Dos días atrás <a href="https://www.filo.news/cine-y-series/La-Amenaza-Fantasma-la-pelicula-mas-odiada-de-Star-Wars-cumple-21-anos-20200519-0001.html" target="_blank">rememoramos el estreno</a> de Star Wars: Episodio I - La Amenaza Fantasma (The Phantom Menace, 1999), una de las películas más vapuleadas de la saga de George Lucas, que regresó a los cines tras dieciséis años de ausencia. En cambio hoy nos toca festejar el cuadragésimo aniversario de Episodio V: El Imperio Contraataca (The Empire Strikes Back, 1980), quizás la más celebrada de la saga y la preferida de los fans en todo el mundo, casi por unanimidad. 
Pero no todo salió bien desde el principio. A George Lucas le tocaba la titánica tarea de repetir el éxito sin precedentes de Star Wars: Episodio IV - Una Nueva Esperanza (A New Hope, 1977) con su esperada secuela, sin embargo el cineasta decidió delegar la dirección en su hombre de confianza Irvin Kershner y el guion a la experimentada Leigh Brackett (Río Bravo, 1959). La muerte de Brackett al año siguiente lo llevó a delinear la historia él mismo y encargarle el guion a Lawrence Kasdan, un debutante en ese momento.&nbsp; 
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 El pionero en efectos especiales Phil Tippett trabajó en la animación de los AT-AT usando la técnica de stop motion. 
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De esta manera, Lucas pudo dedicarse a sus tareas de producción y afianzar su liderazgo en Industrial Light and Magic, la división de efectos visuales de su compañía Lucasfilm. Sus obligaciones corporativas fueron casi tan difíciles como las creativas, ya que Episodio V tuvo una de las producciones más complicadas de toda la saga. Su presupuesto inicial llegó casi a duplicarse a raíz de graves problemas en el set, que incluyeron un incendio, actores heridos y multas de los sindicatos de guionistas y directores. 
<blockquote> 
 Al principio consideré venderle todo a Fox… Simplemente tomaría mi porcentaje, me iría a casa y nunca volvería a pensar en Star Wars otra vez. Pero la realidad es que estaba cautivado. 
</blockquote> 
Más allá de los problemas de producción, George Lucas había enfrentado una cantidad de estrés insospechado tras el éxito de la primera película de la saga. Para su secuela, la financiación salió de su propio bolsillo y supervisó personalmente todos los aspectos de la producción, enfrentando una apuesta gigante que definiría el resto de su carrera: si le iba bien, las ganancias le permitirían seguir trabajando tranquilo sin presiones en la industria. La desafortunada alternativa era la bancarrota. 
Para alivio del padre de Star Wars, el Episodio V de su saga fue un éxito rotundo, convirtiéndose en la película más taquillera del año. Al día de hoy y con los números ajustados a la inflación, sigue ocupando el segundo puesto de secuelas con mayor recaudación en la historia del cine. Pero esta no era una secuela como cualquier otra y eso estaba claro desde el principio: no solo iba a hacer progresar la historia, sino que presentaría nuevos personajes clave y le añadiría varios niveles de complejidad y oscuridad a este universo.&nbsp; 
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 Las salas se llenaron una vez más, tras el éxito de la primera Star Wars 
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Considerando que la primera película de Star Wars fue una producción dedicada a toda la familia, con una estructura relativamente simple basada en los estudios de Joseph Campbell y un ingenuo optimismo que subrayaba la historia, el tono notablemente más maduro de su sucesora tomó por sorpresa a la audiencia, y le reportó muy buenas críticas. A pesar de que en el momento de su estreno las reseñas estaba divididas, Episodio V sigue siendo considerada al día de hoy como la mejor película de la saga y la que más aportó a su universo. 
