El trío conformado por Diego Amerise en bajo, Pablo Bianchetto en batería, y Juan Carrasco en teclados y samples, presenta su tercer disco en Buenos Aires, un álbum de soul-jazz viajero, nocturno y urbano.Canciones sensuales con un sonido vintage y un color del audio de los años 60/70's en homenaje al sonido de la vieja escuela, con guiños a Ayrton Senna, Azymuth, Wendy Carlos, Julio De Caro, Star Trek y Massive Attack.El show contará con músicos invitados junto a Moah y el cantante de reggae Dadou que sumarán su voz.&nbsp;Ocelote Beats es un trío de trip-hop con influencias del jazz experimental nacidos hace 6 años en el barrio de Tolosa (La Plata).Está integrado por Diego Amerise en bajo y contrabajo, ganador de un Premio Gardel y un Premio Konex con su proyecto paralelo Don Olimpio. Juan Carrasco en teclados y samples, productor musical del proyecto de jazz Fos Foro Monk y del proyecto de hip-hop La Timba, quien a su vez es docente de armado de mics y uso de samples para niños y adolescentes. Y el baterista de jazz Pablo Bianchetto, que a su vez integra proyectos paralelos con Cirilo Fernández, Tomas Torres y Lolita Fiamma.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DOv2CScES5T/?img_index=1"></oembed></figure>Una noche de 2019, el trío decide grabar un cassette con beats para que los artistas de hip-hop de La Plata tuvieran las bases para soltar sus rimas encima.El cassette cautivó al guitarrista y productor Tade Fonk integrante de Vinocio y Chinwezz y productor de Paco Amoroso. E inmediatamente llegó al resto de los integrantes de Vinocio, que en palabras de la banda: “nos cautivó el sonido, la batería, el toque lo-fi con la selección de los samplers y que lo hayan sacado en un cassette”.En 2020 lanzan el sencillo “Ayrton” en homenaje a su ídolo automovilístico Ayrton Senna. Ese mismo año lanzan su álbum debut “La Gueya Mixtape” Vol 1 y en 2021 “La Gueya Mixtape” Vol 2, ambos discos de beats y featurings con artistas locales de hip-hop y reggae, en el que cada beat tenía que ver con un paisaje. Dos discos concebidos como postales de un viaje.<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.google.com/url?q=https://ml3.fmlemon.com.ar/do/trkln.php?index%3D1024085944AZD%26id%3Dwewysuqiwsuuitpsrto%26url%3DaHR0cHM6Ly93d3cucGFzc2xpbmUuY29tL2V2ZW50b3Mvb2NlbG90ZS1iZWF0cy1wcmVzZW50YS1sby1xdWUtc3VwaW1vcy1jb25zZWd1aXItZW4tY2MtcmljaGFyZHM%253D&amp;source=gmail&amp;ust=1760028459784000&amp;usg=AOvVaw2MZZ0h7CdSqmaeDrxY3nZy">Las entradas se consiguen acá.</a>

El trío conformado por Diego Amerise en bajo, Pablo Bianchetto en batería, y Juan Carrasco en teclados y samples, presenta su tercer disco en Buenos Aires, un álbum de soul-jazz viajero, nocturno y urbano.

El trío conformado por Diego Amerise en bajo, Pablo Bianchetto en batería, y Juan Carrasco en teclados y samples, presenta su tercer disco en Buenos Aires, un álbum de soul-jazz viajero, nocturno y urbano.

Ocelote Beats: el trío argentino de trip-hop y jazz experimental se presenta en Buenos Aires

