance y pop. El 11 de diciembre, desde las 18:hs hasta las 6 AM, el Club Ciudad de Buenos Aires será testigo de una jornada inolvidable.Esta oportunidad, también está creada para que todos puedan formar parte: espacios de fácil acceso donde cualquier vía de transporte será posible para vivir la experiencia desde que salís de tu casa hasta que regresas. RAVE3000 no es solo música, es también todo lo que sucede alrededor.Artistas que dirán presente en esta edición 2026CRISTÓBAL PESCE B2B CERA KHIN: Uno de los cruces fuertes de la fecha. Cristóbal Pesce vuelve a Buenos Aires después de una fecha sold out que dejó a muchísima gente con ganas de verlo y esta vez se presenta en un B2B especial junto a Cera Khin. Criada en Túnez y radicada en Berlín, Cera Khin llevó su sonido a escenarios como Tomorrowland, Awakenings, Time Warp, EDC Las Vegas y Monegros. &nbsp;LESSSS: DJ y productora francesa y uno de los nombres de la nueva generación del hard techno y schranz. Su sonido combina schranz, hard techno, samples de rap y distintas influencias que le dan una identidad propia. Su paso por Boiler Room fue uno de los puntos de inflexión que impulsaron su carrera internacional y hoy continúa creciendo dentro del circuito rave europeo. KESSLER: DJ y productor de Buenos Aires y residente de HEISS, proyecto referente de la escena hard techno local.&nbsp; <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/15/rave9252_.png">Rave3000 no solamente reúne nombres internacionales: también pone dentro del festival a DJs, productores y curadores vinculados a algunas de las fiestas que construyen la escena underground local. THD+N de Vértigo, Schwarzman de Be Techno, Clipper de Kaos y Korrosiv de DURX, entre otros, forman parte del line-up.Además shows en vivo de ARCA: Una de las figuras más influyentes de la música experimental contemporánea y uno de los grandes headliners de RAVE3000, MISSLUPE, Una de las artistas emergentes de la nueva escena argentina. MARTTEIN, el cantante y productor que cruza rock y electrónica, y su último álbum cuenta con participaciones de Dillom, Juana Rozas y Mariana Enriquez y LITTLE BOOGIE, una de las artistas en crecimiento que se suma a esta velada inolvidable.&nbsp;Entradas disponibles desde el jueves 17 de septiembre a través de Passline, disfrutá de 6 cuotas sin interés con Banco Galicia y 3 cuotas sin interés vía mercadopago con cualquier tarjeta. &nbsp;

Un encuentro de 12 horas con múltiples escenarios, al aire libre y lo más destacado de la escena musical.&nbsp;

Un encuentro de 12 horas con múltiples escenarios, al aire libre y lo más destacado de la escena musical.&nbsp;

Rave3000 cierra el año reuniendo a lo mejor de la cultura alternativa en Buenos Aires

Cultura Profética llega a la Argentina con En Bucle, su último álbum de estudio, que guarda una íntima relación con La Dulzura, disco que le dio un salto a la masividad en el país y que delineó una forma diferente de hacer música para la banda puertorriqueña. El romanticismo siempre fue parte de su ser, pero durante sus primeros años la música servía como herramienta de transformación del mundo desde Puerto Rico, un país con tradición colonial asociada a EEUU, que actualmente tiene el estatus de Estado Libre Asociado.La historia de Cultura Profética con la Argentina llega desde los primeros covers de la propia banda. Willy Rodríguez reconoce la importancia de Los Fabulosos Cadillacs en Latinoamérica, así como de Los Pericos, dos bandas que los inspiraban en los primeros años incipientes aún del grupo.&nbsp;La relación más estrecha llega de la mano de Los Cafres, grupo que escucharon por primera vez luego de grabar Canción de Alerta, su primer álbum, en Jamaica, cuna del reggae. "Nos regalaron dos discos de ellos, fue la única música que nos llevamos de Jamaica", aseguró Willy en diálogo con Filo.news.<blockquote>"Ahí fuimos entendiendo poco a poco la onda de ellos. Al principio no me entró, debo decirlo. Yo se lo he dicho a Guille”, recuerda entre risas.&nbsp;</blockquote>Sin embargo, con el correr del tiempo dieron un giro y se enamoraron de las canciones de Los Cafres. Incluso, Guillermo Bonetto fue quien terminó modificando la manera de cantar de Willy. Muchos artistas de la escena cambiaban la cadencia de la voz, pero Bonetto le mostró otra posibilidad. “Fue el primero que yo escuché en Latinoamérica cantando reggae con una voz propia, cantante real. Escucharlo a él me hizo escucharme y analizarme y decir: ‘Uf, yo no quiero cantar así, yo quiero buscar cuál es mi voz, de verdad’”.La diferencia en la cadencia de la voz de Willy quedó registrada en Canción de Alerta (1998) e Ideas Nuevas (1999). La influencia llegó, incluso, a mejorar la forma de escribir. Willy recuerda que sus estribillos no eran tan contundentes, algo que hizo que se lo replantee Bonetto: "¿Dónde está el estribillo de la canción?", le repetía."Le debo mucho a Guillermo Bonetto y a Los Cafres en general", asegura Willy.&nbsp;En diálogo con Filo.news, Willy Rodríguez habla de la inesperada influencia argentina en la historia de Cultura Profética, de los años en los que sentían que utilizaban la música como herramienta de cambio, con un mensaje político, del prejuicio de una parte del público frente a sus canciones de amor y de un nuevo álbum que, sin haberlo buscado, cerró un círculo.—Hay una relación muy fuerte de Cultura Profética con Argentina. ¿Qué lugar tuvieron las bandas argentinas cuando ustedes empezaban?—Los Fabulosos Cadillacs... Esto es bien curioso. Antes de Cultura Profética yo tocaba el bajo y Omar Silva tocaba guitarra en una banda que teníamos que se llamaba The Scattered. El único concierto real que nosotros tocamos fue abriendo el primer show de los Cadillac en Puerto Rico, en el 94.—¿Cómo fue el show?—Fueron como 200 personas nada más. Los Cadillac para nosotros ya eran gigantes, pero ese show no se dio muy bien. Después vinieron y fue gigante, pero en ese momento, que fue la primera vez, aparte llovió un montón. Fue una gran fiesta, pero éramos muy pocas personas. Nosotros abrimos ese show y fue súper lindo, histórico para nosotros.—¿Ya escuchabas música argentina en ese momento?—De los Cadillac tocábamos mucha música. Me acuerdo de estar en la escuela, octavo, noveno grado, bailando full con los Cadillac antes de conocer Los Cafres. Cuando empezó Cultura Profética, nosotros no sabíamos que existían bandas literalmente de reggae en español. Sí escuchamos Los Pericos y en los primeros meses montamos algún tema de ellos, pero no sabíamos que existían Los Cafres o Gondwana en Chile.&nbsp;No fue hasta que nos fuimos a grabar, después de dos años, a Jamaica. Un amigo nos regaló varios discos de Los Cafres y esa fue la única música que nos llevamos a Jamaica cuando fuimos a grabar el primer disco.&nbsp;—Qué increíble que en Jamaica te hayan dado discos de Los Cafres, qué linda la representación argentina en todos lados.&nbsp;—Eran dos discos, Instinto y Frecuencia Cafre, creo. Al principio como que no me entró, debo decirlo. Yo se lo he dicho a Guille. Al principio no me entró y después me enamoró, así de que me encanta. Y debo decir que me influyó bastante hasta en buscar mi voz.—¿Cómo que te influyó en buscar la voz? ¿Cómo es eso?—Para ese tiempo estaba Café Tacvba y mucha gente que cambiaba su tono de voz para cantar. Era algo bien de los 80's, 90's, que tú buscaras cambiar un poco tu voz cuando cantabas música alternativa. Guille fue el primero que yo escuché en Latinoamérica cantando reggae con una voz propia, cantante real. Escucharlo a él me hizo escucharme y analizarme y decir: “Uf, yo no quiero cantar así, yo quiero buscar cuál es mi voz, de verdad”. Si tú escuchas del primero al segundo disco, hay una diferencia gigante y es gracias a él. Entendí que él estaba usando su voz y esa fue la mayor influencia de Los Cafres en nosotros, porque musicalmente somos bastante diferentes.—Puede ser que haya algo de Los Cafres en la última parte de Cultura Profética, pero es verdad que no son tan parecidos musicalmente.Ellos siempre han hecho temas muy pegajosos desde el principio, nosotros no. Hacíamos canciones súper experimentales y el mismo Guille fue el que me dijo: “¿Dónde está el estribillo?”. Y yo: “No sé”. Nosotros no utilizábamos demasiado el estribillo. Y muy bien, porque de eso se trata la música. Tienes que encontrar un lugar donde volver siempre. Él me hizo también analizar eso y escribir cada vez de manera más contundente. Le debo mucho a Guillermo Bonetto y a Los Cafres en general.<h4>De querer cambiar el mundo a cantar sobre el amor</h4>—Cultura Profética nació como una banda que tenía mucho para decir a nivel político y cultural. Hoy hay otra presencia del amor. ¿Qué necesitaban decir entonces que quizá ya no sienten necesario decir ahora?<blockquote>Éramos jóvenes y tú sabes que cuando uno está como en ese despertar de la juventud quieres cambiarlo todo. Con la música como herramienta, nosotros soñamos en cambiar el mundo y creo que sí lo hicimos en lo que pudimos.&nbsp;</blockquote>Hay varias generaciones que se han criado con las letras que dejamos ahí para siempre y que nos han venido a decir: “Mira, gracias a ustedes yo exploré toda mi identidad o ideas que jamás hubiese pensado”.—La música tiene algo de esto de enseñar. A nivel cultural, muchos exploran historia y política por música que escuchan. Ayuda a reflexionar.—Por medio de la música creo que acompañamos a personas en su camino de entender la vida de alguna manera diferente. Siento que en aquel entonces, sin medios sociales y sin estos temas en la música popular, sí era importante decir todo esto. Especialmente en Puerto Rico, que vivimos como en una cápsula pequeñita. Había muchas cosas que decir.&nbsp;—¿Y qué cambió?—Hoy, con todo el boom de los medios sociales y tanto activismo por todos lados, no recae ya sobre la música la responsabilidad de llevar esto. Definitivamente en aquel momento sí. Aparte estábamos influenciados por música que escuchábamos en ese entonces. Yo me crié cantando Silvio Rodríguez y me identificaba con toda esa idea de llevar la voz por medio de la música. Pero siento que hoy no hace falta. Hay activismo por todos lados y todos los días nos levantamos con noticias de aquí al otro lado del mundo instantáneamente.—El amor también estaba ahí desde antes...—Siempre fui un enamorado. Recuerdo siempre a mi mamá diciéndome: “Ay, pero ¿por qué tú cantas sobre estas cosas?”. Siempre me ponía a dudar porque ya me conocía y conocía mis inclinaciones. Yo le explicaba que se me hacía muy difícil cantar canciones de amor porque lo lindo es cómo tú hablas de estas cosas sin que suenen trilladas.—¿Cuándo sentiste que encontraste esa forma?Poco a poco vinieron temas como “De Antes”, “Un Deseo”, y fui explorando y sintiéndome cada vez más cómodo en encontrar una manera única o personal de abordar esos temas. Cuando llegó La Dulzura (2010) sentí que fue el mejor lugar para estar para mí. Energéticamente me sentí demasiado cómodo, completo. Creo que tomó mucho tiempo y madurez poder encontrar ese camino y esa seguridad para expresarte por ahí, aunque tu público ya esperara otra cosa de ti.<h4>En Bucle: el regreso a la energía de La Dulzura, el lado A y B, la colaboración con Dread Mar-I y las notas de voz</h4>—Cuando apareció En Bucle, mucha gente habló de una especie de La Dulzura 2.0. ¿Ustedes también lo sintieron?—Es muy loco porque no siento que se hizo a propósito, el hecho de que tuviera la energía de La Dulzura. Pero ya cuando estábamos bastante cerca del final se sentía muy claro. Me acuerdo específicamente de un día que llegó un amigo al estudio, un domingo, y le enseñé todo el disco. Fue la primera vez en muchos meses que por fin escuché una canción detrás de otra sin estar trabajando. Ese día dije: “Okay, tengo un disco”. Y empezamos en broma con esto de que era casi como La Dulzura y, de momento, salió y todo el público empezó a decir lo mismo sin nosotros tener que decirlo. Fue muy loco porque todo el mundo lo sintió.Hay gente incluso que es como: “Regresaron”. Y a veces uno como medio se molesta porque dice: “Oye, nunca nos fuimos”. Seguíamos acá. Sacamos Sobrevolando (2019), que ganó el Grammy Latino, varios sencillos desde La Dulzura para acá, muchos viajes, muchos proyectos, colaboraciones. No nos fuimos.—Pero entendés de dónde viene esa sensación... en Argentina, La Dulzura fue una explosión. Sonaba en todos lados—Puedo entenderlo y tomarlo bien. Siento que, como dice por ejemplo la canción “Caracoles”, al fin volví a esa energía linda que tanto fue como mi lugar más natural.—El disco está dividido en un lado A y un lado B. Cuando lo escuchaba sentía que al principio aparece el enamoramiento y después empiezan a asomar las dudas, las peleas y cierra con "Ya volveré" que promete bastante. ¿Lo pensaron como un recorrido?—Es como yo quise acomodarlo en lado A y lado B, como se hacía antes con los discos. Comúnmente eso se usaba más para acomodar todos los temas que eran como más pegajosos en el lado A, y en el lado B, los “side B”, los temas que son maybe más queridos por ti, que no necesariamente crees que la gente los va a abrazar igual.El lado A, que es el lado del enamoramiento y toda la cosa, empezando por “Déjame Entrar” en ese punto de partida.&nbsp;—¿El lado B sería entonces el momento en el que esa relación empieza a romperse?—No digamos que es como peleas y desamores, porque también el lado B empieza con “Malena”. No hay una historia específica, son varias historias diferentes. “Malena” es como de algo que no se dio y estás como en la duda. O “Dame Luz”, que es cuando estás medio perdido en la relación, no sabes qué está pasando realmente.—Y después aparece “Mal Herido”, donde esa ruptura ya es mucho más evidente.—Exacto, “Mal Herido” ya es como...—Ahí también hay una conexión argentina porque aparece Mariano, de Dread Mar I. ¿Cómo nació esa colaboración?—Y no solo es con Mariano. Ese tema terminó siendo con Mariano porque gran parte de la canción la compuso su tecladista y director de banda, Mati Zapata. Yo lo escuché a él cantando una versión en Instagram y le escribí inmediatamente: “Hermano, ¿tú tienes un plan con esta canción? ¿Qué hay? A mí me identificó demasiado, me encantaría poder grabarla”.—¿La canción ya estaba terminada en ese momento?—Él tenía como la estrofa y el coro y ahí terminaba la idea. Ya era una canción, pero obviamente para hacerla completa hicimos otra estrofa, un puente. Yo lo que hice fue basarme en eso mismo para seguir añadiendo a la historia.—Me gustó mucho que el disco tenga las notas de voz. Hay una especialmente íntima, que parece una nota de voz que alguien realmente acaba de mandar. "Quería decirte cositas"...—Me gustó no poner quiénes son para dejar eso ahí como a la imaginación. Esa específicamente sentí que quizás podía chocarle a nuestro público muy de culto. Pero me gusta. Es pícaro, es muy real lo que pasa entre la gente que se conoce y comparte, esa es la confianza que hay. Yo quería jugar con esa idea de que los temas sean íntimos.—Después de 30 años siguen probando sonidos nuevos—“Flaca” es un afrobeat y es algo que queríamos hacer hace rato. Incluso hay otros dos afrobeat que no quedaron en el disco. Son instrumentales que quedaron ahí como ideas que posiblemente vengan para el próximo. Incluso estuvimos coqueteando con la cumbia también.La banda puertorriqueña vuelve a la Argentina el próximo viernes 18 de septiembre en el Arena de Villa Crespo y continúa su gira el 19 de septiembre de 2026 en Quality Espacio de Córdoba.