La aparición del Maestro Yoda y sus enseñanzas reforzaron todo lo que Obi Wan-Kenobi apenas había llegado a insinuar en la primera película, se sumaron personajes de ambigua moral que traicionan a sus amigos (Lando Calrissian te estamos mirando), la tensión sexual entre Leia y Han Solo se resolvió con una inolvidable escena, los planetas de Hoth, Dagobah y otros contribuyeron al creciente paisaje de la galaxia, y todo se volvió mucho más complejo al descubrir que la fuerza maligna que Luke tenía que enfrentar era nada más y nada menos que su propio padre. 
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 "Yo soy tu padre" - la famosa línea pronunciada por James Earl Jones que sorprendió a toda la audiencia 
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La fábula optimista y vibrante de Una Nueva Esperanza se sumió en la más completa oscuridad, revelando una trama familiar inesperada casi shakesperiana, un joven Skywalker permanentemente tentado por el lado oscuro de la Fuerza y un final donde el mal parece triunfar, contrastado con la esperanzadora conclusión que había dejado Episodio IV. La audacia de esta apuesta fue aplaudida por todos los fans y George Lucas pudo dormir tranquilo, sin el peligro latente de que vinieran a buscarlo las hordas enardecidas blandiendo sables de plástico. 
<blockquote> 
 ¿Cómo puedo hacer una película que sea tan buena como Star Wars? 
</blockquote> 
El director Irvin Kershner contó muchos años después que, enfrentado con esta inquietud cuando Lucas se aproximó con la propuesta, su colega le contestó que quería una película que fuera aún mejor que su predecesora. No solo Kershner estuvo a la altura de las circunstancias, sino que después del éxito de Episodio V se convirtió en uno de los directores más codiciados de Hollywood. Su visión era hacer una secuela original, más lenta y “lírica”, y sus tiempos contrastaban con el demandante ritmo de producción que exigía el presupuesto. 
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 El romance entre Leia y Han Solo encendió la pantalla en la segunda entrega de la saga 
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Sin embargo, los resultados hablaron por sí solos. No fue un camino fácil. El estilo del director irritaba tanto a productores como intérpretes, alteraba los diálogos que no lo convencían e invitaba a los actores a improvisar, filmando incontables tomas de la misma escena. Cuenta la leyenda que así, después de muchos intentos, logró irritar a Harrison Ford al punto de sacarle la famosa línea “Lo sé” en respuesta a la declaración de amor de Leia, y los fans lo amaron. Aunque fue un poco más difícil convencer a George Lucas. 
La versión final de la película que llegó a los cines sufrió cambios hasta último momento. Hace apenas unos días se reveló que, luego de que El Imperio Contraataca fuera lanzada en 35 mm, George Lucas se dio cuenta en una de las proyecciones que el final era un poco confuso, en términos de dónde quedaba parado cada personaje. En apenas dos semanas, antes del lanzamiento en 70 mm, tuvieron que filmar y editar tres nuevas escenas para establecer que Luke y Leia quedaban en una nave de la flota rebelde, mientras que Chewie y Lando se dirigían en el Halcón Milenario a rescatar a Han Solo. 
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Estas revelaciones y otros detalles de la producción de Episodio V fueron liberados como parte de los festejos por el 40 aniversario de su estreno en el <a href="https://www.starwars.com/empire-40th" target="_blank">sitio oficial&nbsp;de Star Wars</a>, junto con entrevistas exclusivas, anécdotas desde el set, detrás de escena nunca antes vistos, galerías de arte conceptual, tributos a los artistas que participaron de la película y -por supuesto- merchandising especial para celebrar la fecha. 
A pesar de las frustraciones de Kershner, de las preocupaciones económicas de Lucas y de las incómodas situaciones que se generaban todos los días en el set de filmación, la producción salió adelante y entregó una de las películas más memorables de la saga de Star Wars. Eventualmente Episodio V superó todas las expectativas y terminó recaudando diez veces su presupuesto. Pero su verdadero legado está en todo lo que aportó a nivel de la historia, de sus personajes e interpretaciones, que quedaron para siempre en la memoria colectiva y al día de hoy, siguen siendo las favoritas de todo el mundo. 