Cuando recibí la invitación para cubrir la segunda edición del Festival Nova (la primera fue el 7 de octubre del 2023 donde luego sucedió el ataque terrorista por parte de Hamás), dudé. Éramos un grupo de periodistas argentinos de música y sentía las mismas preguntas que cualquiera que lea estas líneas: ¿Ir o no ir a un país señalado en el centro del dolor, atravesado por un conflicto interminable? ¿Cubrir un festival mientras, a pocos kilómetros, sucede la tragedia de Gaza?En medio de ese torbellino apareció el impulso periodístico: no para justificar, sino para poner el cuerpo. Quería ver con mis propios ojos qué siente la gente que sigue con su vida en un contexto tan extremo. ¿Cómo convive una sociedad con tanto dolor? Fui con preguntas y volví con más todavía.No pretendo resolver internamente nada, al contrario, creo que la tarea es esa: animarse a transitar la contradicción, poder compartirla y que, quizás, alguien que lea esto logre asomarse un poco a lo que sentí.Hay una canción de Jorge Drexler que salió hace poco y que se me volvió imposible de soltar. Suena en mi cabeza como un relato vivo. Se llama “El fin y el medio” y comienza diciendo: “Un refugiado es un refugiado, un niño es un niño”. Palabras que parecen obvias, pero que en este contexto adquieren un peso incalculable. Drexler contó que hacía años que no podía terminar la letra, hasta que el dolor del presente lo obligó a darle forma, reflejando la incapacidad humana para aprender de historias dolorosas. Ese gesto —el de un artista que encuentra en la música un modo de nombrar lo innombrable— fue mi punto de partida para intentar contar lo que viví.Porque de alguna manera ese es el rol del arte: expandir la voz, abrir grietas de sentido donde lo humano parece desbordar. Y es desde ahí, desde esa fuerza simbólica, que hoy intento poner en palabras. No con respuestas, porque no las tengo, sino con la certeza de que una tragedia nunca suplanta a ninguna y que el dolor no tiene banderas.<h4>El Memorial del Festival Nova: reconstruir para recordar</h4>El recorrido del viaje comenzó en el Memorial levantado en el lugar exacto donde sucedió la masacre del Festival Nova, el 7 de octubre de 2023 pasadas las 6 de la mañana. Se trata de una zona rural, en Reim, a casi dos horas de Tel Aviv. Ahí donde más de 3.000 personas bailaban en la madrugada y de un momento a otro irrumpió el horror. Hoy, el predio está reconstruido tal cual esa noche: el escenario, la barra y hasta un container donde se escondieron 17 chicos y chicas, de los cuales solo 9 lograron sobrevivir ¿cómo? escondiéndose bajo los cuerpos asesinados de sus amigos. En las paredes están impresas capturas de WhatsApp, es decir, los últimos mensajes que enviaron a sus familias mientras todo sucedía. Es imposible dimensionar ese instante, imposible no quebrarse frente a la brutalidad de esas últimas palabras congeladas. Otra imagen impactante además de las fotos de los chicos y chicas asesinados, es la de los árboles plantados por cada víctima como símbolo de vida.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/07/undefined"><figcaption>Recreación del escenario principal en el Memorial y el predio con las fotos de las víctimas.&nbsp;</figcaption></figure>&nbsp;&nbsp;En el lugar nos esperaba Chen Malca, una de las sobrevivientes, que hoy tiene 26 años y que logró escapar hacia un kibbutz cercano, salvando su vida. Chen, dedica sus días a dar testimonios y trabajar en la reconstrucción de memoria y llamado de paz. Entrar en detalles que pueden llegar a rozar el morbo no es la intención de esta crónica, sino el sentido que logré interpretar luego con los días, por eso no me detendré en ellos. &nbsp;El saldo del ataque dejó 374 muertos y 44 secuestrados, de los cuales todavía algunos siguen en cautiverio.También fuimos a los kibbutzim (comunidades rurales que se organizan de forma cooperativa y autosustentable, nacidas bajo principios originarios del socialismo) que fueron atacados también, ya que todo es la misma zona aledaña a la frontera. Todo está intacto como el 7 de octubre, como una forma de plantar memoria. Entrar a esas casas —donde aún hay juguetes en el piso, tazas a medio tomar, ventanas rotas— fue enfrentarme al eco de una violencia que no puedo narrar del todo. Se siente en el aire, en el silencio. Nunca estuve tan cerca del dolor extremo. Pero también se siente algo más: una voluntad enorme de no dejarse consumir por el odio. Saber que varias personas de esa comunidad fueron tomadas como rehenes y también murieron —y que entre ellas había argentinos— fue difícil de procesar. Y ahí sucede algo inevitable en este choque: detrás de las cifras hay personas, familias, historias que ya no están.Si hay una palabra que resume la experiencia completa es “contradicción”. En este punto es donde vuelvo a Drexler: “Donde algo parece que se va acercando y siempre se escapa, siempre se esconde, siempre a la misma exacta distancia, de un mismo horizonte”. Así se siente el conflicto entre Israel y Palestina: un horizonte que parece al alcance de la mano, pero que se corre siempre. Gaza está a pocos kilómetros. Una tragedia feroz, todavía en curso.La única conclusión a la que pude acceder es: un Estado no es su sociedad civil. No es lo mismo hablar de gobiernos que de personas. La sociedad israelí también está fragmentada, también reclama en las calles que termine la guerra, también carga con sus muertos, los llora, pide por el regreso de los rehenes para poder empezar de nuevo. Pueblos que históricamente vuelven a empezar todos los días. Y lo mismo pasa en Gaza. El dolor no reconoce credos ni fronteras.<h4> La voz de la gente: lo que se dice en las calles</h4>Durante los días que estuvimos en Tel Aviv, especialmente en el barrio de Jaffa, entendí que más allá de los titulares y las noticias que vemos en los medios, hay un país que también sufre, que pide, que se expresa, aunque eso no se muestre. Un domingo —que para ellos equivale a nuestro lunes—, la ciudad amaneció con marchas multitudinarias en diferentes puntos de Israel. Más de 30 mil personas cortaban la autopista principal que une Tel Aviv con Jerusalén. Neumáticos encendidos, bocinas, carteles, banderas pidiendo el fin de la guerra y el regreso de los rehenes. El reclamo era claro: “Que esto se termine”. Desde comerciantes hasta jóvenes estudiantes, desde padres que perdieron hijos hasta soldados que regresaron del frente, todas las personas con las que pude tener contacto repitieron la misma idea: “Esto tiene que terminar”. No desde el odio, sino desde el cansancio. Casi todos tienen un conocido, un amigo, un familiar afectado. Una herida directa.También hay una comunidad enorme de argentinos que emigraron hace muchos o pocos años. En el hotel, hablé con "Judy" —una chica venezolana/judía que trabaja de camarera hace tres años en Tel Aviv—. “Todavía no puedo entender el dolor —me dijo—. Cuesta sostener la rutina, pero hay que seguir. Es difícil vivir en guerra, pero no queda otra. Uno se aferra a lo que tiene cerca, a la esperanza”. Esa frase me quedó resonando, porque resume el espíritu de lo que vi: una sociedad que no se rinde, que busca en la colectividad una contención para el día a día.<h4>La contradicción de convivir</h4>Israel es un territorio que convive en tensión, pero también en mixtura. Caminar por sus calles es ver cómo la contradicción puede ser una forma de vida: mezquitas, sinagogas e iglesias compartiendo la misma cuadra; judíos religiosos y laicos, árabes y cristianos cruzándose en el mercado, en la playa, en el transporte público, en la misma Jerusalén vieja. Ahí el contraste se vuelve abrumador: en unas pocas cuadras se condensa la historia espiritual del mundo. De un lado, el Santo Sepulcro, donde se cree que Jesús fue crucificado y sepultado; a pocos metros, la Cúpula de la Roca brillando en dorado, lugar sagrado para el Islam; y a unos pasos más, el Muro de los Lamentos, corazón del judaísmo.Todo convive, pero también se superpone, como si el cielo y la tierra disputaran el mismo punto de energía. Las oraciones se mezclan, los rezos se cruzan. Los cantos en hebreo se funden con los llamados del muecín desde la mezquita, mientras los campanarios repican.Todo es hipnótico. Cada piedra parece tener memoria. Y uno camina con la sensación de estar parado en el centro de la historia universal, de algo imposible de explicar, donde lo sagrado y lo humano se rozan sin tocarse del todo.<h4> Volver a bailar porque también hay vida</h4>La Tribu Nova —un colectivo creado para acompañar a sobrevivientes y familias en duelo— organizó un nuevo festival en el Parque Yarkon de Tel Aviv, el primer evento multitudinario luego del 7 de octubre. Fue el 14 de agosto de este año y reunió a más de 30 mil personas. Eligieron encontrarse nuevamente en la música, no como olvido, sino como acto de memoria y resistencia.Sobre el escenario pasaron artistas israelíes como Infected Mushroom, Yuval Dayan, Shai T, Red Axes y muchos más donde también realizaron colaboraciones con músicos locales, no pertenecientes precisamente al Psy Trance (género nato de este festival), sino que fue una forma de unir diferentes perfiles y estilos bajo un mismo lema: “Volveremos a bailar”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/07/532166162_.jpg"><figcaption>Las familias de los 50 rehenes restantes en el escenario. Foto: Eclipse Media.</figcaption></figure>&nbsp;&nbsp;Sin embargo, ya en el recuerdo, siento que lo más poderoso no vino de la música, sino del silencio, pero del silencio colectivo. Hubo un momento en el que las familias de los 50 rehenes que aún permanecen en Gaza subieron al escenario. Un minuto de silencio absoluto en un parque colmado. Y luego habló Nimrod Arinin, hermano de una de las víctimas y fundador de la Tribu Nova. Sus palabras todavía resuenan: “La memoria se niega a desvanecerse y la vida sigue. A veces se siente frágil, a veces victoriosa. Incluso cuando la oscuridad parece absoluta, recordamos una promesa: bailaremos de nuevo”.Ese fue el corazón del festival: bailar como acto de resistencia, como forma de no permitir que el horror sea lo último que quede grabado en la memoria. Familias enteras, desde niños, padres, adultos mayores, no había distinción etaria. Es difícil imaginar un evento de música en un contexto así. Pero ahí estaban, encontrando por unas horas un refugio en la vida, en el bailar. Ese placer simple y tan cotidiano para los que vivimos de este lado, y un privilegio para ellos.Al día de hoy, 50 rehenes permanecen en Gaza, incluidos 15 miembros de la comunidad Nova, aunque se cree que solo 20 siguen con vida. El reclamo es diario y no cesa: en cada ciudad que visitamos, bastaban unos minutos para cruzarnos con la insignia amarilla que los representa.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/07/NovaHealingConcert2025-GALHARO-1339576_.jpg"><figcaption>Sin distinciones etarias, el Festival Nova reunió a familias enteras. Foto: Eclipse Media.</figcaption></figure>&nbsp;&nbsp;Entre tantos momentos, hubo una imagen imposible de olvidar: una pareja de padres, de más de 70 años, entrando con la remera de su hijo estampada en el pecho. Hablar con ellos fue un quiebre. No había odio en sus palabras. Había dulzura, memoria, una única petición: “que esto termine”. Entender cómo se sostiene la vida desde ese lugar fue una de las experiencias más desconcertantes que viví.Lloré cuando se fueron por la imposibilidad de comprender tanta entereza. Porque estaban ahí, recordando a sus hijos desde la música, desde lo colectivo, encontrando una forma de sostenerse entre otros. Y entendí que, a veces, esa es la única manera de seguir viviendo: en comunidad, cantando, sosteniendo la memoria sin dejar que el odio destruya todo lo demás.Ese instante fue una revelación. Me recordó por qué la música, en distintos momentos de la historia se convirtió en refugio. En Sarajevo, en plena guerra, los músicos seguían tocando mientras caían bombas. En Woodstock, la contracultura se transformó en un grito de paz en medio del caos. Y acá, en Israel, el sonido volvió a ser sinónimo de resistencia, de abrazo, de vida, una de las pocas herramientas para extender el pedido de paz al mundo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/07/445393164_.jpg"><figcaption>Foto: Eclipse Media.</figcaption></figure>&nbsp;&nbsp;Escribo esto con la distancia de casi dos meses del viaje. No podía hacerlo antes. Necesitaba procesar, bajar la información, encontrar un modo de decirlo sin caer en golpes bajos ni en romanticismos fáciles. Lo que viví en Israel fue crudo, fuerte, inabarcable. Me cambió como periodista, pero también como persona.Hoy, en el aniversario de aquella masacre, y con otra en curso sucediendo todavía en Gaza, vuelvo a la canción de Drexler: “Ni patria ni credo, ni diferencias de criterio: no hay un solo fin que justifique cualquier medio”. Y es ahí donde la música —esa fuerza que nos atraviesa a todos— se convierte en un lenguaje universal.En los lugares donde todo parece destruido, a veces la música sigue sonando, como un pulso de vida que se niega a desaparecer. Drexler dijo que no pudo terminar su canción hasta que estalló el conflicto. Entiendo por qué. Hay experiencias que solo se pueden escribir cuando el alma vuelve al cuerpo. Y en ese punto exacto, entre el fin y el medio, lo único que queda es seguir diciendo.

Estar en el mismo lugar donde se sembró el horror y, al mismo tiempo, en un festival donde 30 mil personas eligieron volver a bailar en Israel. A dos años del ataque, un relato humano que intenta comprender cómo el dolor convive con la vida, y cómo la música insiste en ser puente y refugio en medio de la herida.

Estar en el mismo lugar donde se sembró el horror y, al mismo tiempo, en un festival donde 30 mil personas eligieron volver a bailar en Israel. A dos años del ataque, un relato humano que intenta comprender cómo el dolor convive con la vida, y cómo la música insiste en ser puente y refugio en medio de la herida.