A 30 años de sus comienzos, Willy Rodríguez habló con Filo.news sobre el camino que transformó a la banda puertorriqueña y el presente de En Bucle, un disco que recupera la energía de La Dulzura y abre una nueva etapa. El viernes 18 de septiembre tocan en el Arena de Villa Crespo.

A 30 años de sus comienzos, Willy Rodríguez habló con Filo.news sobre el camino que transformó a la banda puertorriqueña y el presente de En Bucle, un disco que recupera la energía de La Dulzura y abre una nueva etapa. El viernes 18 de septiembre tocan en el Arena de Villa Crespo.

Cultura Profética: Los Cafres como influencia, el sueño de cambiar el mundo y su vuelta al amor con "En Bucle"

Ser anticipa la llegada de la primavera con “Sola en vivo”, una nueva versión de uno de los temas más conocidos de la banda. Para esta ocasión, el grupo se unió a Demián “DMIX” Marcelino, compositor y guitarrista de Los Cafres y, además, uno de los cofundadores de SER.El lanzamiento combina el espíritu del reggae y el pop con la energía característica de la banda y forma parte de La Vida Baila Live Session, el primer álbum en vivo de la banda, que será presentado canción por canción hasta su lanzamiento completo, previsto para fin de año.“Sola” tiene un significado especial para SER. Según contó Fede Berdullas, cantante de la banda, la canción marcó un antes y un después en la historia del grupo: fue su primera canción viral en Spotify, recibió una nominación a los Premios Gardel y fue reconocida como una de las canciones del verano.Ahora, el tema vuelve a cobrar vida en una sesión que reúne a músicos con una larga historia compartida. Berdullas y DMIX son amigos, colegas y compañeros de camino musical desde hace años, y juntos compusieron numerosas canciones, participaron de producciones y compartieron cientos de escenarios.Grabada a 5 cámaras en mano en la Ciudad de Buenos Aires, la banda presentó el video de la reversión del hit que ya está disponible en plataformas.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=GKJbhA7jIdA&amp;list=RDGKJbhA7jIdA"></oembed></figure>

La banda presentó una nueva versión de uno de sus temas con la colaboración del guitarrista y compositor de Los Cafres. Es el segundo adelanto de “La Vida Baila Live Session”, su próximo disco en vivo. &nbsp;

La banda presentó una nueva versión de uno de sus temas con la colaboración del guitarrista y compositor de Los Cafres. Es el segundo adelanto de “La Vida Baila Live Session”, su próximo disco en vivo.&nbsp;

SER lanzó una nueva versión en vivo de su gran éxito "Sola" junto a “DMIX” de Los Cafres

Bad Gyal vuelve a la Argentina para presentarse por primera vez en el Estadio Arena de Buenos Aires, el próximo 14 de octubre, en el marco de su Más Cara World Tour 2026. La artista catalana llega con un nuevo espectáculo en el que presenta su segundo álbum de estudio, Más Cara, un proyecto que transforma en experiencia en vivo los 19 temas que componen el disco, con nueva escenografía, coreografías y una puesta en escena de gran despliegue estético.“Empecé a ser BAD GYAL con 19 años y en estos diez años este trabajo tomó una velocidad fuertísima. Me siento más que nada una compositora, lo mío es la música, pero estoy detrás de todos los detalles de mi carrera. Mi proyecto soy yo”, reflexiona la artista.En esta nueva etapa la artista presenta un espectáculo de alcance global, con una puesta audaz y de gran despliegue visual, que consolida su evolución y su dominio escénico.Creado entre Miami, Puerto Rico, Colombia y España, su esperado álbum “MÁS CARA” fusiona géneros como reggaetón, R&amp;B, dancehall, merengue house y shatta jamaiquino, entre otros, construyendo un sonido que combina influencias clásicas del urbano con una mirada contemporánea y global.Con créditos de coautoría en cada una de las canciones, el disco reconecta a Bad Gyal con las influencias que despertaron su voz creativa, mientras amplía los límites de la música urbana con tracks como “Un Coro y Ya :)”, “La Iniciativa” y la canción que da nombre al proyecto, “Más Cara”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/11/artistaaa2894_.png"></figure>El concepto del álbum nace de lo que la propia artista define como su “dream playlist”: un recorrido por las músicas que marcaron sus primeros recuerdos y que continúan moldeando su identidad artística. &nbsp;El próximo 14 de octubre, Bad Gyal llevará este universo al Estadio Arena de Buenos Aires, donde se reencontrará con el público argentino para presentar en vivo las canciones de Más Cara y repasar una trayectoria que la convirtió en una de las figuras más relevantes de la nueva escena urbana internacional. &nbsp;

En el marco de su Más Cara World Tour 2026, la artista catalana se presentará por primera vez en el Estadio Arena de Buenos Aires el próximo 14 de octubre.