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La pel&iacute;cula m&aacute;s aclamada de la saga intergal&aacute;ctica cumple cuatro d&eacute;cadas de su estreno y celebramos este aniversario redondo repasando los detalles de su producci&oacute;n.

La pel&iacute;cula m&aacute;s aclamada de la saga intergal&aacute;ctica cumple cuatro d&eacute;cadas de su estreno y celebramos este aniversario redondo repasando los detalles de su producci&oacute;n. 

Yo soy tu padre. Star Wars: El Imperio Contraataca estrenaba hace 40 años

Do or do not. There is no try.

Dicen que cualquiera puede volver de un fracaso, pero solo un genio puede volver de un éxito. El peso simbólico de esta máxima cayó con toda su fuerza sobre las precuelas de Star Wars, la esperadísima trilogía de George Lucas que debía vivir a la altura de su propio legado. Dieciséis años habían pasado cuando Episodio I finalmente llegó a los cines, después de aquel Episodio VI que dejó latente la promesa de una historia de origen para los queridos héroes y heroínas de la saga. 
A una década de los festejos en el Bosque de Endor, Lucas decidió y anunció oficialmente que era hora de contar la génesis de su epopeya intergaláctica, aquella elidida primera parte que había dejado a sus fans en ascuas durante tanto tiempo. A esa altura, el culto alrededor de Star Wars ya alcanzaba el estatus de mito, con una generación entera prendada de la leyenda y otra que heredaba ese amor original, transmitido por sus progenitores o por algún afán nostálgico, en una época en la que el acceso a internet todavía era escaso. 
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 El personaje más querido junto al más odiado 
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En retrospectiva, Star Wars: Episodio I - La Amenaza Fantasma (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, 1999) fue juzgada con mucha más severidad que cualquier otro tanque de la época en base a las expectativas desproporcionadas de sus fans, y de la crítica especializada que había crecido a la par del nacimiento del blockbuster moderno, pergeñado por el mismísimo George Lucas y su colega y amigo Steven Spielberg. Pero hoy, más de dos décadas después, legiones de fans reivindican la visión del padre de Star Wars. 
El concepto de los midiclorianos para explicar el origen de la Fuerza, el uso y abuso de efectos digitales en oposición a los efectos prácticos de la trilogía original, la actuación del joven Anakin Skywalker, los diálogos básicos y la aparición del problemático Jar Jar Binks, entre otras cuestiones, fueron algunos de los elementos más criticados de esta precuela. En el momento de su estreno, cuando todavía las redes sociales no se habían convertido en la cloaca donde los fans descargan su ira, las frustraciones fueron canalizadas a través de las críticas en medios especializados, foros e incluso reuniones y eventos de fans. 
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 La carrera del pequeño Jake Lloyd no llegó a despegar después de interpretar al joven Anakin 
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La historia de origen de Darth Vader y el clan Skywalker se convirtió para muchos en una decepción de proporciones tan épicas como las expectativas generadas, y con el paso del tiempo la emoción inicial dio lugar a incontables quejas que se potenciaron eventualmente con el acceso a internet. Pero para muchos otros, el estreno de Episodio 1 aquel 19 de mayo de 1999 significó la puerta de acceso a la saga, y quedó en la memoria colectiva de una generación de fans como el evento cinematográfico que los conectó con esa historia más grande que la vida. 
De cualquier manera, los defectos de Episodio I hoy son prácticamente anecdóticos y -entre las miles de reseñas negativas que cosechó en el momento de su estreno- actualmente se rescatan y reivindican aspectos innovadores a nivel de técnica que fueron -una vez más- rupturistas para la época, marcando un antes y un después en la forma de hacer cine comercial, tal como lo había hecho la trilogía original allá por las décadas del setenta y el ochenta. 
<blockquote> 
 Hay una sensación de descubrimiento escena tras escena. Ya que prueba nuevos efectos e ideas, e integra a la perfección personajes reales y digitales, paisajes reales y lugares imaginarios. 