“We will dance again”: El Nova Healing Concert en primera persona 

Valen G, presentó su nuevo proyecto musical SHORT BALADAS: tres canciones breves, intensas y profundamente emocionales que muestran su costado más vulnerable.Tras su paso por Disney Channel y &nbsp;el esperando estreno de Playback: Una somos dos. la artista argentina abre una nueva etapa en la que el foco está puesto en la música y en conectar desde lo real.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DPeM2CwjQLT/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>Su nuevo material reúne BLU, ¿DE QUÉ SIRVE? y OJOS CERRADOS, tres pequeñas historias sobre el amor, la pérdida y lo efímero de los momentos que nos marcan.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=cAXVlaD8wuA"></oembed></figure>Desde sus redes la joven artista compartió el material y escribió: "vayan a ver estos videos increíbles y escuchar estas producciones WOW, con todo mi corazón en la mano este auto regalo que ya es de ustedes".&nbsp;

La cantante estrenó nuevo material tras su paso por Disney Channel y el esperando estreno de Playback: Una somos dos.

La cantante estrenó nuevo material tras su paso por Disney Channel y el esperando estreno de Playback: Una somos dos.

Valen G presenta tres canciones nuevas en formato de "Short Baladas"

Netflix ha anunciado hoy "One Shot" con Ed Sheeran, una experiencia musical filmada en una sola toma por el director ganador de un premio Emmy, Philip Barantini (Adolescencia), Fulwell Entertainment y el productor, Ben Winston.&nbsp;El multipremiado artista invita a los espectadores a un fascinante viaje, durante una tarde, en tiempo real, mientras recorre las calles de Nueva York interpretando sus grandes éxitos en plano secuencia.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DPeWB4ZEZpT/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>Con actuaciones improvisadas en las calles de la gran ciudad y vagones del metro, hasta interacciones íntimas con fans y transeúntes, el viaje de Ed Sheeran por Nueva York quedará plasmado en una serie de momentos inolvidables, que mostrarán el caos y la emoción que lo acompañan."One Shot" llega el próximo 21 de noviembre a la pantalla de Netflix sumándose a la filmografía del artista que ya tiene en su haber dos documentales sobre su vida y ascenso a la fama, al tiempo que participó de grandes films con pequeñas participaciones.&nbsp;

El artista presenta una nueva propuesta filmada en una sola toma por el director ganador de un premio Emmy, Philip Barantini que se podrá ver a fines de noviembre.&nbsp;

El artista presenta una nueva propuesta filmada en una sola toma por el director ganador de un premio Emmy, Philip Barantini que se podrá ver a fines de noviembre.&nbsp;

Ed Sheeran presenta junto a Netflix "One shot", una experiencia musical que llega a la plataforma

El Zar se presentó por segunda vez en su carrera en el mítico Estadio Obras, en una noche de calor pero también de adrenalina. El público esperaba ansioso la llegada de la banda que prometía una noche a pura energía.“Paradiso”, su nuevo disco, fue el eje de la celebración, y lo presentaron de principio a fin, sin dejar ningún tema afuera. Así sonaron canciones como “La forma de estar solo”, “Bahía” y “Cruz del Sur” que fueron recibidas como si ya formaran parte del repertorio histórico. Entre luces cálidas y un sonido pulido, El Zar demostró que su universo pop rock sigue expandiéndose sin perder identidad.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/06/_MG_03291258_.jpg"></figure>Además del último lanzamiento, recorrieron parte de su discografía con temas que el público ya reconoce como clásicos del dúo como “Películas”, “Las voces” y “Apasionado”.Hubo sorpresas que hicieron que el show subiera aún más la energía. La primera fue con la llegada de Karina “La Princesita”, invitada para interpretar “10 años”, una de las joyas del nuevo álbum. Pero la sorpresa no terminó ahí: con Karina también versionaron “Nada es para siempre”, el clásico de Fabiana Cantilo, en una interpretación emotiva y potente que se ganó uno de los aplausos más largos de la noche.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/06/Captura_de_pantalla_2025-10-06_a_la(s)_3.23.31â¯p.Â&nbsp;m.9044_.png"></figure>Luego, fue el turno de Abril Olivera, una de las voces femeninas de Nafta, que subió al escenario para sumarse a “Bandido”, de su álbum anterior “Río Hotel”, aportando una calidez soul que hizo vibrar al estadio.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/06/_MG_07626283_.jpg"></figure>Sin embargo, la noche todavía prometía más, El Zar sacó otro as bajo la manga: una versión de “Mariposa Pontiac” de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, que hizo saltar hasta a los más tranquilos.Entre el calor agobiante, las canciones nuevas, los hits pasados y las visitas inesperadas, El Zar logró construir una noche completa, intensa y celebratoria. Obras fue testigo de una banda que no solo presenta un disco: consolida un lugar en la escena nacional con un show a la altura de su crecimiento.&nbsp;&nbsp;

El dúo vibró junto a su público en la presentación de su último disco con la participación de invitados especiales y los clásicos de siempre.&nbsp;

El dúo vibró junto a su público en la presentación de su último disco con la participación de invitados especiales y los clásicos de siempre.&nbsp;

El Zar presentó "Paradiso" en una noche única y llena de sorpresas en Obras

El icónico dúo pop Miranda! lanza una nueva versión de uno de sus grandes éxitos, “Extraño”, esta vez junto a Santiago Motorizado, líder de Él Mató a un Policía Motorizado, producida por Renzo Luca. Esta colaboración inesperada y poderosa reinterpreta el clásico con una sensibilidad renovada, fusionando el universo pop de Miranda! con la melancolía característica de Santiago.En palabras de Ale Sergi: "La reversión de “Extraño” con Santi Motorizado estaba en nuestra lista de caprichos pendientes. Siempre me encanta su voz y en esta canción se destaca. Estamos felices con la producción de Renzo Luca, más orientada al baile y adoramos el reemplazo del riff principal del sintetizador por las voces chopeadas. Gracias Santi, Gracias Renzo, ojalá les encante tanto como a nosotros".&nbsp;El videoclip, dirigido por Mel Anton, tiene algo de nostálgico ya que transcurre en un viejo depósito donde se guardan objetos emblemáticos del universo visual de Hotel Miranda! el exitoso álbum que reversionó los grandes hits del dúo con invitados de lujo, que los hizo ganar el GARDEL de oro.&nbsp;Este lanzamiento llega en un momento clave en su carrera, en donde “Tu Misterioso Alguien” el hit lanzado por Miranda! en 2009, alcanzó el puesto #1 en el Top 50 de Spotify Argentina y estuvo incluída en el top 10 de Uruguay, Paraguay, Chile y Bolivia. La canción se convirtió en una de las más escuchadas de la región y, sin dudas, en un fenómeno viral.&nbsp;Su presencia como coaches en La Voz Argentina los mantiene vigentes en la pantalla chica, y se preparan para dos fechas de presentación oficial del último disco “Nuevo Hotel Miranda!” en el Estadio Ferro, el 22 y 23 de noviembre, además de una gran gira que reafirma su conexión con el público y su lugar indiscutido en la escena musical.

El videoclip, dirigido por Mel Anton, tiene algo de nostálgico ya que transcurre en un viejo depósito donde se guardan objetos emblemáticos del universo visual de Hotel Miranda!

El videoclip, dirigido por Mel Anton, tiene algo de nostálgico ya que transcurre en un viejo depósito donde se guardan objetos emblemáticos del universo visual de Hotel Miranda!

Miranda! presentó una nueva versión de "Extraño" junto a Santi Motorizado

‘A Medio Vivir’, uno de los mayores éxitos de Ricky Martin, renace en una versión cautivadora interpretada por el icono global y uno de los mayores exponentes de la música mexicana Carín León.Sin perder la esencia que convirtió a ‘A Medio Vivir’ en uno de los temas más emblemáticos de la música latina, esta nueva versión ofrece un giro fresco y contemporáneo, bajo la impecable producción de Casta y Andrés Saavedra. Ricky y Carín transmiten con profunda emoción la poderosa letra compuesta por el cantautor venezolano Franco De Vita, inspirada en el desconsuelo y la soledad que deja la pérdida de un gran amor.El video que acompaña el lanzamiento, dirigido por Carlos Pérez, director creativo de Elastic People, recrea la atmósfera de un filme de arte. Con un enfoque visual cargado de metáforas y conceptos intrincados, la pieza resalta la interpretación emotiva de ambos artistas, evocando belleza y poesía para reflejar la separación y la esperanza.Este estreno marca el inicio de un nuevo proyecto musical del ganador de múltiples GRAMMY ® y Latin GRAMMY®, quien además se prepara para continuar con su exitosa gira internacional Ricky Martin Live. La gira se reanudará con dos funciones totalmente agotadas en el Claro Arena de Chile los días 4 y 5 de octubre, continuará por ciudades de Australia, Europa y México, más una fecha en California y otra en Emiratos Árabes Unidos.