En el marco de su Más Cara World Tour 2026, la artista catalana se presentará por primera vez en el Estadio Arena de Buenos Aires el próximo 14 de octubre.

Bad Gyal anunció su regreso a la Argentina

Antes de que Nonpalidece pudiera grabar un disco en Kingston, Jamaica era una imagen lejana que aparecía en algún VHS, difícil de conseguir en esa época. Como grupo de amigos, intentaban entender la música que escuchaban, con gutarra y bajo en mano para captar la escencia de ese ritmo.&nbsp;Casi 30 años después, llegaron a la isla caribeña para tocar por los 80 años de Bob Marley. En el camino, la banda se convirtió en uno de los grupos fundamentales del reggae argentino, construyó una discografía que atravesó generaciones y terminó llegando a Jamaica, lugar que había alimentado buena parte del imaginario inicial.La historia de Nonpalidece arranca en 1996 con un grupo de amigos de la escuela que tenía "ganas de decir algo", de hacer escuchar su voz. "Nos sentíamos identificados con la música reggae", recuerdan sobre aquella época en la que el género aún era incipiente.Pese a que Jamaica era el país por excelencia del reggae con Bob Marley como embajador, Nestor Ramljak destacó que "SUMO hizo una mecha ahí también en cuanto a sus reggaes y principalmente Superman Troglio con la batería. SUMO era una banda de rock, hacía excelentes reggaes, pero él, a través de la batería, creo que le daba un golpe que lo hacía tan especial a esa primera influencia”.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dceg_hoEvFE/"></oembed></figure>Tres décadas después, Nonpalidece vuelve sobre esos comienzos mientras prepara su festejo de aniversario. En diálogo con Filo.news, Nestor Ramjlak y Facundo Cimas reconstruyeron su historia que empezó entre discos, instrumentos y amigos y que, muchos años después, terminó llevándolos hasta la cuna del reggae.—Cuando empezaron, el reggae todavía era bastante incipiente en la Argentina. ¿Cuál fue el puntapié inicial de Nonpalidece?Facu: Teníamos ganas de decir algo. De alguna manera nos sentimos identificados con la música reggae. Había algo para decir claramente y había ciertas influencias nacionales también.&nbsp;Nestor: SUMO creo que hizo una mecha ahí también en cuanto a sus reggaes y principalmente Superman Troglio con la batería. Sumo era una banda de rock, hacía excelentes reggaes, pero él, a través de la batería, creo que le daba un golpe que lo hacía tan especial a esa primera influencia.Y después estaban nuestras ganas de inspeccionar también nuestras curiosidades desde el instrumento propio de cada uno y sobre una música que nos llamó la atención de una manera diferente a lo que veníamos escuchando. De repente, con Facu, que compartíamos colegios y diferentes espacios en común, él tenía su banda, yo tenía mis cosas y era: “Che, ¿escuchaste?”. Nos pasábamos música y de repente confluyó en: “Che, mirá esto”. Y esto era Marley.—¿Qué fue lo primero que escucharon de Bob Marley?Nestor: Lo primero que llegó fue Legend, pero después llegó, no sé si algún disco del estilo Survival...Facu: Yo con Confrontation.&nbsp;Nestor: Y a partir de eso, intentar tocar reggae. “Che, qué raro que tocan”. Nos empezamos a juntar. “Venite a casa”. Yo tocaba la guitarra, él tocaba el bajo y yo chancleteaba, “chan, chan”, tratando de entender.—¿Aprendieron sobre la marcha?Nestor: Sí. En el círculo que nos movíamos había curiosidad por la música, entonces era: “Che, ustedes están tocando, ¿no? A ver, ¿cuándo nos juntamos?”. Y ahí se fue armando como una célula que se movía, se movía, se movía. Ya por el año 2000 tomó como una fuerza un poquito más, ve la luz el primer disco y la historia se cuenta 30 años después.<h4>“Éramos niños rebeldes”</h4>En aquellos primeros años, el reggae llegaba a Nonpalidece no solo desde el sonido sino que también había una identificación con su costado más contestatario y con la posibilidad de transformar la realidad.—Recién decían que tenían ganas de decir algo. ¿Qué quería decir Nonpalidece hace 30 años y qué tiene para decir hoy?Facu: Éramos niños rebeldes y veíamos que pasaban cosas que no estaban bien, no estábamos de acuerdo. Estábamos escuchando música que musicalmente ya lo expresaba y después las letras. Todo eso fue algo muy loco. Qué sé yo, veníamos por ahí de escuchar música punk. El punk era algo medio parecido al reggae, contestatario, pero “rompan todo”.Nestor: La diferencia del reggae era: “No, todo tiene solución”.—Lo hacemos desde el amor.Facu: Claro, todo tiene solución.Nestor: Estamos en duda ahora si el amor vence al odio... unas ganas de “rompan todo” bárbaras.—¿Y cómo aparece esa necesidad de decir cosas en la banda de hoy?Nestor: Eso es lo que quizás fue la voz inicial de expresarse en los inicios y un poco este chascarrillo viene a traer un poco de realidad, de que a veces dan ganas de romper todo. Es un poco la voz de ahora, lo que nos mueve también a través del proyecto, a través de la música que hacemos: poder canalizar un poco lo que nos pasa, lo que charlamos nosotros, lo que vemos que pasa a nuestras familias, a la sociedad.<h4>De conocer Jamaica por VHS a grabar en Kingston</h4>Durante años, Jamaica existió para ellos a través de su música y de unas pocas imágenes que lograban circular en los famosos VHS, previo a que existan las plataformas y las redes sociales. Ese estudio que ellos veían desde una pantalla, después de más de 25 años, terminó convirtiéndose en el lugar donde Nonpalidece grabó Hecho en Jamaica.—Bob Marley aparece desde el comienzo de la banda y después construyeron un vínculo muy fuerte con Jamaica. ¿Cómo fue aquel primer acercamiento a la isla cuando todavía la conocían solamente a través de su música?Nestor: En su comienzo eran unos VHS. Hasta eso... pongan la pantalla en blanco y negro. Había un casete así grande que iba adentro de una casetera que no todos tenían aparte.—Era muy complicado de conseguir.Nestor: No todos los vecinos tenían una videocasetera y esos videocasetes no se veían, no ibas al videoclub. Era una cosa rara. Y ahí vimos unos primeros videos de Jamaica, se veían algunos recitales, algunas cosas que decíamos: “Wow”. Y nos juntábamos en la casa de uno a una hora, porque ¿quién te iba a dejar ver todo eso?—¿Qué les pasó cuando finalmente llegaron a Jamaica después de tantos años de verla desde lejos?Nestor: Cuando fuimos a la isla ya había pasado mucho tiempo de aquellas primeras veces y fue como un encuentro con cosas que ya parecía que las conocíamos o que las habíamos visto sin haber ido. Los estudios, porque aparte muchos de esos videos estaban en los estudios de grabación.Facu: Después de verlos tantas veces era como que ya entrabas, pero igual cuando entrabas ahí se te... uf.—¿Superó lo que se habían imaginado?Facu: Sí, sí. Superó todo, todo, todo.—¿Había también cierta idealización de Jamaica desde la distancia? ¿Encontraron algo diferente cuando llegaron?Nestor: No, no, no. Yo confirmé algunas ideas que tenía de cierta distancia o seriedad de parte de los jamaiquinos, en líneas generales. Después, obviamente, cuando entrás en confianza o hablás con uno o con otro es un poco más amable.Nosotros fuimos a Kingston a grabar un disco y nos tomamos la licencia de ir antes porque la persona que produjo toda esa hermosa idea dijo: “No, no, de ninguna manera van al estudio. Nos vamos cuatro días a conocer un poco la isla, comer comida, que entremos en onda y ahí se graba el mejor disco de su vida”. Dale.Obviamente en los lugares que son superturísticos hay como un humor y en Kingston es otra cosa. En Kingston sí vivimos más como una situación más adusta, como de arriba para abajo. Lo que vale dos de repente vale seis. Como que tenés que estar pillo en todo.<h4>“Estás en la cuna”</h4>El vínculo con Jamaica tuvo otro capítulo cuando regresaron para participar de la celebración por los 80 años de Bob Marley. Esta vez iban a tocar reggae en la cuna de ese estilo y en castellano.—Después volvieron a Jamaica para los 80 años de Bob Marley. ¿Cómo vivieron ese momento?Nestor: Fue un show, tocamos 16 minutos.—¿Los 16 mejores minutos?Nestor: Había mucho nervio también. Habían muchos otros artistas, entonces había una situación de escenario un poco complicada, pero ¿quién te quita lo bailado?Facu: Estás en la cuna. Las rodillitas temblaban.Nestor: Yo lo disfruté, lo disfruté.<h4>Los 30 años y una celebración elegida con el público</h4>Tres décadas después de aquellos primeros intentos por descifrar cómo se tocaba reggae, Nonpalidece prepara una celebración atravesada por el número 30 para el 1° de octubre en el C Art Media. Serán 30 canciones, con parte del repertorio elegido a través de las redes sociales, y entradas a $30.000.

La banda celebra tres décadas de historia con un show de 30 canciones elegidas junto a su público. En diálogo con Filo.news, sus integrantes recordaron los comienzos, la influencia de Sumo y Bob Marley, el viaje que los llevó a grabar en Kingston y cómo cambió aquella rebeldía con la que empezaron a hacer música.

