Sara Hebe lanzó "Negacionismo", un álbum que tiene a los vínculos y la vida cotidiana en el centro de la escena, aunque no abandona la crítica social. Si bien se sitúa en la economía, donde todos hablan de dinero y cómo obtenerlo, según aseguró la artista a Filo.news, "el disco habla de una crisis de valores", con sonidos de dub reggae, punk electrónico y hip-hop."Creo que el único tema que tiene una crítica social es 'Saqueo'. Los demás tienen quizás algo de eso, pero más encriptado. No es un disco donde esté tan marcado como en los anteriores", cuenta en diálogo con este medio.En ese sentido, asegura que si bien siempre la conmovió hablar de lo que pasaba fuera de su casa, "ahora creo que en estas canciones hay cuestiones que tienen más que ver con lo que me pasa a mí y con esa casa que intento armar y organizar", dice a este medio desde un bar cercano a su domicilio, ya que tiene un hijo pequeño y desde ahí también construye "Negocionismo" con las inquietudes de qué mundo le queda a su niño. &nbsp; &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Vvl5161vauc&amp;list=OLAK5uy_k0zaFqmt93thi5iT5iVQy5K5P4nyV22lg"></oembed></figure><h4>Una crisis que va más allá del dinero</h4>En la entrevista, Sara Hebe explica que el disco nació en un momento donde la economía parece haberse convertido en el centro de todas las conversaciones. Sin embargo, sostiene que esa preocupación va más allá y se centra en el valor de las cosas.<blockquote>"Todo el mundo está hablando de dinero porque es lo que nos preocupa, de qué negocio hacer y de cómo sobrevivir en esta economía tan cambiante y difícil. Pero también me pregunto qué estamos negando a través de eso", reflexiona.</blockquote>Para la artista, esa pregunta atraviesa todo el álbum. "El disco habla del valor de las cosas. No solamente del valor del dinero. Habla de una crisis de valores", resume. Y si bien todas las canciones no desarrollan ese concepto, la idea general del disco fue esa.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=4ziPZK5-rBs&amp;list=OLAK5uy_k0zaFqmt93thi5iT5iVQy5K5P4nyV22lg&amp;index=2"></oembed></figure>El primer corte del álbum fue "Saqueo", una canción que funciona como la pieza donde la dimensión política vuelve a ocupar el primer plano. Menciona a Diego Armando Maradona como un Dios de carne y hueso frente a la actualidad, donde hoy "dios es de lata".&nbsp;"Estoy hablando del saqueo actual sobre la Argentina, sobre los recursos naturales y también sobre los recursos humanos por parte de los gobiernos más poderosos, las multinacionales y el narcotráfico", explica Sara Hebe que no deja pasar que en la Argentina de hoy hay muchos pobres porque hay muchas ratas.Centrándose en la idea de un "saqueo que vive el pueblo y el territorio latinoamericano", sobre todo de sus recursos naturales y humanos, Sara Hebe retrata un capitalismo galopante, con grandes elites tecnológicas que explotan el territorio, ya tomado por el narcotráfico para adormecer a la juventud.&nbsp;Después lanzó “ANTICRIPTO ”, un drum n’ bass junglero y ansioso como los tiempos que corren, montado sobre una base de bajos profundos y breakbeats chopeados a pleno. El track construye una interioridad conspiranoica entre la ficción del dinero digital, las fake news y noticias que parecen guiones sci-fi. El videoclip, dirigido por Juliana Grasso y Juan Wolf, se mueve al ritmo de delirios paranoicos indoors. El tercer adelanto del álbum fue “HOY ”, una oda al presente en clave reggae dub de la mano del dúo argentino de new wave/garage Dum Chica. Su sonido tiene una base que combina reggae con bassy synthwave: el bajo de Juana Inés Gallardo, poderoso y al frente, marca un pulso hipnótico, de ensoñación, mientras que las voces de Lucila Stornino y Sara terminan de delinear el perfil pop del tema, que se publicó con un videoclip.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=pHHMkr5YmPo&amp;list=OLAK5uy_k0zaFqmt93thi5iT5iVQy5K5P4nyV22lg&amp;index=3"></oembed></figure>Como una artista que recorre los escenarios del under, no escapa a la discusión de la industria musical. Si bien destaca que las canciones de hoy en día son de alto nivel, señala que la búsqueda constante de perfección escapa a la forma más lúdica de generar la música."Los artistas de ahora son muy buenos. Son tan buenos que, por momentos, me parecen un poco aburridos porque arman muy bien los conceptos", sostiene.&nbsp;En esa línea, recuerda que hacia el final de "Saqueo" se da la libertad de "jugar con barras, enumero algunas de todas las drogas que se trafican con la frase del dealer y busco no hablar tan exclusivamente de forma seria o solemne", explica."La industria lo que quiere son buenos productos y lo está consiguiendo porque salen salen discos buenísimos, con letras muy pensadas. Pero no sé cuán sentidas, sobre todo las letras que hablan de lo social, de lo triste o de la corrupción. Si están tan producidas y tan pensadas para hacer un buen producto que sea vendible, me pregunto si les queda algún hueco para estar sentidas, eso no más", analiza la artista.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=0UyNlMz2jw4&amp;list=OLAK5uy_k0zaFqmt93thi5iT5iVQy5K5P4nyV22lg&amp;index=9"></oembed></figure>Además del giro en las letras, el nuevo trabajo representa una búsqueda distinta desde lo musical. Producido junto a Manu Calmet, el álbum explora una sonoridad más electrónica donde conviven el drum and bass, el dubstep y melodías más suaves que en sus trabajos anteriores."Es un disco electrónico con buenas melodías que me salieron del corazón. Lo hicimos durante casi dos años y lo disfrutamos muchísimo", cuenta Sara Hebe.Entre las canciones que saldrán con videoclips, se destaca "Voy a negociar" que ya tiene fecha de estreno el próximo 17 de julio a las 12.30. Aunque también está previsto el clip de "No voy a decir nada" junto con Barbi Recanati.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=ufh529DY1TU&amp;list=RDufh529DY1TU&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Mientras el álbum propone un recorrido más íntimo que sus antecesores, Sara Hebe deja en claro que su mirada crítica sigue intacta. Solo cambió el lugar desde donde observa. La pregunta de fondo hoy es qué valor tienen las cosas, los vínculos y las palabras en un momento donde todo parece medirse en dinero.<h4>Canciones de Negocionismo</h4>* SAQUEO * HOY * AHORROS * KE NADIE ME CORRIJA ft. MALCRIADA * ANTICRIPTO * NO VOY A DECIR NADA ft. Barbi Recanati * NOT AURA * BAD &amp; UGI'S ft. AKA ROMEA * VOY A NEGOCIAR * ALGO EN MÍ ft. Tayhana