Con un enfoque visual cargado de metáforas y conceptos intrincados, la pieza resalta la interpretación emotiva de ambos artistas.

Con un enfoque visual cargado de metáforas y conceptos intrincados, la pieza resalta la interpretación emotiva de ambos artistas.

Ricky Martin y Carín León se unen para "A miedo vivir"

El dúo de cumbia ROZE lanza su nuevo single “Botellas Vacías”, una colaboración estelar junto a Migrantes, Marama y el productor Alan Gómez. La canción combina una melodía pegadiza con letras que narran una historia de desamor, ideal para sonar en cualquier pista de baile, previa o juntada con amigos.La producción estuvo a cargo de Alan Gómez, uno de los nombres más influyentes del sonido turreo actual, conocido por sus sesiones Missions y por trabajar con artistas como La Joaqui y Luck Ra. Su estilo fresco y bailable le da al track una potencia única. El track también cuenta con la participación de Marama, la banda uruguaya que marcó una era en la cumbia pop con hits como “Loquita” y “Noche loca”, y de Migrantes, el grupo argentino que conquistó la región con éxitos como “Si me tomo una cerveza”.“Botellas Vacías” llega en un momento clave para ROZE, que acaba de presentarse por primera vez en el Teatro Ópera con entradas agotadas. Además, su anterior single “Tu jardín con enanitos” alcanzó el #1 del Top 50 de Spotify en Argentina y Uruguay, el #11 en Paraguay, y logró posicionarse en el Top 200 de Bolivia (#52) y Chile (#84). El tema también ingresó en las playlists virales de 8 países, consolidando su impacto regional. Este nuevo lanzamiento se suma a los adelantos del álbum debut de ROZE, “Tu vecino nos conoce”, que ya incluye colaboraciones con artistas como Flor Álvarez, Desakta2, Seba Mendoza, Max Carra y Valen Vargas.Todos los videoclips fueron dirigidos por Ezequiel Llanos y filmados en el barrio de La Boca, y mantiene la estética vibrante del disco: colores intensos, energía contagiosa y una narrativa visual que acompaña el espíritu festivo y emocional del tema. Con “Botellas Vacías”, ROZE reafirma su capacidad para crear colaboraciones inolvidables y seguir expandiendo su universo musical.

La canción combina una melodía pegadiza con letras que narran una historia de desamor, ideal para sonar en cualquier pista de baile, previa o juntada con amigos.

La canción combina una melodía pegadiza con letras que narran una historia de desamor, ideal para sonar en cualquier pista de baile, previa o juntada con amigos.

Roze presenta "Botellas Vacías" junto a Marama, Migrantes y Alan Gómez

Oasis ha lanzado 'Morning Glory (Unplugged)', del próximo (What's The Story) Morning Glory? (30th Anniversary Deluxe Edition). Este lanzamiento especial presenta nuevas versiones unplugged de cinco canciones clásicas; 'Morning Glory', 'Cast No Shadow', 'Wonderwall', 'Champagne Supernova' y el lanzado anteriormente 'Acquiesce'.Las nuevas versiones unplugged fueron producidas y mezcladas por Noel Gallagher y Callum Marinho a partir de las grabaciones maestras originales en el estudio de Noel, Lone Star Sound, en Londres. La nueva y poderosa interpretación de 'Morning Glory' se revela hoy: escuche aquí y vea el visualizador aquí.(What's The Story) Morning Glory? se destaca como uno de los grandes álbumes de rock que definieron una era de todos los tiempos. El segundo álbum de Oasis, lanzado en 1995 por Creation Records, siguió solo 14 meses después de su debut clásico Definitely Maybe e incluye himnos universalmente amados 'Wonderwall', 'Don't Look Back In Anger', 'Champagne Supernova', además de los favoritos de los fanáticos 'She's Electric' y 'Roll With It'.&nbsp;El álbum impulsó a la banda al éxito mundial y ahora ha vendido más de 22 millones de copias en todo el mundo, incluidos 6 millones en los EE. UU., y es el tercer álbum de estudio más vendido del Reino Unido de todos los tiempos. El álbum también fue anunciado por el Día Nacional del Álbum como el álbum oficial más transmitido de los años 90, con Definitely Maybe como el segundo.El álbum de lujo es descrito por MOJO como "Indestructible", con Record Collector agregando "Este fue el momento en que Oasis realmente se convirtió en la banda del pueblo", y Uncut coincidiendo en que este es "el hito del Britpop".El lanzamiento de 'Morning Glory (Unplugged)' llega poco después de que Oasis irrumpiera en la etapa norteamericana de la gira Live '25, consolidando firmemente la manía de Oasis en las costas de EE. UU. con Rolling Stone proclamando: "Oasis finalmente conquista América" y The Sunday Times describiendo esto como el "mayor regreso de rock en la historia”.&nbsp;La etapa del Reino Unido concluye con la sexta y séptima noches de Oasis con entradas agotadas en el icónico estadio de Wembley de Londres. A partir de ahí, la gira continúa a nivel mundial en Corea del Sur, Japón, Australia, Argentina, Chile y Brasil.&nbsp;

Este lanzamiento especial presenta nuevas versiones unplugged de cinco canciones clásicas; 'Morning Glory', 'Cast No Shadow', 'Wonderwall', 'Champagne Supernova' y el lanzado anteriormente 'Acquiesce'.

Este lanzamiento especial presenta nuevas versiones unplugged de cinco canciones clásicas; 'Morning Glory', 'Cast No Shadow', 'Wonderwall', 'Champagne Supernova' y el lanzado anteriormente 'Acquiesce'.

Oasis lanza "Morning Glory (Unplugged)"

El mítico Estadio Monumental vibró como pocas veces cuando Kendrick Lamar desplegó en Buenos Aires toda la potencia de su Grand National Tour, en un regreso largamente esperado por el público argentino, que lo había visto por primera vez en el Lollapalooza de 2019. Con el estadio repleto y sumido un clima ritual, el show —presentado por DF Entertainment— fue una verdadera celebración del rap como arte total. Lamar no sólo repasó su carrera con una precisión quirúrgica, sino que ofreció una narrativa en vivo que combinó poesía, crudeza y una visión profundamente personal que lo ubica como uno de los mejores cronistas de nuestra era.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DPaQr9FDHEa/"></oembed></figure>Antes de recibir a Kendrick, el Monumental ya ardía de expectativa: no solo por la llegada del headliner, sino también por el reencuentro con dos de los artistas más celebrados de la escena local. CA7RIEL &amp; Paco Amoroso fueron parte fundamental de esta noche única.&nbsp;Con la frescura y la originalidad que los está haciendo célebres a nivel global, desplegaron un setlist vibrante y teatral que hizo estallar al estadio desde el primer beat. Con “EL ÚNICO”, “MI DESEO / BAD BITCH” y “DUMBAI”, crearon un clima de fiesta como solo ellos saben.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DPaGOVQjGSk/"></oembed></figure>El show comenzó con el Buick Grand National ’87 sobre el escenario, el auto que inspiró el título de GNX, el álbum que está presentando y con el que sigue redefiniendo el hip hop contemporáneo. Lanzado el año en que él nació, este modelo está atado a su historia: su padre lo llevó a casa desde el hospital en uno igual, mientras sonaba Big Daddy Kane. Más que escenografía, es un símbolo de origen y de camino. Con “wacced out murals” y “squabble up”—canciones que abren GNX—, Lamar dio inicio a una narrativa complementada con una puesta sobria que llevó la música bien al frente.Con un setlist que recorrió distintos momentos de su discografía, Kendrick equilibró la contundencia de sus clásicos con la densidad emocional de sus obras más recientes. A ese punto de partida nucleado en GNX le siguieron “N95”, de Mr. Morale &amp; The Big Steppers (2022), y “King Kunta”, de To Pimp a Butterfly (2015). Luego de “ELEMENT”, el primero en sonar de DAMN (2017), y “tv off”, su tema con Lefty Gunplay, llegó el momento picante de “Euphoria”, una de las canciones del rapero en su conocida diatriba con Drake.Kendrick volvió a girar el volante hacia lo más nuevo con “hey now” y “reincarnated”, para luego explotar con el hit “HUMBLE.”, de DAMN, uno de los más coreados de la noche. Para ese entonces, el rapero deleitó al público con “Backseat Freestyle”, que llevó a todo River a good kid, m.A.A.d city (2012), uno de los discos más influyentes de su generación, del que también sonaron los clásicos “Swimming Pools (Drank)” y “m.A.A.d city” para ese segmento del show.El tramo central combinó la potencia política de “Alright” y “DNA.” con momentos más íntimos como el que trajo su interpretación de “LOVE.”, un respiro necesario para volver a retomar con fuerza. El Monumental se entregó de lleno a cada transición: Lamar encadenó “Peekaboo” y “Like That” para rematar con “Count Me Out” y su megahit “Bitch Don’t Kill My Vibe”, para luego volver a levantar vuelo con “Money Trees”, otra de esas canciones que ya pertenecen al cancionero universal del rap.La recta final fue todo un manifiesto. “Luther” y “TV Off (Part 2)” prepararon el terreno para “Not Like Us”, convertido en catarsis colectiva de 65.000 personas saltando al unísono, en uno de los momentos de mayor voltaje de la noche. Con “Gloria” como cierre, Kendrick bajó el telón con un gesto de vulnerabilidad y madurez, dejando al público en un silencio reverencial antes de la ovación final.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DPaGcf7jLrc/"></oembed></figure> &nbsp;