La banda celebra tres décadas de historia con un show de 30 canciones elegidas junto a su público. En diálogo con Filo.news, sus integrantes recordaron los comienzos, la influencia de Sumo y Bob Marley, el viaje que los llevó a grabar en Kingston y cómo cambió aquella rebeldía con la que empezaron a hacer música.

Nonpalidece, 30 años después: de descubrir a Bob Marley en VHS a cumplir el sueño de tocar reggae en Jamaica

Tan Biónica continua con "El Regreso Tour", gira que los trae nuevamente a la escena musical, con un nuevo disco, luego del éxito de "La Última Noche Mágica".&nbsp;La banda compuesta por Chano, Bambi, Diega y Seby se reencuentran con su público en el escenario porteño para una nueva noche inolvidable: sus clásicos, las canciones de El Regreso y ese clima inconfundible que solo Tan Biónica genera cuando arrancan los primeros acordes.Tras agotar dos fechas para el 11 y 12 de febrero en el Estadio Arena en el día de hoy anunciaron que suman dos fechas más para el 24 y 25 de abril.&nbsp;Luego del reencuentro histórico de 2023, Tan Biónica agotó entradas en tiempo récord y convocó a más de 500.000 personas en su gira "La Última Noche Mágica", con presentaciones sold out en River Plate, dos Vélez, dos Estadio Único de La Plata y diez Estadios Arena de Buenos Aires, además de shows en Latinoamérica y Europa.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/10/tanbionica9711_.png"></figure>Ahora tras lanzar nueva música, la banda continua tocando con "El Regreso Tour" con el que agotó tres Vélez y actualmente están recorriendo Argentina, Latinoamérica y España, confirmando el vínculo intacto con su público en todo el país.Una noche pensada para que convivan las dos etapas de la banda: los clásicos que todos saben de memoria y los temas de El Regreso. Un show que reúne a las generaciones que crecieron con Tan Biónica y a las que recién la descubren, con la misma intensidad que la volvió una de las bandas más queridas del país. &nbsp;Las entradas para estas nuevas funciones estarán a la venta a partir del viernes 11 de septiembre a las 16:00hs con venta general para todos y beneficios de cuotas sin interés con tarjetas seleccionadas.&nbsp; &nbsp; &nbsp;

Chano, Bambi, Diega y Seby se reencuentran con su público en el escenario porteño para una nueva noche inolvidable junto a sus clásicos, las canciones de El Regreso y esa fiesta a la que tiene acostumbrada a toda su comunidad.&nbsp;

Chano, Bambi, Diega y Seby se reencuentran con su público en el escenario porteño para una nueva noche inolvidable junto a sus clásicos, las canciones de El Regreso y esa fiesta a la que tiene acostumbrada a toda su comunidad.&nbsp;

Tan Biónica suma dos nuevas fechas a su nuevo tour

Treinta años después de la salida de Tercer Arco, Micky Rodríguez vuelve a Buenos Aires con uno de los discos fundamentales de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/12/15/despues-de-15-anos-volvieron-los-piojos-la-emocionalidad-del-publico-fue-la-clave-de-uno-de-los-shows-mas-esperados">Los Piojos</a> que los llevó a del barrio a los estadios, como cuenta Juan Cruz Revello en su libro. El bajista recupera aquellas canciones y las llevará a Groove el próximo viernes 11 de septiembre junto a La Chillinga, grupo de percusión de Daniel Buira, quien falleció el pasado 21 de marzo.La historia de aquellos jóvenes del conurbano que pintaron los 90's para toda la generación siguiente es la de Miguel Ángel Rodríguez, como bajista y miembro fundador. La vuelta de Los Piojos en diciembre de 2024 resultó algo opacada sobre el final cuando se conoció que el bajista no sería parte de este reencuentro, pese a que previamente con <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/03/03/volvio-condon-clu-una-fiesta-de-rock-y-erotismo-abrio-con-un-show-de-ritual-87-a-puro-trapo">Ritual 87</a> estuvo tocando junto a Dani Buira (baterista) y Chucky De Ipola (tecladista) canciones de Los Piojos.&nbsp;"Yo pensé que alguna vez podíamos volver a estar juntos y en armonía", dice Micky, aunque no cree que ese haya sido el momento y eligió dar un paso al costado. Sin embargo, no se aventura a cerrar definitivamente la puerta: "No descarto volver en algún momento, porque yo soy así. No tengo rencores ni odios para nada", aseguró.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/10/10010153109429_.jpg"><figcaption>Micky Rodriguez junto a La Que Faltaba | Foto: Matías Calderón.</figcaption></figure>A 30 años de Tercer Arco, Micky Rodríguez repasa junto a Filo.news la construcción de aquel disco, la particular mezcla musical de Los Piojos, los tintes políticos que atravesaron su obra, su vínculo con Dani Buira, los comienzos casi como un juego en El Palomar y la vuelta de la banda de la que finalmente decidió no participar.— Son 30 años de Tercer Arco, un disco que parece imposible separar de la Argentina de los 90's y muy político. Arranca con Esquina Libertad y más adelante está Shup Shup, que un poco describe a Menem.— Era un poco la característica de nosotros. Si bien no éramos estrictamente una banda política, por lo menos en el reflejo de las letras de Andrés (Ciro) había muchas cosas con las que todos estábamos como de acuerdo. Y yo me tomo la licencia de creer que también todos apoyábamos esa pluma, digamos.— También es un disco en el que hay un trabajo muy importante de Dani Buira.— Sí. En realidad es parte como del crecimiento y del perfil que empezamos a delinear. La figura de Dani empezó a tomar mucho más protagonismo. Yo aprendí a tocar el bajo con él y, a partir de eso, empezamos a recorrer para atrás un poco las influencias: el Negro Rada, toda la música uruguaya.Siempre digo lo mismo: si bien nosotros, o por lo menos yo, no era un purista en el estilo, tomaba las cosas que me hacían mover de los estilos, tanto del candombe o de la murga, como de la música brasileña o también del folclore argentino. Nunca vi una pureza del estilo. Por lo menos en mí, trataba de llevarlo a cabo a partir de la ejecución o de la forma en que yo tocaba el bajo. Y ahí con Dani creo que fue, para mí, una linda dupla. De hecho, por un momento parecíamos uno.— Los Piojos tenían una fusión muy particular. Aparecía el candombe, el tango, el folclore... fueron una de las primeras bandas de rock barrial que después se amplificó. ¿De dónde venía esa búsqueda?— Había una naturaleza en cada uno de nosotros que especulo que tiene que ver con la raíz familiar. En mi casa se escuchaba tango como se escuchaba folclore. Entonces esas cuestiones fueron como tomándose, repito, de alguna manera como sentimientos, sin caer en el estricto estilo.El tango nos atravesaba a todos de alguna manera porque, siendo una música argentina y popular, lo habíamos escuchado mucho. En el primer álbum grabamos Yira Yira. Agarramos de todos lados, porque también había cosas de funk o de reggae o de rock. Entonces era como una mixtura.— En “Don’t Say Tomorrow” esa forma de trabajar aparece incluso desde la composición entre inglés y castellano. ¿Cómo construían las canciones?— Muchas canciones tenían un desarrollo y ahí vuelvo de vuelta a Dani. Empezaban siendo a partir de ritmos que planteábamos nosotros y después nos desarrollábamos todos juntos. Andrés metía una melodía, Tavo, Piti, un cambio de acordes sobre la rítmica. Entonces era como una fórmula de composición que usábamos mucho.De hecho, recién le contaba a un colega que el laburo que tenía que hacer Alfredo Toth era terrible, porque capaz que había un tema que duraba 25 minutos. Y nosotros, recopados tocando, pero había que acotarlo.— ¿Y Alfredo Toth les decía hasta acá?— Venía con su maqueta ya producida en su casa y editada, y decía: “Che, este es el tiempo, acá tenemos que ver”. Y la verdad es que acatábamos porque confiábamos mucho en él, por el oficio y porque era verdad que un tema no podía durar 20 minutos. Parecíamos Led Zeppelin.&nbsp;— ¿En qué canciones se sentía especialmente su mano?— En todas, en todas, en todas. Había laburado con Charly García, tenía un oficio de Los Gatos, o sea que confiábamos plenamente en él. Y después también había una cosa que me parece que va un poco más atrás de lo musical, que es la idea de poder llevar el barco en una grabación, que a veces genera ciertas cosas. Él comandaba de una manera armoniosa y alegre. Eso también es una virtud que, para mí, termina siendo música.— En Tercer Arco también aparece mucho la figura del Che Guevara. ¿Qué relación tenían ustedes en ese momento con él?—Yo me sumo a la interpretación de las letras de Andrés y ahí me saco el sombrero. Es una letra de él y tiene que ver con la historia, con lo que todos conocemos, con esa idea de lo que generó el Che en el mundo. No solamente acá. Siendo argentino era un condimento importante, pero tal vez tenga que ver con esa idea de la libertad, de ser libres.A veces estaba mal interpretada la figura del Che. Es un juego medio perverso que es difícil interpretarlo desde un lugar estrictamente exacto, porque después ves un montón de pibes con la remera que no sabían ni quién era el Che o qué había hecho. Me parece que uno tiene que quedarse con lo que en realidad fue, como la idea de la libertad, de ser libre.<h4>Dani Buira, los comienzos y Ritual 87</h4>— Muchos años después volvieron a tocar juntos con Ritual 87. ¿Cómo se produjo ese reencuentro con Dani?— Dani estaba ligado a la Municipalidad de Tres de Febrero, en la parte de Cultura. Entonces me propone hacer un show de carnaval en un playón muy grande de la estación Caseros. A partir de ese show empezamos a tener un poco más de relación continua. Si bien nos hablábamos y estábamos juntos, no era tan fluido todo.Y ahí empezamos a pensar en esta idea. Él hacía mucho tiempo que no tocaba la batería, hacía años, creo que desde que se fue de Los Piojos. Empezamos a juntarnos y a perfilar Ritual 87, que terminó siendo una experiencia hermosa y emotiva, porque también era parte de lo que todavía sigue funcionando con la energía que las canciones tienen hoy en día.— El Palomar aparece una y otra vez en la historia de Los Piojos, fue un poco el Kilómetro 0 de Ritual 87, la Plaza del Avión. ¿Qué significó ese lugar para ustedes?— Nuestra historia empezó ahí, tal vez la periferia también. En Palomar vivía Dani, vivía Andrés. Piti vivía en Caseros y yo vivía en Villa Bosch. Mucho tiempo ensayamos en la casa de mis padres, que era en Villa Bosch; mucho tiempo ensayamos en la casa de Piti y en la casa de Dani también, que era en Ciudad Jardín. Toda esa zona fue parte de la historia.La primera vez que tocamos como Los Piojos fue en un lugar que se llamaba La Molienda, en Ciudad Jardín. Tocamos cuatro temas. Yo creo que todavía no sabía tocar. Era una banda que se estaba formando.— ¿Era todo bastante más lúdico en ese momento?— Sí. Yo aprendí a tocar con Dani, los dos aprendimos a tocar juntos. Si bien ya ejecutábamos, no éramos músicos... A Piti le regalan la guitarra y no sabíamos dónde enchufarla. Era una especie de juego. Nosotros seguíamos a Los Perros Calientes, que era la banda que acompañaba a Fabiana Cantilo. De ahí nacen Los Piojos. De hecho, el nombre sale de ahí.Era una cuestión de estar, de jugar. En el primer show tocamos cuatro temas, uno solo nuestro, y no mucho más. Se acababa el repertorio ahí con cuatro temas. Ese era el show.<h4>“Yo quería estar”: por qué Micky no volvió a Los Piojos</h4>— Cuando Los Piojos anunciaron su regreso llamó la atención que vos no estuvieras. ¿Por qué elegiste no ser parte?— Yo quería estar. Desde el inicio, cuando habían salido por lo menos los flyers y todo, se suponía que iban a estar todos. Pero no me gustaron algunas cosas, manejos de eso.Yo soy el que inició esta historia con Piti. Cuando empezamos estábamos solo nosotros dos, empezamos nosotros dos. O sea que, de alguna manera, alguna especie de derecho y de lugar para tener alguna voz estaba para mí establecido. No fue así.— ¿Sentiste que no te dieron ese lugar?— Sentí que no me habían dado el lugar que correspondía y tranquilamente di un paso al costado. No me interpuse. Fue eso nada más, una decisión que tomé y que sin duda fue fuerte, porque entiendo que no se toma una así todos los días. Pero para mí fue saludable.— ¿Viste alguno de los shows de esta nueva etapa?— No. La verdad es que no me parecía, porque medio termina siendo morbo. Realmente, y repito, yo quería estar ahí. Desde hace tiempo quería estar. Yo había pensado que alguna vez podíamos volver a estar juntos y en armonía, que eso era un poco lo que yo quería. Pero bueno, yo no puedo obligar a nadie.— ¿Creés que esa armonía puede aparecer en algún momento? ¿Que todavía puede haber una vuelta?— Puede pasar. La verdad es que si yo pudiera adivinar el futuro estaría laburando de eso. Pero no descarto, porque yo soy así, porque yo no tengo rencores ni odios para nada. Pero bueno, hoy no.<h4>Volver a Tercer Arco con La Chillinga</h4>— Hoy estás concentrado en los 30 años de Tercer Arco. ¿Qué significa volver a ese disco?— Estoy con esto, haciendo un homenaje a Tercer Arco, un disco que nos dio un montón de satisfacciones y que generó una firmeza en nuestra carrera que terminó siendo lo que fuimos.— Ahora vas a tocar con La Chilinga, la banda de Dani. ¿Qué te pasa con ese encuentro?— Voy a tocar con Caetano, el hijo de Dani, y la mujer, así que para mí es un montón. Después están todas las cantidades de vivencias que tuve con Dani, que son incontables y emocionantes.&nbsp;— ¿Alguna contable?— No, viví muchísimas situaciones con él que tienen toda relación con la música, con las giras, con esas cosas.— ¿Vas a seguir grabando versiones de canciones de Los Piojos?— Posiblemente, sí. Me gusta porque no es una cuestión de competencia. Yo respeto mucho la versión original. Para mí cualquier cosa que haga está siempre abajo del techo de esa.Pero me divierte y me gusta mucho esto de aprender a cantar las canciones que cantaba Andrés, que son tan lindas y que componía con tan linda pluma. Para mí es un privilegio poder interpretarlas con mi esencia.— Dentro de las versiones que sacaste estuvo "Como Alí" con la Mona Jiménez. ¿Cómo se dio eso?— Ese fue un privilegio que me dio la música, como yo siempre digo. No solamente hacer música, sino conocer un montón de personajes. A la Mona yo no la conocía y, para ser sincero, tampoco seguía la obra. No tengo una formación cuartetera, digamos.Estando en Córdoba empecé a escuchar de rebote, pero tampoco me enganché demasiado. Cuando lo conocí a él empecé a entender el fenómeno. Lleva una cantidad de gente que es increíble.Cuando pintó la oportunidad de hacer un tema con él y de conocerlo en la intimidad dije: “Wow”. Me encantó por la humildad, por cómo me trató. En un momento me invitó a cantar en un festival que organizaba el Carli, el hijo, en el Kempes. Así que tuve la posibilidad de cantar “Maradó” con él en el Kempes.&nbsp;— Si tuvieras que elegir una canción del disco, ¿con cuál te quedás?— Ahora, revisando todo el disco, todas me dan placer. Para mí es difícil elegir una canción, y hablo en general de la discografía. Es difícil. “Al atardecer”, ahora que la empecé a hacer y que la empecé a cantar, me gusta.Coincidencia total con Juan Cruz Revello cuando eligió escribir su libro <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/06/01/no-podes-explicar-a-los-piojos-sin-entender-la-argentina-de-los-90-s-juan-cruz-revello-y-un-libro-que-es-testimonio-de-epoca">"Los Piojos en los 90. Del barrio a los estadios", que contó a este medio que el disparador fue esa misma canción.</a>