</blockquote> 
El célebre crítico de cine Roger Ebert profetizó en ese momento (con conocimiento de causa, por supuesto) que la primera película de esta nueva trilogía representaba el umbral de una nueva era para el cine épico. Una en que los presupuestos ya no limitarían el alcance de las escenas, sino que los cineastas podrían mostrarnos todo lo que estuviera al alcance de su imaginación, gracias al uso de las técnicas digitales. Las palabras de Ebert envejecieron tan bien como si las hubiera pronunciado en 1977, de cara a la revolución técnica que representó Episodio IV - Una Nueva Esperanza (A New Hope). 
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 La carrera de los pod racers fue una de las pocas escenas que supo amalgamar bien el uso del CGI con el espíritu de Star Wars 
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Por otro lado, a nivel de la narrativa, solo hace falta remitirnos a las palabras de Dave Filoni, estrecho colaborador de George Lucas y creador de las series animadas de Star Wars.&nbsp;Las más recientes declaraciones de Filoni se emitieron apenas una semana atrás en el segundo episodio de <a href="https://www.filo.news/cine-y-series/Analisis--Disney-Gallery-The-Mandalorian-es-el-comienzo-de-una-tradicion-20200505-0041.html" target="_blank">Disney Gallery: The Mandalorian</a>, donde&nbsp;el director habla apasionadamente sobre la relevancia de los sucesos de Episodio I en el devenir de la historia, haciendo hincapié en los valores familiares que transmite la saga.&nbsp; 
<blockquote> 
 Qui-Gon pelea porque sabe que él es la figura paterna que Anakin necesita (...) y por eso es el Duelo de los Destinos, porque se decide el destino de este chico. Y dependiendo de cómo resulte esta pelea, su vida será dramáticamente diferente. 
</blockquote> 
De esta manera, Filoni entiende que el destino de la galaxia entera se decide en este momento, que determina el principio de la transformación de Anakin en Darth Vader. La escena de Duel of the Fates,&nbsp;acompañada por la épica&nbsp;música compuesta por el maestro&nbsp;John Williams, es reconocida desde siempre por los fans como uno de los mejores momentos de la película. Sin embargo, el monólogo de Filoni reivindicando las precuelas&nbsp;tomó por sorpresa al fandom, que históricamente defenestra esta trilogía. 
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La mayoría de las reseñas publicadas al momento de su estreno, acusaban en forma unánime a Episodio I de carecer de espíritu, como si toda la película se tratara de un ejercicio mecánico y un despliegue de técnica sin alma por parte de su creador. Le echaban en cara el presupuesto de $115 millones de dólares contra los $10 millones que había costado Episodio IV, la dirección de Irvin Kershner y Richard Marquand contra la del propio George Lucas (que había estado veinte años sin ejercer), y el exceso en el uso de los efectos digitales como pilar para contar la nueva historia. 
También se acusó a Episodio I del peor pecado que puede cometer una película dedicada a entretener a toda la familia: ser aburrida. Los discursos políticos, debates sobre impuestos y disputas sobre el comercio intergaláctico perdieron la atención de una gran parte de la audiencia que solo quería conocer más sobre la historia y el mundo interno de sus personajes preferidos, ver a los Caballeros Jedi en todo su esplendor, presenciar épicos duelos de sables láser y disfrutar los diseños de nuevas criaturas y naves, mientras se ampliaba el universo que apenas asomaba y prometía inconmensurable vastedad en la trilogía original. 
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Pero incluso antes de que la película llegara a las salas, ya se había convertido en un fenómeno cultural digno del legado de Star Wars. Cuando estrenó el primer trailer en 1998, la gente acampaba fuera del cine y pagaba la entrada solo para verlo, hasta que algún fan lo filtró a la usanza de la vieja escuela y el mismo George Lucas tuvo que liberarlo en su página oficial. Para el estreno de Episodio I, fans del Reino Unido volaron del otro lado del charco solo para ver la película dos meses antes, ya que recién estrenaba en Europa el 16 de julio. 