A seis años de su primera visita, Kendrick Lamar volvió a pisar suelo argentino para transformar el Estadio Monumental en una cumbre del rap. La noche tuvo, además, un capítulo local inolvidable con la participación de CA7RIEL &amp; Paco Amoroso. &nbsp;

A seis años de su primera visita, Kendrick Lamar volvió a pisar suelo argentino para transformar el Estadio Monumental en una cumbre del rap. La noche tuvo, además, un capítulo local inolvidable con la participación de CA7RIEL &amp; Paco Amoroso.&nbsp;

Kendrick Lamar y la noche del Grand National Tour en River 

La Franela presentó Andamio, su sexto álbum de estudio que contiene 11 canciones. El nombre del álbum ya anticipa su concepto: una obra construida paso a paso, con ayuda mutua, colaboración y memoria sobre los hombros de la historia personal de su líder, Daniel “Piti” Fernández.&nbsp;Sobre este álbum, Piti destacó que trabajando con su papá aprendió que un andamio "tiene sentido con los obreros arriba" y el nombre del álbum decantó, ya que el disco fue la suma de la colaboración de mucha gente amiga, "eso me llevó directamente a mi infancia, viendo como a mi viejo lo ayudaron a levantar nuestra casa sus amigos“, resumió.&nbsp;De esta manera, Andamio no suena a un disco de colaboraciones al voleo, sino a una construcción pensada adonde cada artista invitado aporta una “pieza” que encaja en el edificio musical y simbólico del álbum.<figure class="media"><oembed url="https://open.spotify.com/album/2sHmZ0d0gLfClyOEhukoNM?si=11yg8wATRNeO6oUVp-hNkg"></oembed></figure>Entre las colaboraciones se destaca la de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/06/22/despedida-con-paciencia-los-piojos-regresaron-a-river-presentaron-una-nueva-cancion-y-prometieron-volver">Andrés "Ciro" Martínez, excantante de Los Piojos</a> con quien Piti y Sebastián Cardero (baterista) compartieron escenario hasta junio en la vuelta de la mítica banda de El Palomar. Ciro participó en La Muchacha, donde sumó su voz y armónica, así como también una impronta emotiva a la canción.Además, hay colaboraciones con músicos de diferentes estilos como lo son Los Tekis, Los Caligaris, Catriel Ciavarella, Juani Rodríguez, Javier Casalla, Yamil Salvador, Coty Manigot, José de Diego y Facundo Farías Gómez.Las canciones se distribuyen para dar espacios de momentos más introspectivos, baladas, ritmos más movido, fusiones de géneros (pop rock, folklore, ritmos latinos).&nbsp;La Franela presentará Andamio el <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.allaccess.com.ar/event/la-franela-presenta-su-nuevo-disco-andamio">próximo 18 de octubre en el Teatro Vorterix</a>, con Gauchos of the Pampa como banda invitada, que tiene entre sus filas al guitarrista Juan Ábalos, quien también estuvo en la vuelta de Los Piojos tocando en lugar de Gustavo "Tavo" Kupinsky.

"Laburando con mi viejo aprendí que un Andamio tiene sentido con los obreros arriba. En este disco se sumó mucha gente, eso me llevó directamente a mi infancia", resumió Piti Fernández sobre el sexto álbum de estudio de La Franela.

"Laburando con mi viejo aprendí que un Andamio tiene sentido con los obreros arriba. En este disco se sumó mucha gente, eso me llevó directamente a mi infancia", resumió Piti Fernández sobre el sexto álbum de estudio de La Franela.

La Franela presenta Andamio en el Teatro Vorterix: una construcción colectiva del rock nacional

Pablo Alborán une fuerzas con el popular artista brasileño Luan Santana en esta emocionante interpretación conjunta de ‘¿Qué tal te va?', nuevo adelanto de 'KM0', el próximo álbum del artista malagueño.Estamos ante una canción nostálgica y cargada de sentimiento, de producción moderna y vibrante, a cargo del propio Pablo, en la que sin duda se convertirá en una de las canciones favoritas de los fans dentro del nuevo repertorio del artista.El videoclip de ‘¿Qué tal te va?' ha sido grabado en Lisboa, cuando Alborán se presentó en el show de Luan Santana el pasado 23 de agosto para interpretar juntos este nuevo single.El lanzamiento de la preventa de su nuevo álbum ‘KM0’ y de las entradas para su tour, se celebró con un showcase multitudinario en la Puerta del Sol de Madrid, que reunió a más de 15.000 personas y fue seguido por 100.000 espectadores en TikTok LIVE. Durante el evento, el artista presentó en exclusiva canciones como ‘Vámonos de aquí’ y ‘Mis 36’, tema inédito ya disponible en plataformas, considerado uno de los más personales y emotivos del disco, además de interpretar clásicos como ‘Saturno’.‘KM0’ es el séptimo álbum de estudio y, sin duda, es el álbum en el que el artista ha desplegado una paleta de colores más amplia dentro su repertorio. El tracklist está repleto de grandes canciones; emocionantes, sinceras y orgánicas. Un repertorio en el que podemos encontrar sonidos de vanguardia y en el que el artista explora nuevos terrenos, asumiendo de nuevo, no solo la autoría de todas sus canciones, si no también la producción y arreglos de la mayoría del álbum. El artista, que se encuentra en uno de sus mejores momentos tanto a nivel profesional como personal, da rienda suelta en este álbum más que nunca a su creatividad en una obra que, sin duda, es la más rotunda y honesta de su carrera.El lanzamiento de ‘KM0’ nos va a regalar canciones para emocionarnos, bailar y disfrutar, pero este disco también nos trae la vuelta de Pablo a los escenarios. Una gira que comienza en marzo de 2026 en Latinoamérica y que continuará hasta 2027 con conciertos por las principales ciudades de Europa, con parada por toda España. En todos los shows, el compositor unirá la pasión y emoción de sus grandes temas con un nuevo sonido más maduro e innovador marcado por el lanzamiento del nuevo disco, ‘KM0’.

Pablo Alborán une fuerzas con Luan Santana en  ‘¿Qué tal te va?'