Micky Rodríguez sobre Los Piojos: "No descarto volver en algún momento" | Foto: Matías Calderón.

El histórico bajista vuelve sobre el disco que consolidó a Los Piojos, reconstruye los años en los que la banda encontró su identidad y habla de la ausencia de Dani Buira. Además, cuenta por qué decidió quedarse afuera del esperado regreso, aunque dejó la puerta entreabierta a futuro.

El histórico bajista vuelve sobre el disco que consolidó a Los Piojos, reconstruye los años en los que la banda encontró su identidad y habla de la ausencia de Dani Buira. Además, cuenta por qué decidió quedarse afuera del esperado regreso, aunque dejó la puerta entreabierta a futuro.

Micky Rodríguez: Los Piojos y la vuelta que no fue, el recuerdo de Dani Buira y los 30 años de Tercer Arco

Maia Reficco continúa expandiendo el universo de su EP debut “de visita”, publicado por Interscope Capitol, con el lanzamiento del video para “ángel (de la guarda)”.La canción destaca por una producción que realza sus capas vocales, percusiones y un ensamble de violines con matices de flamenco. Además, la letra se presenta como una plegaria abierta sobre la desolación y el desamparo ((...)“¿ángel de la guarda dónde estás?”), introducida por un fragmento de audio de la voz de su madre.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=e_nK8UeL1D8"></oembed></figure>Esta entrega muestra un camino que transiciona entre la ciudad y la naturaleza. La narrativa visual actúa como una traducción literal y simbólica de la búsqueda que plantea la canción. En “ángel (de la guarda)”, Maia canta sobre el desamparo y la ausencia de protección; en el video, ella misma asume esa figura, recorriendo la noche porteña en auto, paseando por la ciudad. Las imágenes del campo contrapuestas al paisaje urbano reflejan la disociación entre la necesidad de contención y la soledad del mundo real. El salto de la ciudad al campo marca el desenlace emocional del video. Es en esa transición de la noche al día donde la canción encuentra su punto de apoyo: ante la falta de un "ángel" externo que acuda al rescate, el recorrido termina en un espacio de pausa, presencia y aceptación terrenal. Este lanzamiento se enmarca en una semana de contenidos exclusivos. Tras el estreno de “videostar”, Maia Reficco presentará diariamente nuevos videoclips para el resto de las canciones del EP. Cantante, actriz de televisión, teatro y cine, intérprete de teatro musical, compositora y multiinstrumentista: en el caso de Maia Reficco, la palabra “artista” funciona menos como una etiqueta y más como la síntesis de una identidad en constante evolución. Con apenas 26 años, construyó una carrera internacional que la llevó de protagonizar una de las series juveniles más exitosas de su generación a los escenarios de Broadway, las principales plataformas de streaming y producciones cinematográficas de alcance global. Acostumbrada a moverse entre personajes, escenarios, cámaras, idiomas y ciudades, Maia encontró su centro de gravedad en la música: el lugar al que siempre vuelve y alrededor del cual orbitan todas las demás facetas de su vida. Después de años poniéndose en la piel de historias ajenas, Maia Reficco comienza un nuevo capítulo en el que el foco está puesto en contar la suya propia, y solo podía hacerlo a través de la música. Esa presentación llega de la mano de “amapola”, su single debut. Luego de sus primeros trabajos como actriz de voz, en 2016 Maia fue elegida para protagonizar Kally’s Mashup, la serie musical de Nickelodeon, cumpliendo así su sueño de infancia de protagonizar una serie al estilo Hannah Montana. El proyecto, que tuvo dos temporadas y una película, dio inicio a una carrera internacional que continuó con Do Revenge, La Dolce Villa y Pretty Little Liars: Original Sin, donde interpretó a Noa Olivar durante dos temporadas. Entre sus próximos estrenos se encuentran Baton y The Last Sunrise, el nuevo drama romántico de Prime Video. El teatro musical se convirtió en otro de los grandes ejes de su carrera: tras destacarse en una audición en Nueva York, consiguió el papel protagónico de Evita en el New York City Center, que luego le abrió las puertas a Next to Normal en el Kennedy Center y, en 2024, a su debut en Broadway como Eurídice en Hadestown. Más de 200 funciones después, esa experiencia terminó de consolidar su decisión de finalmente darle prioridad al proyecto musical que llevaba años construyendo en silencio. Después de recorrer escenarios, sets de filmación y teatros alrededor del mundo, Maia Reficco vuelve al lugar donde todo empezó: la música. Es ahí donde todas las facetas de su recorrido finalmente hablan un mismo idioma y donde, por primera vez, una artista acostumbrada a contar historias ajenas decide contar la suya. &nbsp;