Se trata de un álbum más personal, pero no abandona la crítica social, con sonidos de dub reggae, punk electrónico y hip-hop.

Se trata de un álbum más personal, pero no abandona la crítica social, con sonidos de dub reggae, punk electrónico y hip-hop.

Sara Hebe lanzó "Negocionismo": "El disco habla de una crisis de valores, no solamente del dinero"

<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/08/30/seru-giran-vuelve-de-la-mano-del-quilmes-rock-2025-conoce-las-primeras-bandas-confirmadas-del-festival">Serú Girán regresó a la Ciudad de Buenos Aires</a> de la mano de David Lebón y Pedro Aznar después de su mítica presentación en el Quilmes Rock 2025. El viernes por la noche, el Arena de Villa Crespo fue testigo más de dos horas de música, recuerdos y emoción en el primero de los cinco estadios agotados de la gira que reúne a Pedro Aznar y David Lebón para celebrar el legado de la banda que supieron formar en el año 1978 junto a Charly García y Oscar "Negro" Moro.La música ilustra épocas y Serú Girán fue pionera de nuestro rock nacional y sus canciones traspasaron generaciones. La banda ya es parte del cancionero argentino por su rock progresivo, temas que saben pintar el amor, pero también contienen una fuerte crítica social y política. Además, el cuarteto de músicos sirvió como influencia a múltiples artistas y bandas que surgirían en los años posteriores.Desde mucho antes del comienzo del show, la sensación era la de asistir a algo más que un recital. Familias, parejas, grupos de amigos y fanáticos de distintas generaciones llegaron a Villa Crespo para reencontrarse con canciones que forman parte de la historia del rock argentino, que se transmitieron de generación en generación y a muchos jóvenes les explicó una parte oscura de la historia argentina.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZ0VVBcEwQW/?hl=es-la&amp;img_index=3"></oembed></figure>La noche comenzó con "Parado en el medio de la vida", "La grasa de las capitales", con una intro grabada, y "Frecuencia Modulada", que cerraron el primer tridente de la noche. Entre los puntos más altos de la noche -que hubo varios- se destacó "Canción de Alicia en el país", de fondo, se vieron durante toda la noche fotos de shows en vivo de Serú Girán, donde se observan unos jóvenes Charly García, Negro Moro, Pedro Aznar y David Lebón. A partir de ahí, el viaje fue imparable. En "Nos veremos otra vez", uno de los himnos más coreados por la gente, se pararon frente al público Pedro y David, intercalando voces y por momentos cantando juntos, mientras Aznar tocaba un contrabajo sin caja.A lo largo del concierto, David Lebón se mostró visiblemente conmovido en más de una ocasión. Las lágrimas aparecieron varias veces durante la noche, mientras el público respondía con ovaciones interminables. "No esperaba a los 74 estar llenando estadios", dijo, mientras el Arena le devolvía una de las mayores muestras de cariño de la velada.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZ0VVBcEwQW/?hl=es-la&amp;img_index=2"></oembed></figure>La primera parte del show avanzó entre clásicos como "Cinema Verité", "Desarma y sangra", "Noche de perros", "San Francisco y el lobo" y una intensa versión de "Viernes 3 AM". Durante la noche, Charly y Moro estuvieron siempre presentes en cada canción, pero "Desarma y sangra" se la dedicaron especialmente.Tras un segmento dedicado a las canciones propias de ambos músicos, con "En la vereda del sol" y "Déjame entrar", el espectáculo volvió a tomar vuelo con una seguidilla de canciones que reflejó la amplitud compositiva de Serú Girán.