Los cines tuvieron que tomar medidas para evitar la reventa de entradas a precios desorbitantes, y a medida que se acercaba la fecha, los fans volvieron a acampar en la puerta de los cines, tal como había pasado cuando estrenaron las películas de la trilogía original. Comercialmente, la película fue el éxito que tanto George Lucas como Hasbro y el resto de los auspiciantes habían previsto. Además de su recaudación en taquilla, se facturaron más de mil millones de dólares en venta de merchandising y publicidad. 
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 <img alt="" data-height="450" data-size="w:660,h:372" data-width="800" hspace="5" src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2020/05/19/611116312-image_crop1589865912295.png_674994428.png" title="" vspace="5"> 
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 Los fans esperando ilusionados en fila para el estreno de Episodio I 
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Esto solo alimentó el cinismo en la recepción de la película y las acusaciones que la tildaban de gran estrategia publicitaria en detrimento de su calidad artística. La oleada de críticas negativas llegó a repercutir incluso en las vidas personales de sus actores, al punto de que Ahmed Best (quien interpretó a Jar Jar Binks) declaró que llegó al límite de considerar terminar con su vida y Jake Lloyd (el pequeño Anakin Skywalker) habló de un “infierno viviente” y terminó con su incipiente carrera en la actuación. 
<blockquote> 
 La Amenaza Fantasma es una de mis películas favoritas y Jar Jar es mi personaje preferido. Fue muy muy difícil. 
</blockquote> 
Estas fueron las palabras del mismísimo George Lucas en un panel por el 20° aniversario del lanzamiento de Episodio I el año pasado, en la Star Wars Celebration de Chicago. El creador sigue defendiendo su visión, con un toque de humor incluido, a pesar de las negativas reacciones de los fans. Y en los últimos años, la aparición de las secuelas de Disney llevó a una especie de revisión histórica que reivindica la arriesgada apuesta de Lucas, que se jugó todo en el afán de contar el origen de la mítica saga.

Un d&iacute;a como hoy estren&oacute; el infame Episodio I que reinici&oacute; la franquicia intergal&aacute;ctica y en esta nota repasamos su legado e impacto cultural.

Un d&iacute;a como hoy estren&oacute; el infame Episodio I que reinici&oacute; la franquicia intergal&aacute;ctica y en esta nota repasamos su legado e impacto cultural.

La Amenaza Fantasma: la película más odiada de Star Wars cumple 21 años

May the midiclorians be with you

Algún crítico sesudo y mal intencionado supo aseverar que Steven Spielberg &nbsp;y George Lucas -con “Tiburón” (Jaws, 1975) y “La Guerra de las Galaxias” (Star Wars, 1977), respectivamente- traicionaron las bases del Nuevo Hollywood, ese mismo movimiento contracultural que ayudaron a cimentar junto a cineastas contemporáneos como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese o Brian De Palma, cuyos trabajos e ideas aportaron sofisticación (y deconstrucción) a una industria estancada en el sistema de estudios y una crisis artística. 
Inspirados tardíamente por el neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa, estos jóvenes realizadores irrumpieron a mediados de la década del sesenta con ganas de revitalizar los géneros, dejar su marca de autor y sumar temas un tanto tabú, como la violencia o la sexualidad. Sí, el joven George Walton Lucas Jr., oriundo de Modesto (California) forma parte de este selecto grupo, aunque para sus detractores haya perdido el rumbo. 
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 <img alt="" data-height="450" data-size="w:1280,h:720" data-width="800" hspace="5" src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2020/05/14/1.jpg_674994428.jpg" title="" vspace="5"> 
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 Aquellos viejos tiempos en&nbsp;Tatooine 
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Cuando su futuro como corredor automovilístico se frustró tras un accidente, George decidió perseguir sus otras pasiones (los cómics, la ciencia ficción y, por sobre todo, su amor por los seriales de Flash Gordon) y enrolarse en la University of Southern California (USC), una de las primeras escuelas en tener una rama dedicada exclusivamente a las artes cinematográficas. Allí compartió clases con Randal Kleiser, Walter Murch, Hal Barwood y John Milius, además de hacerse amigo de un tal Steven Spielberg y, entre otras cosas, le empezaron a interesar los elementos no narrativos del lenguaje fílmico, como el color, la luz, el movimiento, el espacio y el tiempo, así como las teorías de montaje del serbio Slavko Vorkapić. 