La artista argentina estrena la pieza audiovisual de una de las canciones más viscerales de su EP debut “de visita”. La novedad llega acompañada por el anuncio de lanzamientos audiovisuales diarios durante toda la semana. &nbsp;

La artista argentina estrena la pieza audiovisual de una de las canciones más viscerales de su EP debut “de visita”. La novedad llega acompañada por el anuncio de lanzamientos audiovisuales diarios durante toda la semana.&nbsp;

Maia Reficco presenta el video de “Ángel (de la guarda)” en el marco de una semana de lanzamientos diarios

Paulo Londra se presentará el sábado 28 de noviembre en el Estadio Arena. Será su cierre de año en Argentina y la primera vez que lleve al escenario, en vivo, las canciones de su nuevo álbum, en un recorrido que va a combinar el material nuevo con los hits que marcaron su carrera. &nbsp;Vuelve al mismo escenario donde, tras seis años sin tocar en Buenos Aires, protagonizó dos noches agotadas que quedaron entre los shows más importantes de la temporada.Londra salió de las competencias amateurs de freestyle de plaza —El Quinto Escalón entre ellas— y en 2018 ya era el artista argentino más reproducido en Spotify y YouTube, con "Adán y Eva" llegando al número 1 en España.&nbsp;Fue el primer cantante argentino en superar los mil millones de reproducciones en la plataforma de música con un tema propio y en entrar al Billions Club de la plataforma, y el primero en pasar los 10 mil millones de visualizaciones en YouTube, con apenas 113 videos publicados. Marcas que ningún artista nacional había conseguido antes y que abrieron una puerta por la que después pasó toda una generación.En agosto de este año, Londra se anima a nuevos sonidos y estrena "me asfixia LA CIUDAD", el primer single de su próximo álbum, ya disponible en todas las plataformas. Una canción que refleja esta nueva faceta, resultado del trabajo junto a Lisan y Tiano, los productores que acompañan esta búsqueda sonora dentro de su carrera.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=LkYUH1pvw-0&amp;list=RDLkYUH1pvw-0&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Con un tono más íntimo, la canción habla de las ganas de bajar un cambio y dejar atrás el ritmo de la ciudad donde el amor aparece como refugio en medio del caos. La certeza de encontrar en otra persona un lugar de calma, la complicidad y las ganas de empezar de nuevo se convierten en el hilo conductor de un tema que combina vulnerabilidad y frescura, dos rasgos que atraviesan este nuevo momento creativo del artista.PREVENTA BBVA: DISPONIBLE EL JUEVES 10 DE SEPTIEMBRE A LAS 13HS Disfruta de 6 cuotas sin interés con tarjetas BBVA. VENTA GENERAL: DISPONIBLE EL VIERNES 11 DE SEPTIEMBRE A LAS 13HS. Con todos los medios de pago y disfruta de 6 cuotas sin interés con tarjetas BBVA durante todo el período de venta. &nbsp; &nbsp;

El primer argentino en alcanzar mil millones de streams en Spotify con un single propio cierra su 2026 en Buenos Aires el sábado 28 de noviembre, en un espectáculo donde no van a faltar sus más grandes hits y también se podrán escuchar los nuevos temas del artista. &nbsp;

El primer argentino en alcanzar mil millones de streams en Spotify con un single propio cierra su 2026 en Buenos Aires el sábado 28 de noviembre, en un espectáculo donde no van a faltar sus más grandes hits y también se podrán escuchar los nuevos temas del artista.&nbsp;

Paulo Londra cierra el año con un nuevo show

Ronnie Wood anunció su regreso a Buenos Aires y su fecha en Rosario al frente de “Ronnie Wood &amp; His Ammo Band”. El recital será el domingo 8 de noviembre, estará producido por DF Entertainment y contará con la presencia de la cantante irlandesa Imelda May como artista invitada. Será el primer concierto de Wood como solista en la ciudad dentro de un tour sudamericano que también incluirá a Brasil y Chile.Luego de su última visita junto a los Rolling Stones , 10 años atrás, el prestigioso guitarrista regresa con nuevos sonidos y su estilo inconfundible. Su nuevo material “Fearless: The Anthology 1965-2025”, presenta una colección de 38 canciones que repasa seis décadas de trayectoria y celebra el camino que lo convirtió en uno de los guitarristas más influyentes de la historia del rock.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/ronnie7462_.png"></figure>El recorrido abarca desde sus primeros pasos en los clubes de Londres con The Birds, sus etapas en The Creation, el Jeff Beck Group y Faces, hasta su legado colosal junto a los Rolling Stones, además de incluir cuatro grabaciones inéditas, las primeras desde I Feel Like Playing (2010), entre ellas "Mother of Pearl" y una versión de "A Certain Girl" junto a Chrissie Hynde. &nbsp;&nbsp; &nbsp;

Además de su show en Buenos Aires el 6 de noviembre, el guitarrista de los Rolling Stones suma una nueva fecha, presentando su álbum “Fearless: Anthology 1965–2025”. &nbsp;

Además de su show en Buenos Aires el 6 de noviembre, el guitarrista de los Rolling Stones suma una nueva fecha, presentando su álbum “Fearless: Anthology 1965–2025”.&nbsp;

Ronnie Wood suma una fecha en Rosario

La expectativa comenzó a construirse antes de que se apagaran las luces. En el centro del escenario, un gran telón circular permanecía desplegado y ocultaba lo que sucedía en su interior. Al comenzar el show, la estructura se iluminó en tonos azules con la silueta del oso proyectada sobre su superficie. Segundos después, la tela dejó al descubierto a Ozuna y comenzaron a sonar los primeros acordes de “Una Aventura”, la canción que le da nombre a su nueva gira internacional. El grito del público marcó el inicio de la noche.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/@candeallende.ph_-_Ozuna_-_Movistar-181365_.jpg"><figcaption>Fotos Candela Allende / Foggia Company</figcaption></figure>&nbsp;Unos minutos antes, Ramapal by WASABI había preparado el terreno con una selección de reggaeton que convirtió la previa en una fiesta. Entre clásicos del género y canciones reconocibles desde los primeros segundos, el DJ consiguió que las plateas y el campo comenzaran a moverse mucho antes de la aparición del protagonista.La puesta en escena acompañó el repertorio con pantallas gigantes, fuego, humo y juegos de luces. El oso, figura ligada a la identidad artística del puertorriqueño, ocupó un lugar central dentro del universo visual de Una Aventura World Tour. Un cuerpo de bailarines completó el despliegue con coreografías que siguieron los cambios de ritmo y de clima del espectáculo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/@candeallende.ph_-_Ozuna_-_Movistar-263653_.jpg"><figcaption>Fotos Candela Allende / Foggia Company</figcaption></figure>&nbsp;El primer tramo reunió “La Modelo”, “Del Mar”, “Caramelo”, “Vaina Loca”, “Tu Foto” y “Se Preparó”. El recorrido conectó rápidamente con la etapa que llevó al cantante a ocupar un lugar central dentro de la música urbana y mostró hasta qué punto aquellas canciones continúan instaladas en la memoria de sus seguidores.Más adelante llegaron “Corazón de Seda”, “Me Reclama” y “ZIZI”, su reciente colaboración con Omar Courtz. La inclusión de este último tema permitió unir los clásicos de 2017 y 2018 con el presente de Ozuna y con una nueva generación del sonido urbano puertorriqueño.Para cerrar ese bloque, Emanuel Noir, cantante de Ke Personajes, apareció como el primer invitado de la noche. Juntos interpretaron “Te Vas” en una versión en cumbia que puso a bailar a todo el estadio.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/@candeallende.ph_-_Ozuna_-_Movistar-401679_.jpg"><figcaption>Fotos Candela Allende / Foggia Company</figcaption></figure>&nbsp;“En la Intimidad”, “Solita” y “Ahora Dice” abrieron una parte más melódica del concierto, antes de que “Yo x Ti, Tú x Mí”, “Síguelo Bailando” y “Hey Mor” volvieran a acelerar el ritmo. Los bailarines regresaron al centro de la escena mientras las pantallas y las luces acompañaban cada transición.Mientras sonaba “Municiones” en versión guaracha, Ozuna dejó momentáneamente el escenario principal y se trasladó hacia una segunda estructura ubicada al fondo del campo. El cambio le permitió acercar el espectáculo a quienes se encontraban en las plateas traseras y darle una nueva disposición a la puesta.Allí cantó “Que va", "Dile que Tú Me Quieres”, “Amor Genuino”, “Quiero Repetir” y “Escápate Conmigo”. Rodeado nuevamente por sus seguidores, el músico aprovechó ese segmento para recorrer una parte más íntima de su catálogo antes de emprender el regreso hacia el escenario central mientras sonaba “China”.Otro de los momentos que reforzó su conexión con el público argentino ocurrió después de un cambio de vestuario. El artista regresó con una remera de Diego Maradona y recibió desde el campo una camiseta de la Selección argentina. Luego se la mostró al estadio y expresó: “Como quieras, somos los campeones del mundo”.El vínculo local se completó con el mate. Días antes del recital, Ozuna lo había probado durante una transmisión en vivo junto al streamer Cocker. Ya sobre el escenario, entre una canción y otra, integrantes de su equipo se acercaron para pasarle uno,en una escena celebrada desde las plateas y el campo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dc_fZGZj7SM/?img_index=1"></oembed></figure>De regreso en el escenario principal, “Me Niego”, “Baila Baila Baila” y “Criminal” marcaron el comienzo de la despedida. Los primeros acordes fueron suficientes para que las voces del público se impusieran por momentos sobre la música y confirmaran la vigencia de canciones publicadas durante distintos períodos de su carrera.La última sorpresa llegó con “El Farsante”. Luz Gaggi apareció en escena para interpretar junto a Ozuna la misma canción que había presentado durante su participación en La Voz Argentina. El encuentro marcó la primera actuación conjunta de ambos artistas y se convirtió en uno de los momentos destacados del concierto.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/@candeallende.ph_-_Ozuna_-_Movistar-431934_.jpg"><figcaption>Fotos Candela Allende / Foggia Company</figcaption></figure>&nbsp;“Si Tu Marido No Te Quiere” y “Te Boté” extendieron el tramo final antes de que “Taki Taki” fuera la elegida para cerrar la noche. Ozuna volvió a agradecer el recibimiento argentino y obtuvo la misma respuesta que había acompañado todo el espectáculo: gritos, baile y coros que recorrieron cada sector del estadio.Una Aventura World Tour funciona como una mirada hacia la trayectoria del cantante, pero también como una reafirmación de su presente. La gira lleva el nombre del sencillo con el que el artista regresó a sus raíces musicales.&nbsp;

El puertorriqueño se reencontró con el público argentino después de diez años y presentó Una Aventura World Tour con localidades agotadas, dos escenarios y bailarines en escena. Invitados sorpresa y guiños a nuestro país marcaron la noche en el Estadio de Villa Crespo.