Después de 25 años sin editar un disco de estudio y después de un largo impasse, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/09/19/fiesta-de-zombis-el-nuevo-album-de-los-caballeros-de-la-quema">Los Caballeros de la Quema regresaron con Fiesta de Zombis</a>, su séptimo álbum de estudio con una musicalidad propia de la banda. Contiene 10 canciones nuevas más una yapa: Costumbres argentinas de Andrés Calamaro, que se la apropian y la logran llevar al terreno de la Quema.Volver al estudio fue todo un desafío: Iván Noble admitió que era un “riesgo enorme”, ya que después de los éxitos de Los Caballeros que “quedaron en la memoria colectiva” es difícil salir a competir, no porque no estén a la altura sino porque tienen un “anclaje emocional”. Sin embargo, Patricio Castillo reconoce que necesitaban hacerlo: “Ensayar solo para tocar en vivo se vuelve tedioso, y necesitábamos crear”.Iván Noble, Martín Méndez, Pablo Guerra y Patricio Castillo recibieron a Filo.news en la previa de la presentación de su álbum en The Roxy Bar, y contaron cómo fue volver a grabar juntos tras el largo impasse, las dudas, el paso del tiempo y lo que significa para ellos presentar estas nuevas canciones. La intención, como dijeron en la rueda de prensa, era invitar a amigos de la industria para que entre copas disfrutaran de la pre escucha de Fiesta de Zombis.Los Caballeros de la Quema arrancaron allá por los 90’s y no se pueden disociar de la creciente desigualdad entre los niveles socioeconómicos más altos y más bajos, así como tampoco del boom de la pizza con champagne. Oriundos de Morón, conocían sobre las diferencias, vivieron la destrucción de la industria local y el aumento de la desocupación; el rock barrial no se puede separar de esa conciencia social y la narración de aquellos años, pero tampoco de estos. Durante la conferencia dejaron claro que apoyaban la lucha del Hospital Garrahan y las universidades públicas, que el jueves salieron a reclamar por los vetos del presidente a las leyes de financiamiento.<figure class="media"><oembed url="https://open.spotify.com/album/4KwoJGzMTFm6UqiODYriCp?si=8rpXfzKSSlW-pMtOx_4EDw"></oembed></figure>El proceso de composición fue híbrido: primero cada uno maquetó ideas por separado, las compartieron virtualmente y más tarde se reencontraron en la sala de ensayo para darles forma. “Una vez que cada uno tenía su parte, nos juntamos en el estudio y lo grabamos casi en vivo”, cuenta Mendez.La yapa del álbum -Costumbres argentinas- ingresó por la ventana: “No estábamos del todo convencidos que después de tantos años de no sacar un disco hiciera falta que haya una canción que no fuera nuestra, pero después nos fue convenciendo lo que sucedió con la canción cuando la grabamos”, reconoce Iván, aunque lo interrumpe Pablo y añade que no la sentían parte del concepto musical del disco, pero fue la mirada del productor, Gustavo Borner, quien grabó Fulanos de Nadie y volvió especialmente para este nuevo álbum, la que hizo que esa canción de Los Abuelos de la Nada esté incluida en Fiesta de Zombies. “Nos sugirió a último momento hacer unos arreglos diferentes de las guitarras y del bajo y de esa manera cerró con todo el bagaje de audio del disco”, resume Guerra.<h4>Canciones del álbum</h4>Otro día en la oficina, la canción que abre el álbum y el tercer corte de difusión, cuenta no solo cómo vive la persona que trabaja en una oficina, sin ver el sol -que “baila reggaeton de los idiotas”- sino que también es una crítica a la sociedad capitalista: donde las personas cada vez trabajan más, “mientras el reloj de arena nos come los tobillos”.&nbsp; En años donde aún las guerras están más presentes que nunca con focos en oriente, pero donde no todos están preparados, sino que van a la guerra “con cascos de juguete y dos cuchillos sin filo”.Pese a que los relatos puedan tener algo de dureza y crítica, el nombre del álbum -Fiesta de Zombis- revela desde el inicio que se tratará de una musicalidad más alegre, que está perfectamente reflejado en Otro día en la oficina.Durante la entrevista, Mendez contó una infidencia: la “oficina” de Iván es la playa, entre risas, Pablo Guerra dijo que no quería ser él el que lo cuente. Estaban lejos de las oficinas, pero cerca de las calles: Mendez recordó que en los inicios de Los Caballeros y para sostener la sala de ensayo en Morón, junto a Iván salían disfrazados de mimos para publicitar el emprendimiento de un amigo.Y acá me ves es la más melódica del álbum, con un estribillo que invita a corear y un rockero que quedó “malherido”, “hecho un ovillo”. Fue el primer corte de difusión y el más escuchado en radios, pero también en plataformas.Alma de mocasín, con una buena base de riffs, esta canción habla un poco más de una crítica a los jóvenes de hoy: “Quería hablar de los pibes que tienen el alma vieja”. “Cuanto más queres, cuánto es que tenes, en qué la vas a gastar”, recita Noble en una parte de la canción, refiriéndose a esa juventud que lejos de colgar el póster de un ídolo, está buscando “generar plata”.“En los bolsillos de tu mortaja queda una vida sin usar”, catapulta la canción. Con un fraseo más juguetón, en el estribillo, pegajoso, pide que nunca le contagien esa alma de mocasín. &nbsp; La canción distintiva es, definitivamente, Milonga rota que abre el espectro sonoro y con la intención de traer otros géneros, que claramente alimentan el rock nacional, con un fuerte ascendente en tango y milonga, como ya lo anticipa el título. Es la elegida por Iván porque justamente abre el espectro, los obliga a salirse del confort y los lleva a intentar un “vuelo artístico diferente”.Fiesta de zombis, que le da nombre al álbum, tiene un arranque particular que juega con el reggae y tiene a los vientos como protagonistas, es musicalmente hipnótica. La letra mucho mejor: relata una fiesta, que según dijeron todos los músicos era un poco lo que pasaba en la casa de Iván Noble con tintes de ficción. Más allá de los diputados buscando tusi, mujeres vomitando y alguna persona que no sabían cómo llegó a la reunión ni quien era, el mensaje es que “la vida te enseña a vivir si vivís lo suficiente, pero conviene que le sonrías”.Tanto vino abajo del puente es una balada más rockera, con guitarras limpias y un tono más íntimo, que muestra un poco el crecimiento de los músicos desde la letra. El título juega con la frase popular “agua bajo el puente”, pero con vino. Además, según dijo Mendez, es su preferida. Relata, con una vulnerabilidad sincera, cómo se vé la vida en perspectiva hacia atrás y la tranquilidad hacia adelante: “Nos queda poco y nada que perder”.Vuelven los cuervos es de los momentos más potentes del álbum, con riffs pesados y una atmósfera oscura, casi cinematográfica. La letra habla de presagios, de fantasmas que regresan, con un aire apocalíptico. Es la preferida de Patricio porque relata un poco el presente de la Argentina. Este track genera un fuerte contraste con las canciones musicalmente más luminosas que atraviesan todo el disco.No empujes el río es la antítesis de Vuelven los cuervos: contiene todo el optimismo musical propio del álbum, con arreglos suaves. El mensaje es claro: no forzar lo que debe fluir por sí solo.Es hora es un tema de medio tempo, con guitarras acústicas y arreglos suaves. Baja un poco el envión optimista y la tensión de Vuelven los cuervos y No empujes el río. El estribillo directo (“es hora”) funciona como llamado a la acción, casi político sin ser explícito, una verdadera crítica al sistema: “Es hora de incendiar este circo, fusilar al domador esta vez, soltar a las bestias y a los simios”.Todo va a pasar, la última canción del álbum compuesta por Los Caballeros, es una balada con piano y guitarras acústicas. Cierra el disco en tono íntimo, esperanzador. La letra es de aceptación: todo dolor, toda alegría, todo va a pasar. Es un final emotivo y sereno. Ésta es la canción preferida de Pablo, que reconoce que después de escucharla lo deja “en un lugar muy lindo”.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/22/02_CABALLEROS_DE_LA_QUEMA__(Foto_IGNACIO_ARNEDO-FOCCO_PRODU)__P0A01061383_.jpg"><figcaption>Los Caballleros de la Quema llegan por primera vez al Arena de Villa Crespo para presentar Fiesta de Zombies | Foto: Ignacio Arnedo.</figcaption></figure>El reencuentro no se queda en el estudio: el próximo 10 de octubre Los Caballeros de la Quema se presentarán en el Arena de Villa Crespo, en un show que promete recorrer su historia y estrenar en vivo parte de este nuevo material. “Será una noche larga, transpirada y con canciones de todas las épocas”, aseguran.

Los Caballeros de la Quema presentaron Fiesta de Zombies | Foto: Ignacio Arnedo.

El regreso al estudio fue toda una apuesta cargada de dudas y expectativas. Con Fiesta de Zombis, los moronenses abren un nuevo círculo en su historia con temas que van de la crítica social al desamor, sin perder la identidad de barrio y su musicalidad distintiva.

El regreso al estudio fue toda una apuesta cargada de dudas y expectativas. Con Fiesta de Zombis, los moronenses abren un nuevo círculo en su historia con temas que van de la crítica social al desamor, sin perder la identidad de barrio y su musicalidad distintiva.