&nbsp;Uno de los momentos más especiales llegó antes de "A cada hombre, a cada mujer". Aznar recordó el origen de la canción y sorprendió con una confesión.&nbsp;<blockquote>"Esta canción yo la soñé, me desperté, fui al estudio y la escribí. La soñé cantada por David, y la primera vez que la cantó sonó igual", contó antes de comenzar una de las interpretaciones más celebradas de la noche.</blockquote>El único invitado de la noche fue un viejo conocido, aunque de una manera muy particular, según contó Aznar. "Quiero invitar a alguien que estaba en el moisés mientras nosotros ensayábamos", dijo Pedro antes de invitar a Juanito Moro a subir al escenario.El hijo del Negro Moro tomó las baquetas y participó en "¿Cuánto tiempo más llevará?" y "No llores por mí, Argentina", dos momentos que unieron pasado y presente en una misma imagen. El primer tema dedicado especialmente a su padre.Pedro y David estuvieron acompañados durante toda la noche por Federico Arreysegor en teclados y voces, Fernando Cosenza en guitarras, Matías Sabagh en batería y Fermín Ferraris en teclados, junto a quienes construyeron un show sólido desde lo musical y respetuoso de la obra original, pero con identidad propia.En los camarines también hubo visitas ilustres. Entre quienes pasaron a saludar antes del concierto estuvo Lali junto a Pedro Rosemblat saludando a Pedro y David.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/06/21/_A529504.jpg3295_.jpeg"><figcaption>Pedro Rosemblat, Pedro Aznar, Lali Espósito y David Lebón | Foto: Guido Adler.</figcaption></figure>El cierre era tan previsible como inevitable. Primero llegó "Peperina". Después, "Seminare". Miles de voces cantando al unísono, abrazos, celulares encendidos y un estadio que se resistía a aceptar el final, coreando "Serú, Serú". Sobre el escenario había sonrisas, emoción y lágrimas, que también se observaba en el alrededor de las butacas, donde el público tenía la certeza de haber asistido a una de esas noches que quedarán guardadas en la retina.<h4>Agenda de show de Serú Girán por Lebón y Aznar&nbsp;</h4>21 de junio – Movistar Arena (Buenos Aires) – Agotado 26 de junio – Quality Arena (Córdoba) – Agotado 4 de julio – Metropolitano (Rosario) 10 de julio – Movistar Arena (Buenos Aires) – Agotado 25 de julio – Arena Maipú (Mendoza) 9 de agosto – Movistar Arena (Buenos Aires) – Agotado 14 de agosto – Polideportivo (Mar del Plata) 12 de septiembre – Movistar Arena (Buenos Aires) – Últimas localidades 25 de septiembre – Quality Arena (Córdoba) – Nueva fecha 14 de noviembre – Bicentenario (San Juan) 5 de diciembre – Hipódromo (La Plata) 17 de diciembre – Antel Arena (Uruguay)Además, próximamente se anunciarán nuevas fechas en Bahía Blanca, Neuquén, Tucumán y Salta.

El viernes por la noche, el Arena de Villa Crespo fue testigo más de dos horas de música, recuerdos y emoción. Este domingo repiten. "No esperaba a los 74 estar llenando estadios", aseguró Lebón.

El viernes por la noche, el Arena de Villa Crespo fue testigo más de dos horas de música, recuerdos y emoción. Este domingo repiten. "No esperaba a los 74 estar llenando estadios", aseguró Lebón.