El puertorriqueño se reencontró con el público argentino después de diez años y presentó Una Aventura World Tour con localidades agotadas, dos escenarios y bailarines en escena. Invitados sorpresa y guiños a nuestro país marcaron la noche en el Estadio de Villa Crespo.

Ozuna regresó a Buenos Aires: invitados sorpresa y guiños a la cultura argentina

XLOV es una de las primeras agrupaciones en asumir el concepto genderless como parte de su propuesta colectiva. En XLOV, el concepto genderless (que en español significa “sin género”) se manifiesta en la decisión artística y conceptual de eliminar las etiquetas tradicionales entre masculinidad y feminidad, tanto en la composición de la banda como en su propuesta musical, lírica y estética. Es decir, no es una boy band ni una girl band, sino un grupo neutro integrado por miembros de distintas identidades de género.&nbsp; &nbsp;La banda explicó en distintas entrevistas que la idea no apunta a la identidad personal de sus integrantes, sino a romper con los estereotipos sobre qué le "corresponde" a cada género dentro de la música y la performance. &nbsp;En este sentido, sus canciones evitan utilizar pronombres de género al abordar historias de amor, vulnerabilidad o superación, permitiendo que cualquier persona pueda conectar con el mensaje independientemente de su género.Detrás de XLOV está Wumuti, líder y productor del grupo. Antes de formar la banda, participó en distintos programas de supervivencia coreanos, formatos donde jóvenes se enfrentan en pruebas de canto y baile. Uno de ellos fue Boys Planet, uno de los más populares del género, donde coincidió con Rui y Haru, otros dos de los miembros. Formado bajo el sello 257 Entertainment y hoy manejado por WM Entertainment, el cuarteto multinacional quedó integrado por Wumuti (China), Rui (Taiwán), Hyun (Corea del Sur) y Haru (Japón).&nbsp; &nbsp;El grupo debutó en enero de 2025 con el sencillo I'mma Be, producido por el propio Wumuti, dando el puntapié inicial a una propuesta que desde el día uno se planteó correr los límites de lo que hasta entonces se entendía como un grupo de K-pop.&nbsp;Con looks que desafían las etiquetas tradicionales, coreografías que incorporan movimientos de vogue y una estética visual con mucha personalidad, XLOV construyó una identidad propia que despertó el interés de los medios y una base de fans (conocida como EVOL) en rápido crecimiento a nivel global, con shows agotados durante su reciente gira europea por Reino Unido, Francia y Rumania. XLOV EN ARGENTINAXLOV se presenta en Argentina por primera vez el 25 de noviembre en C Art Media, en el marco de su primera gira por Latinoamérica, que también incluirá fechas en México, Perú y Chile.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/08/XLOV115021_.png"></figure>El show llega en un momento de fuerte expansión del K-pop en la región, donde miles de fanáticos argentinos siguieron de cerca el crecimiento del grupo desde sus primeros lanzamientos a través de redes sociales y plataformas digitales. Será la oportunidad para que el público local viva en vivo el fenómeno que ya conquistó a la escena K-pop internacional, con un espectáculo que combina pop, performance y la estética que distingue a la banda, y que promete convertirse en un hito para la comunidad EVOL en el país.&nbsp; <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://home.passline.com/home">Conseguí tus tickets acá.&nbsp;</a> &nbsp;

Una oleada de KPOP está llegando a nuestro país con propuestas que reinventan el pop global y que trascienden al género para hablar de identidad.&nbsp;

Una oleada de KPOP está llegando a nuestro país con propuestas que reinventan el pop global y que trascienden al género para hablar de identidad.&nbsp;

XLOV llega a la Argentina: ¿Qué es una banda genderless?

Zoe Gotusso se prepara para despedir el año por partida doble. Tras agotar el primer show, la artista argentina anunció una segunda fecha para su esperado regreso a los escenarios porteños, con su propuesta “Un día de verano”. De esta manera, cerrará su gira 2026 con dos noches consecutivas en una de las salas más emblemáticas de Buenos Aires. Consolidada como una de las artistas más sensibles y destacadas de la escena musical argentina actual, Zoe atraviesa un gran presente artístico, construyendo una conexión cada vez más profunda con su audiencia a través de canciones honestas, cercanas y emotivas. Su universo musical, atravesado por la calidez y la sutileza, convirtió temas como “Ganas”, “Desnuda”, “María” y “Lara” en verdaderos himnos para toda una generación.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DdB-v_KF1QD/?stkn=MWIxbXlrMWY3eWdrOQ%3D%3D"></oembed></figure>Luego de un 2025 consagratorio, y tras emocionar con su aclamado ciclo “Pequeños Conciertos” (con 18 shows agotados en el Teatro Margarita Xirgu), una experiencia íntima y performática que fusiona música y teatralidad, Zoe vuelve a encontrarse con su público en un formato renovado y especial.&nbsp;“Un día de verano” propone un viaje integral por su obra. Será la oportunidad perfecta para escuchar en vivo las canciones de DETALLES, su más reciente álbum de estudio, en perfecta convivencia con los clásicos que marcaron su carrera. Para lograrlo, Zoe diseñó una puesta en escena única junto a Luciana Acuña, quien está a cargo de la dirección artística. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZSxwTelKHE/?img_index=1"></oembed></figure>&nbsp; Más que un show, “Un Día de Verano” promete ser una celebración de su madurez artística; una noche envolvente donde la calidez de Zoe Gotusso volverá a adueñarse de la Ciudad de Buenos Aires.&nbsp; Los tickets para la fecha del 18 de diciembre ya se encuentran disponibles a través de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.ticketek.com.ar/zoe-gotusso/teatro-coliseo">Ticketek.</a> &nbsp;

Tras anunciar el sold out para el 17 de diciembre, la artista argentina suma una nueva fecha en el Teatro Coliseo, con dos noches que darán cierre a su gira 2026. &nbsp;

Tras anunciar el sold out para el 17 de diciembre, la artista argentina suma una nueva fecha en el Teatro Coliseo, con dos noches que darán cierre a su gira 2026.&nbsp;

“Un Día de Verano” de Zoe Gotusso suma una nueva noche en Buenos Aires

La cantante española Bebe anuncia sus fechas en Argentina como parte de su esperada gira internacional Pafuera Telarañas - 20 Años Tour, el regreso de uno de los discos más icónicos de la música en castellano.Veinte años después de haber irrumpido en la escena musical con un álbum que redefinió el pop español, Bebe vuelve a los escenarios argentinos para rememorar, canción por canción, el disco que la catapultó a la fama internacional.&nbsp;Producido por Carlos Jean y lanzado en 2004, Pafuera Telarañas se convirtió en un fenómeno generacional con himnos como "Malo", "Ella", "Siempre Me Quedará" y "Ska de la Tierra".La gira, que recorre escenarios de España y continúa su trayecto por México, Chile, Uruguay, Estados Unidos y Puerto Rico, tiene en Argentina una de sus paradas más esperadas. La artista subirá al escenario acompañada de su banda completa para ofrecer un show que promete ser una experiencia irrepetible: un recorrido emocional por el repertorio íntegro del álbum debut, canciones que siguen resonando con la misma fuerza dos décadas después.La artista se presentará el 15 de octubre en el Teatro Ópera. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.ticketek.com.ar/bebe/teatro-opera">Podes conseguir tus entradas acá.&nbsp;</a> &nbsp;

La cantante española anuncia sus fechas en nuestro país como parte de su esperada gira internacional Pafuera Telarañas - 20 Años Tour, el regreso de uno de los discos más icónicos de la música en castellano. &nbsp;

La cantante española anuncia sus fechas en nuestro país como parte de su esperada gira internacional Pafuera Telarañas - 20 Años Tour, el regreso de uno de los discos más icónicos de la música en castellano.&nbsp;