Los Caballeros de la Quema lanzaron Fiesta de Zombis después de 25 años sin grabar: diez canciones y Costumbres Argentinas

Habiendo pasado un año y medio desde la noche en la que presentó su último álbum, Descartable, en el estadio de Racing Club lleno con más de 40.000 almas, y tras haber recorrido el país y el mundo con 40 shows durante el 2024, finalmente WOS vuelve a presentarse en la Ciudad de Buenos Aires.Con una propuesta única y compacta que promete un viaje por sus más destacadas canciones a lo largo de su contundente carrera, Wos regresa a los escenarios de Buenos Aires repleto de energía a reencontrarse con su público de una manera cercana y cálida. Sin la inmensidad de los estadios a las que acostumbró en los últimos años, hoy Wos se aleja de la grandilocuencia que parece haber ya cansado, y siente la necesidad de esto, estar en casa…<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/04/1759508443260-WOS_OBRAS_FINAL_1080x14409892_.jpg"></figure>Wos se ha consolidado como una de las figuras más poderosas e influyentes de la música nacional y habla hispana. Su capacidad para fusionar diversos géneros con su RAP y poética cargada de sensibilidad, resistencia, y la intensidad en cada uno de sus shows, lo han llevado a convertirse en un referente indiscutido. Es capaz de conmover, provocar y revolucionar la escena, la cultura y hasta hacer temblar a grandes líderes políticos, trascendiendo generaciones, uniendo al rock con los jóvenes, y logrando dar ese salto distintivo que le permite ser hoy, el artista más influyente.El Estadio Obras será testigo de un espectáculo arrollador: un viaje musical y poético que sigue consagrando a Wos como punta de lanza, no solo como un exponente del rap y la música urbana, sino como un verdadero artista integral, dueño de una voz generacional que trasciende fronteras.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/04/PRENSA_INTL_56092_.jpeg"></figure>Como ya nos tiene acostumbrados, Wos llevará a cabo este show de forma totalmente independiente junto a sus colaboradores y amigos de Doguito Records, sello que fundó en 2018 junto a su mánager Peter Ehrlich.La preventa estará habilitada para los usuarios con Tarjeta Naranja el martes 7 de octubre a las 12:00 horas hasta agotar stock, mientras que la venta general será el 8 de octubre. Tickets a cargo de Coolco.

El artista promete guiar a los artistas por los temas más emblemáticos de su carrera en un ambiente íntimo y privado.&nbsp;

El artista promete guiar a los artistas por los temas más emblemáticos de su carrera en un ambiente íntimo y privado.&nbsp;

Después de 3 años sin tocar en el centro porteña, WOS anunció un Obras para noviembre

Tobika, el artista que fusiona géneros urbanos con sonidos de raíz folclórica, &nbsp;presenta su nuevo single “Mi China”. Con la melancolía de un amor de la juventud, en el que a través de los sonidos autóctonos se refleja la tierra, el agua, la calidez y un atardecer inolvidable, el track transforma esos recuerdos en música para transmitir la intensidad de un corazón al galope, con un grito que cruza fronteras.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=kR1bvQ44itA"></oembed></figure> La presentación en vivo de “Mi China” fue durante la apertura del show de Beéle en el Arena. Meses atrás, Tobika había compartido en redes que soñaba con telonear a uno de sus referentes y mencionó en tono irónico que se retiraría si lo lograba, ya que era algo impensado para él. Hoy, ese deseo se convirtió en realidad: el artista abrió el show y llevó al escenario toda la potencia de su performance.El lanzamiento llega acompañado de un videoclip con estética de fashion film, rodado en un campo de Uruguay, a la vera del Río de la Plata. Allí, Tobika aparece montado a caballo en un paisaje onírico, desafiando la gravedad y sumergido en el recuerdo de un viejo amor que florece entre las canolas. Las imágenes refuerzan la poética de la canción, entre naturaleza y emoción a flor de piel. Con este lanzamiento, Tobika confirma su identidad como un artista capaz de unir tradición y modernidad, ofreciendo una propuesta única que conecta con lo íntimo y &nbsp;las raíces de los sonidos autóctonos. &nbsp;

En pleno crecimiento, fue elegido por Beéle para abrir su show en Argentina y se presentará en Lollapalooza 2026. El artista pisa cada vez más fuerte en la escena y llegó para quedarse. Acaba de lanzar “Mi China”, donde la melancolía se transforma en poesía musical, con un videoclip rodado a orillas del Río de la Plata. &nbsp;

En pleno crecimiento, fue elegido por Beéle para abrir su show en Argentina y se presentará en Lollapalooza 2026. El artista pisa cada vez más fuerte en la escena y llegó para quedarse. Acaba de lanzar “Mi China”, donde la melancolía se transforma en poesía musical, con un videoclip rodado a orillas del Río de la Plata.&nbsp;

¿Quién es Tobika? Conocé al artista que fusiona sonidos urbanos con raíces folklóricas

Lo que se intuía en redes sociales se confirmó en una colaboración fuertemente aclamada por los fanáticos. Judeline —recientemente nominada a tres Latin Grammys y parte del line up de Lollapalooza Argentina 2026— se une a Amaia en “Com Você”, un lanzamiento que promete dar que hablar en este 2025. Cantada en una mezcla de español y portugués, “Com Você” es mucho más que una colaboración: es una declaración de amor directa, fresca y universal. Desde el primer acorde, la canción envuelve a los oyentes en un clima hipnótico, donde las melodías cálidas y los ritmos envolventes acompañan dos voces que parecen hechas para entrelazarse.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Idar_BFzHGo&amp;t=2s"></oembed></figure>Dos universos artísticos distintos, pero con una sensibilidad compartida, confluyen en un tema que suena a confesión íntima y a celebración colectiva. Con frases como “quiero estar contigo”, el track transmite de la manera más simple la esencia del amor en estado puro. El deseo de acompañar, de vivir y sentir con alguien especial, sin importar el idioma ni las fronteras, es lo que late en este single que se mueve entre lo íntimo y lo expansivo. La canción, producida por Mayo, Tuiste, Carlos Ares y Saint Lowe, refuerza el costado pop de ambas artistas y las muestra en plena complicidad creativa. Para Judeline, “Com Você” también llega en un momento clave: en paralelo a este lanzamiento, fue convocada para participar en el soundtrack oficial de la nueva película de TRON de Disney, a cargo de Nine Inch Nails, lo que marca un nuevo salto internacional en su carrera. Con apenas 22 años, la artista gaditana sigue construyendo un camino propio dentro del pop alternativo y consolidándose como una de las voces jóvenes con mayor proyección en la música iberoamericana. &nbsp;

La artista gaditana, nominada a tres Latin Grammys y parte del line up de Lollapalooza Argentina 2026, se une a Amaia en un single que combina español y portugués, y refuerza su proyección internacional con su participación en el soundtrack de TRON de Disney.

La artista gaditana, nominada a tres Latin Grammys y parte del line up de Lollapalooza Argentina 2026, se une a Amaia en un single que combina español y portugués, y refuerza su proyección internacional con su participación en el soundtrack de TRON de Disney.

Judeline y Amaia lanzan “Com Você”,  una colaboración que marca la escena hispana

Avenged Sevenfold anuncia la fecha de reprogramación de su show sold-out en el Estadio Arena de Buenos Aires para el martes 3 de febrero de 2026, en el marco de su gira sudamericana, &nbsp;Life is but a dream…La banda debió cancelar no sólo su show en Buenos Aires, sino también su tour por Latinoamérica debido a un problema de salud imprevisto del cantante, M. Shadows.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DPUQzx-jsT_/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>Para esta nueva fecha, la banda invitada será Mr. Bungle, que también reprogramó sus shows en el continente para acompañar a Avenged Sevenfold. La banda liderada por Mike Patton (leyenda del metal alternativo, líder de Faith No More, Fantômas, Tomahawk, entre otras), regresa al país después de 3 años para repasar sus casi treinta años de carrera a través de una discografía que definió la historia del metal experimental. Las entradas adquiridas para Avenged Sevenfold serán válidas para la nueva fecha. Quienes no puedan concurrir podrán solicitar su devolución en info@movistararena.com.ar hasta el lunes 13/10 inclusive.

Las bandas comunicaron la nueva fecha de su gira Latinoamericana y los traerá a Buenos Aires en febrero del próximo año.&nbsp;

Las bandas comunicaron la nueva fecha de su gira Latinoamericana y los traerá a Buenos Aires en febrero del próximo año.&nbsp;

Avenged Sevenfold y Mr Bungle anuncian la reprogramación para el 2026 en Argentina