La graduación llegó en 1967, y un par de años después fundó American Zoetrope junto a Coppola. Una de las primeras producciones de la compañía fue “THX 1138” (1971), su debut como director y guionista, basado en el cortometraje “Electronic Labyrinth: THX 1138 4EB” (1967). El thriller distópico fue un fracaso de taquilla, pero puso a Lucas fajo el foco de la crítica que ratificó sus talentos como narrador después del estreno (y el suceso) de “Locura de Verano” (American Graffiti, 1973), inspirada en su alegre juventud en Modesto. 
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 <img alt="" data-height="450" data-size="w:1280,h:720" data-width="800" hspace="5" src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2020/05/14/4.jpg_674994428.jpg" title="" vspace="5"> 
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 El trabajo del Jorgito estudiante de cine 
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Lo que sigue es historia conocida: la conjunción de todos sus fetiches -las novelas de caballería, los samuráis y las obras de Akira Kurosawa, los seriales de ciencia ficción, los ensayos del monomito a cargo de Joseph Campbell y un larguísimo etcétera- se tradujeron en esa odisea espacial que podría haber resultado el fracaso más grande de todos los tiempos pero, en cambio, trascendió la mera experiencia cinematográfica, convirtiéndose en mega éxito y pilar de la cultura pop, tal cual como la conocemos hoy en día. 
A Lucas solo le bastó una primera entrega y una frasecita ganchera (“Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana…”) para cambiar el mundo y, prácticamente, dormirse en sus laureles… y los miles de millones de dólares que empezó a recaudar con el merchandising de la película. Claro que su visión era un poco más ambiciosa (una saga de nueve episodios), anhelo que se cumplió 42 años después con “Star Wars: El Ascenso de Skywalker” (Star Wars: Episode IX - The Rise of Skywalker, 2019), un producto que le dejó de pertenecer hace mucho tiempo. 
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 <img alt="" data-height="450" data-size="w:1280,h:720" data-width="800" hspace="5" src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2020/05/14/3.jpg_674994428.jpg" title="" vspace="5"> 
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 Imposible nombrar un trío más icónico 
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Pero a pesar de las circunstancias -y de que vendió Lucasfilm y los derechos de la franquicia a The Walt Disney Company in 2012-, el nombre de George Lucas siempre será sinónimo de Star Wars, su universo, sus personajes y sus criaturas, aunque sigamos reprochándole las precuelas y monstruosidades como Jar Jar Binks. Detracciones aparte, no podemos minimizar el legado y el poder visionario de Jorge dentro de la industria, ya sea por sus contribuciones cinematográficas como productor (y creador) de Indiana Jones, y otros clásicos fantásticos de los ochenta como “Laberinto” (Labyrinth, 1986), “Willow” (1988) y “Pie Pequeño en Busca del Valle Encantado” (The Land Before Time, 1988); sino el aporte técnico y artístico de empresas como LucasArts e Industrial Light &amp; Magic. Si hasta Pixar le debe su fundación. 
Puede ser que la imagen del “Nuevo Hollywood” haya quedado decolorada tras el éxito y las montañas de dinero. Que el cineasta “rebelde” se haya convertido en un instrumento de esa misma industria que quiso combatir inicialmente, o que la saga intergaláctica no sea la epopeya más original de la historia del séptimo arte, pero los sentimientos que provoca -sobre todo esa unión generacional- son auténticos y todo se lo debemos a su creador, incluso cuatro décadas después de esa primera incursión en una galaxia muy, muy lejana… &nbsp;

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