Bebe anuncia su regreso a la Argentina para celebrar 20 años de su álbum debut

El DJ y productor británico FATBOY SLIM regresó por segundo año consecutivo al Estadio Arena de Buenos Aires y volvió a demostrar que conecta con el público argentino como pocos artistas lo hacen. Entre clásicos de la era MTV como “Right Here Right Now” y “Praise You” y la actitud de la figura más rockera que tiene la historia de la música electrónica, más de 10.000 personas bailaron por dos horas, sin importar si estaban en el campo (una especie de dancefloor masivo) o en las plateas del estadio. Norman Cook forjó una carrera como FATBOY SLIM creando éxitos con el sampleo. En su nueva presentación en Buenos Aires, esa capacidad de unir fragmentos de distintas canciones para generar algo nuevo se lució con un remix muy especial de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/reels/Dc85GUJDc5q/">“Un encuentro con un ángel amateur” </a>del Indio Solari, justo el día que se cumplieron tres meses de la muerte del líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Mientras tanto, en las pantallas aparecieron imágenes de Lionel Messi, que acaba de retirarse de la selección argentina de fútbol, y del Indio cantando.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/Dc85GUJDc5q/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;stkn=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure>El momento que nadie se esperaba era que FATBOY SLIM tomara el hit viral de Norberto Degoas, el de “El Condor, Buenos Aires-Mar del Plata”, para hacerlo sonar en el medio de su set. La primera vez que lo había escuchado había sido dos días antes, cuando Matías Martin y Clemente Cancela se lo mostraron en su programa Todo Pasa, en Urbana Play 104.3, y decidió sumarlo a su set. Las dos horas también sirvieron para reconocer a los pioneros de la música electrónica y esas canciones que abrieron el camino para que este sonido sea masivo. “Go” de The Chemical Brothers, “Star 69” del propio Norman, “Love Story” de Layo &amp; Bushwacka” y “Born Slippy” de Underworld fueron de los momentos más celebrados y eufóricos de una noche para el recuerdo de FATBOY SLIM.Con una puesta en escena totalmente diferente respecto a la del año pasado, las pantallas circulares en lo alto más una detrás del DJ sumergieron a todos en un viaje por imágenes que mezclaban a Norman Cook tocando con el público, con bailarinas que en lugar de cabeza tenían el clásico logo amarillo de SMILE, mensajes como “sólo el amor vence al odio” o el icónico personaje de la tapa de su disco You’ve Come a Long Way Baby”.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/Dc_gPgdNJu1/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;stkn=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure> Esta fecha fue el cierre de una serie de tres shows seguidos en Argentina. El jueves se presentó en el formato The Grand Show, en JET de Costanera Norte y el viernes había actuado frente a más de 5.000 personas en Mendoza.

El DJ británico se presentó el sábado 5 de septiembre por la noche en Buenos Aires. Frente a más de 10.000 personas, demostró su conexión con el público argentino con hits como “Right Here Right Now”, “Praise You” y “Eat Sleep Rave Repeat” y un remix especial de “Encuentro con un ángel amateur” del artista que falleció el 5 de junio pasado.

El DJ británico se presentó el sábado 5 de septiembre por la noche en Buenos Aires. Frente a más de 10.000 personas, demostró su conexión con el público argentino con hits como “Right Here Right Now”, “Praise You” y “Eat Sleep Rave Repeat” y un remix especial de “Encuentro con un ángel amateur” del artista que falleció el 5 de junio pasado.

FATBOY SLIM rindió homenaje a Messi, al Indio Solari y Norberto Degoas en una noche inolvidable

Ciudad Cultural Konex cumple 20 años y lo celebra el miércoles 30 de septiembre con una noche especial que reunirá a algunos de los artistas que dejaron su huella en el espacio. Con Kevin Johansen como anfitrión, el festejo tendrá una programación única y múltiples invitados que serán parte de un concierto que recorrerá dos décadas de música, encuentros y cultura.“La Celebración” se realizará en el patio y contará con la participación de La Delio Valdez, Fabiana Cantilo, Lisandro Aristimuño, Barbi Recanati, Raly Barrionuevo, Juana Rozas, La Bomba de Tiempo, Hugo Lobo y dirección de Alejandro Terán, artistas de distintas generaciones y escenas que representan parte de la diversidad que caracteriza al universo CCKonex.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DczN3Ehiye6/?stkn=eGx2ZXVtZnB2YzIw"></oembed></figure> &nbsp;Más que un aniversario, el encuentro propone celebrar una historia construida colectivamente. Durante sus veinte años, CCKonex se consolidó como un punto de referencia para la cultura porteña, con una programación que dio espacio a músicos consagrados, artistas emergentes, proyectos independientes y propuestas que encontraron allí un lugar para desarrollarse y encontrarse con nuevos públicos.&nbsp;Ubicado en el barrio del Abasto, el espacio transformó un antiguo edificio industrial en un escenario abierto a múltiples expresiones artísticas. Música, teatro, danza, artes visuales, actividades para infancias y propuestas interdisciplinarias convivieron durante estas dos décadas, convirtiendo al Konex en un lugar de encuentro para distintas generaciones.&nbsp;Por sus escenarios pasaron artistas y proyectos que forman parte de la identidad cultural contemporánea de Buenos Aires. A lo largo de los años, el espacio también se caracterizó por generar experiencias que trascienden el espectáculo: encuentros al aire libre, ciclos, festivales y propuestas que hicieron del público una parte fundamental de la escena.El concierto aniversario será, justamente, una invitación a reencontrarse con esa historia. Para quienes ya pasaron por el Konex, tanto arriba como abajo del escenario, y para quienes todavía no lo hicieron, “La Celebración” funcionará como una oportunidad para descubrir o volver a vivir un espacio que durante dos décadas acompañó las transformaciones de la cultura porteña. &nbsp;

CCKonex celebra 20 años como referente cultural de Buenos Aires en un concierto especial con amigos el miércoles 30 de septiembre. &nbsp;

CCKonex celebra 20 años como referente cultural de Buenos Aires en un concierto especial con amigos el miércoles 30 de septiembre.&nbsp;

El Konex cumple 20 años y reúne a grandes figuras de la música para celebrarlo en una noche única

La cuenta regresiva para el reencuentro de Ozuna con el público argentino ya comenzó. El cantante puertorriqueño se presentará en Buenos Aires el próximo martes, en el marco de una gira internacional que repasa más de quince años de carrera. La cita será en el Arena de Villa Crespo.Durante el show, Ozuna repasará algunos de sus principales éxitos, entre ellos "Dile que tú me quieres", "Se Preparó", "Baila Baila Baila" y "Hey Mor", además de temas de su etapa más reciente.<h4>Quién abre el show</h4>Antes de la presentación de Ozuna será el turno de WASABI, una propuesta ligada a la música y la cultura urbana. El proyecto, encabezado por Sele Mosca y Rama Palomeque, tendrá a su cargo la apertura del evento.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dcjl9o-yn8P/?hl=es"></oembed></figure><h4>Una gira con historial de premios</h4>El regreso de Ozuna a la Argentina se da en el marco del Una Aventura World Tour, espectáculo que reúne distintas etapas de su discografía. A lo largo de su carrera, el artista recibió premios Billboard Latin Music Awards y Latin American Music Awards, además de nominaciones a los Latin Grammy.Las entradas para el show de Ozuna en Buenos Aires continúan disponibles a través de los canales oficiales del estadio.

El artista puertorriqueño se presentará el 8 de septiembre con Una Aventura World Tour en Buenos Aires. WASABI será la propuesta encargada de abrir la noche.

El artista puertorriqueño se presentará el 8 de septiembre con Una Aventura World Tour en Buenos Aires. WASABI será la propuesta encargada de abrir la noche.

Ozuna en Buenos Aires: día, horario y quién abre su show en Argentina

Ozuna en Buenos Aires: fecha y quién abre su show

Black Eyed Peas se reencontró con el público argentino este viernes, luego de su última visita en 2010. will.i.am, apl.de.ap y Taboo se presentaron junto a J. Rey Soul en la arena de Villa Crespo, como parte del Black Eyed Peas Summer Tour.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/05/@vickydragonetti_2481.jpg5855_.jpeg"><figcaption>Foto: @vickydragonetti&nbsp;</figcaption></figure>La banda abrió con “Let's Get It Started” y “Boom Boom Pow” y recorrió distintas etapas de su carrera con canciones como “Rock That Body”, “RITMO (Bad Boys for Life)”, “MAMACITA”, “Pump It” y “GIRL LIKE ME”. También sonaron temas de will.i.am como “#thatPower” y “Scream &amp; Shout”.Uno de los momentos centrales llegó durante “Where Is the Love?”, cuando el grupo invitó a integrantes de su fan club al escenario. Allí acompañaron la propuesta de matrimonio de dos seguidores que se habían conocido en un show anterior de Black Eyed Peas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dc6n-ogEdAG/?img_index=1"></oembed></figure>Después, la banda interpretó un medley con “Meet Me Halfway”, “Shut Up”, “My Humps”, “Can’t Get Enough” y “Hey Mama”. El cierre quedó en manos de “I Gotta Feeling”, uno de los temas más reconocidos de su discografía.La presentación también marcó la primera visita de J. Rey Soul a la Argentina como parte de la formación. Tras su paso por Buenos Aires, el Black Eyed Peas Summer Tour continuará su recorrido por Brasil.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/05/@vickydragonetti_049043889_.jpg"><figcaption>Foto: @vickydragonetti&nbsp;</figcaption></figure> &nbsp;

La banda repasó más de dos décadas de hits junto a J. Rey Soul y protagonizó una noche marcada por clásicos, baile y una propuesta de matrimonio.

La banda repasó más de dos décadas de hits junto a J. Rey Soul y protagonizó una noche marcada por clásicos, baile y una propuesta de matrimonio.

Black Eyed Peas volvió a Argentina después de 16 años: así fue el show en Buenos Aires

Black Eyed Peas regresó al país después de 16 años

Tras haber construido un recorrido destacado entre los escenarios de Broadway y las producciones audiovisuales internacionales, Maia Reficco da un salto de autenticidad y presenta “de visita”, su esperadísimo primer EP lanzado a través de Interscope Records.Este trabajo es una invitación explícita a sumergirse en la psique y los matices de la artista. A lo largo de seis tracks, Maia transita por la vulnerabilidad, la identidad, el deseo y los laberintos del amor contemporáneo. Con un sonido que fusiona con elegancia el pop con matices de la escena alternativa, el EP destaca por sus texturas vanguardistas y una interpretación lírica cargada de carácter.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/04/REFICCO7239_.png"></figure>El corazón de la entrega palpita en “sur”, el focus track, logrando un equilibrio clave entre la intimidad de sus letras y el dinamismo sonoro atrapante que está construyendo.Con “de visita”, la cantante y compositora firma una declaración de principios: la música es el espacio donde deja de interpretar papeles para hablar con voz propia y sin intermediarios. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=J227pGJST44"></oembed></figure>&nbsp;

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