Creado por y para los amantes de la música, “El Data” se convirtió en un punto de encuentro para una comunidad de oídos inquietos y exigentes, que en cada edición encontró propuestas únicas y una curaduría siempre sorprendente. Este regreso mantiene la esencia: difundir músicos talentosos y emergentes, sumando también artistas de renombre. Un espacio para compartir, descubrir y vibrar con la mística que hizo del Data un festival inolvidable.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DO9SJbJERre/?img_index=1"></oembed></figure> Vinocio El nuevo disco Tostados potencia el componente groovero de la banda, con temas que ya vienen tocando en vivo y otros nuevos, en un caleidoscópico equilibrio entre la fusión que ya es el sello distintivo del grupo y la experimentación, que expande las fronteras de su música. Incluye temas que van desde lo relajado y lo íntimo, hasta lo bailable y funk. Se destacan colaboraciones con músicos invitados como Fermín Merlo, Sergio Wagner, Maxi Sayes, Javier Burin y Tade Fonk. Canciones como “Colibrí” y su destino de hit, con una melodía pegadiza y rítmica, que podría haber compuesto Harbie Hancok en su etapa de jazz funk. Con Tostados, Vinocio logra afianzarse como mucho más que una promesa musical.Abril Olivera Abril Olivera, talentosa cantante, música y compositora argentina, se ha consolidado como una de las principales representantes de la nueva ola del R&amp;B en español. Con una carrera que se extiende por diversos escenarios, Abril es parte de NAFTA y ha acompañado a destacados artistas como Lali, Trueno, Emmanuel Horvilleur, Julieta Rada y Ángela Torres, entre otros. Además del R&amp;B, Abril explora en su música géneros como el jazz, la bossa, la samba y el soul, sumando matices del funk y el hip-hop. Esta fusión le permite construir un estilo distintivo, sofisticado y fresco, que amplía los límites del género y lo resignifica en clave contemporánea. En 2019 lanzó su primer EP titulado Espacios, que incluye su primer éxito “En Algún Lugar”, acompañado de un cautivante videoclip. En 2020 profundizó su universo sonoro con los singles “Giro” y “Elemental”. El 2023 marcó un hito en su trayectoria con el estreno de su álbum debut, Abril. Este trabajo conceptual expandió su universo musical a través de colaboraciones con reconocidos músicos como Fito Páez, Acus, An Espil y Magamo. Con influencias del jazz clásico, la bossa y el soul, cada tema se presentó como una pieza única dentro de un entramado narrativo sofisticado y sensible. En 2024 lanzó el single “Acuerdo”, junto con un videoclip filmado en 16mm, aclamado por su estética visual y musical. Ese mismo año realizó un tour junto a An Espil, ofreciendo un show íntimo y especial a dúo que repasó lo mejor de sus repertorios. Su último lanzamiento es “A LA SALIDA”, una canción producida junto a Martín Allende y acompañada por un videoclip dirigido por Toto Chiavassa, filmado entre Brooklyn y el Río de la Plata. Este single, segundo adelanto de su próximo disco, expone con honestidad y frescura el desgarro y la ternura de los encuentros con un amor ya perdido, consolidando su madurez artística.&nbsp; Ekathé Ekathé, banda de Buenos Aires, formada a mediados de 2020 compuesta por Tomás Torres en guitarra, Nicolas Pons en teclados, Javier Müller en saxo alto, Pablo Barone en bajo e Ivan Marcori en batería. El grupo tiene un lugar en la escena de jazz/neo soul porteña, y se presentan regularmente en diversos escenarios de la ciudad. En 2021, Ekathé lanzó su primer álbum homónimo, el cual fusiona influencias del Jazz Fusión, Hip Hop, Funk y Soul. A comienzos del 2024, han lanzado su segundo y último disco “ 1686 “ el cual tuvo grandes repercusiones en la escena nacional e internacional, con más de 300 mil reproducciones en Youtube y Spotify. Actualmente, la banda lanzó nuevas Live Sessions presentando los temas grabados en un formato innovador y tocan regularmente en festivales de Jazz y teatros porteños. Lolita Fiamma Cantante, compositora y productora de R&amp;B argentino. Usa el sonido noventoso del neo soul y R&amp;B como vehículo para contar algo propio, lleno de vocal stacks, líneas de bajo virtuosas, synths y argentinidad. “Solo quiero hacerte sentir algo”, afirma mientras apoya la púa en un vinilo de Faith Evans. Lolita tiene dos discos en su haber: Ristretto y Fisura Fina, y planea seguir sacando discos por el resto de su vida, así como también participando de proyectos de otros artistas. Nacida en el interior y radicada en Buenos Aires, trabaja arriba, abajo y detrás del escenario, habitando un lugar integral en la industria. Participó en proyectos de Oney1, T&amp;K, Trueno, María Becerra, Acru, Milo J, Barderos, C.R.O., entre otrxs, como corista o vocal producer. &nbsp;

Este regreso mantiene la esencia: difundir músicos talentosos y emergentes, sumando también artistas de renombre. Un espacio para compartir, descubrir y vibrar con la mística que hizo del Data un festival inolvidable.

Este regreso mantiene la esencia: difundir músicos talentosos y emergentes, sumando también artistas de renombre. Un espacio para compartir, descubrir y vibrar con la mística que hizo del Data un festival inolvidable.

Vuelve el festival Data con Vinocio, Abril Olivera, Ekathé y Lolita Fiamma

El próximo 7 de octubre, desde las 18, Nicki Nicole celebrará los 300 años de Rosario con un espectáculo sin precedentes en el Monumento a la Bandera. Será el primer concierto sinfónico de su carrera, acompañado por más de 70 músicos de la Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario, bajo la dirección de Nicolás Sorín.La artista rosarina presentará un repertorio original preparado especialmente para esta ocasión, donde su voz se unirá a los arreglos orquestales en un cruce inédito entre lo urbano y lo sinfónico. Cada canción fue repensada para revelar nuevas capas de emoción y darle una dimensión distinta a hits que ya forman parte de la identidad de toda una generación.<h4>La mirada de Nicolás Sorín</h4>Para Sorín, director de la orquesta, la obra de Nicki es un terreno fértil para explorar:<blockquote>“Cada canción es como una película distinta: algunas tienen la fuerza de un western, otras un tono más poético, otras una luz desbordante. No se trata solo de hacer arreglos, sino de descubrir el espíritu que habita en cada tema y vestirlo de gala”.</blockquote>Además, destacó la relevancia de que una artista como Nicki lleve su obra al formato sinfónico:<blockquote>“Durante mucho tiempo la orquesta fue vista como un dinosaurio en extinción. Que Nicki decida abrazar este lenguaje es reivindicar una forma y un medio musical que sigue siendo inmenso, lleno de colores y capaz de contener todos los sentimientos que un artista puede transmitir”.</blockquote><h4>Un encuentro generacional y solidario</h4>El show contará también con la participación de Juan Carlos Baglietto, figura clave en la historia musical de Rosario, que se sumará para darle aún más peso a una velada que promete unir generaciones y estilos en un escenario emblemático a orillas del Paraná.La entrada será libre y gratuita, invitando a toda la ciudad a formar parte de un hito cultural que quedará grabado en la memoria colectiva. Además, el evento tendrá un costado solidario: durante la previa y el transcurso del concierto, el público podrá hacer donaciones voluntarias a la Fundación del Hospital de Niños Víctor J. Vilela, con el objetivo de fortalecer una institución central en el cuidado de la salud de las infancias rosarinas.

La artista rosarina celebrará los 300 años de su ciudad con su primer show sinfónico, acompañada por más de 70 músicos en el Monumento a la Bandera. La entrada será gratuita y con un fin solidario.

La artista rosarina celebrará los 300 años de su ciudad con su primer show sinfónico, acompañada por más de 70 músicos en el Monumento a la Bandera. La entrada será gratuita y con un fin solidario.

Nicki Nicole dará un show sinfónico histórico en Rosario por los 300 años de la ciudad

Nicki Nicole dará un show sinfónico histórico en Rosario

El productor y multiinstrumentista alemán Steffen Linck, más conocido como Monolink, presenta su tercer álbum de estudio, The beauty of it all, un trabajo que marca un regreso a la esencia que siempre lo distinguió: la perfecta simbiosis entre lo orgánico y lo electrónico.The Beauty Of It All no se enfoca en el espectáculo, sino en explorar la tensión entre la alegría y el dolor, la memoria y el movimiento, la quietud y el cambio. Más que un concepto cerrado, se presenta como una serie de monólogos internos traducidos en sonido.A lo largo del disco, aparecen guiños a distintas etapas de su carrera. En “Powerful Play”, el artista regresa a sus raíces con una fusión de guitarra acústica y electrónica rítmica que recuerda sus primeros días, cuando alternaba entre tocar en las calles de Berlín y descubrir la intensidad de sus clubes.<div class="raw-html-embed"><iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/6HUHjLtNJsOzlEGxk4ZcBB?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></div> &nbsp;Con este nuevo trabajo, Monolink no solo plasma su presente, sino también el camino recorrido. En la última década, consolidó un estilo singular que combina la narrativa tradicional con el diseño sonoro contemporáneo, ubicándose en un cruce único entre la cultura de club y los escenarios de concierto, con un público global que lo sigue en ambos mundos. Si su debut Amniotic (2018) presentó una fusión fluida entre lo orgánico y lo electrónico, y Under Darkening Skies (2021) amplió esa visión con tintes más oscuros y cinematográficos, The Beauty Of It All aparece como una síntesis depurada y un momento de claridad. Menos enfocado en la escala, más en la resonancia. Más que nada, un disco honesto. &nbsp;

Conformado por diez canciones originales, es el tercer trabajo de estudio del productor, cantante, compositor y multiinstrumentista alemán.&nbsp; &nbsp;

Conformado por diez canciones originales, es el tercer trabajo de estudio del productor, cantante, compositor y multiinstrumentista alemán.&nbsp;&nbsp;

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