Serú Girán por Pedro Aznar y David Lebón volvió a latir en el Arena: una noche de emociones, lágrimas y canciones eternas

Serú Girán por Aznar y Lebón volvió a latir en el Arena: una noche de emociones, lágrimas y canciones eternas

Los Caligaris lanzaron Caligaris sí, su noveno álbum de estudio que contiene 12 colaboraciones de grandes músicos como Los Auténticos Decadentes, La Vela Puerca, La K'onga, Benjamín Amadeo, Karina, Coti, Alan Sutton y las criaturas de la ansiedad, Silvestre y La Naranja, Paty Cantú, Banda el Recondo, Neto Peña y Don Tetto. Hay un concepto detrás de todo el material de la banda cordobesa que no escapa a este nuevo disco y es reivindicar el optimismo a través de una palabra tan sencilla como el "sí"."Buscábamos una palabra positiva y optimista que encerrara todo eso. Entonces fue sí. Lo positivo. Siempre sí, siempre con buena onda", explicó a Filo.news Marcos Ozamis sobre el nombre del álbum. A su turno, Raúl Sencillez añadió que Caligari Sí "se remonta a la actitud que tienen Los Caligaris para afrontar la vida", de una forma positiva.La elección es casual, el estilo circense y la alegría como estilo de vida son dos banderas que Los Caligaris vinenen flameando hace casi 30 años. Aunque más allá de la alegría, los músicos reflexionaron sobre el presente social, atravesado por la dolorosa noticia del femicidio de Agostina Vega que golpeó a la Ciudad de Córdoba y movilizó a miles de mujeres y varones el pasado 3 de junio."No son momentos como para reírse tanto. Hay que reflexionar. Son cosas terribles como el caso de Agostina que nos toca muy de cerca, no solamente porque fue en Córdoba, sino porque también tenemos hijos menores, de la edad de ella y obviamente que pensamos en lo que esperamos para ellos, para el futuro también. Veíamos las estadísticas de los femicidios en la Argentina: en lo que va del año ya hubo 100 femicidios y hay un montón de chicas desaparecidas. En promedio se da un femicidio cada 30 horas", analizó Raúl."En Córdoba hubo una marcha muy grande por el caso Agostina, ayer hablabamos de eso, cómo se organiza la gente", agregó Marcos.&nbsp;Lejos de refugiarse en la indiferencia, Los Caligaris sostienen que su lugar está justamente en ofrecer una alternativa emocional frente a esa realidad. "Desde que éramos chicos pasaban cosas feas. Siempre hubo noticias desgarradoras. Pero también sentimos que nuestra misión es devolver un poco de la energía linda que tiene la vida", reconoció Marcos.Esa filosofía atraviesa buena parte de Caligaris Sí. No porque ignore los problemas, sino porque propone otra forma de enfrentarlos. "Más allá de que pasen cosas feas, también hay cosas lindas por las que hay que luchar, por las que hay que estar ahí", resumió.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=xLjcv83e1jU"></oembed></figure><h4>Un disco construido junto a la gente</h4>La lógica colectiva que siempre acompañó a la banda también aparece en la portada del álbum. Para ella, Los Caligaris convocaron a sus seguidores para imaginar visualmente el disco. Y la respuesta superó cualquier expectativa: "Fueron más de 600 portadas. Las vimos una por una y las votamos de manera democrática", contaron.La ilustración elegida pertenece a una fan, aunque aseguran que la decisión fue compleja por el nivel de las propuestas recibidas. Incluso grabaron devoluciones para cada participante y compartieron el proceso a través de sus plataformas."Ahora se nos ocurrió la idea de que la gente nos empiece a mandar canciones. Si saben tocar, que vengan a tocar en vivo, que salgan de gira...", dijo con su humor característico Raúl entre risas.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Ox6v-MMRJqs&amp;list=OLAK5uy_kmYFFmpXaXgHMkbEL1YK2CE03EpdFq7mo"></oembed></figure>Si algo destaca en este nuevo trabajo es la cantidad de invitados que participan del recorrido. Desde La Vela Puerca hasta Coti y Los Auténticos Decadentes, cada colaboración está milimétricamente pensada para fusionar el estilo de ambas partes.Uno de los ejemplos más claros es "Confinado", junto a La Vela Puerca que tiene destellos circenses, pero de fondo al momento de los Sebastianes de la banda uruguaya también tiene una lógica recitada que está muy relacionada con el espíritu de La Vela. El cierre, en particular, guarda una lógica punky con fusión rioplatense.&nbsp;La canción, escrita por Valentín Scagliola, nació durante la pandemia y la escribió junto a su amigo Hector. "Él me mostró la idea y le dije: 'Che, acá me parece que hay una linda canción', y ahí nos pusimos a escribir Confinado con mucha letra. De hecho le terminamos sacando muchas estrofas", contó el tecladista, que al ser indagado sobre los protagonistas de la historia, la sacó afuerat y afirmó que era un poco más la historia su amigo Héctor, aunque reconoció que tenía muchos condimentos propios de cómo él mismo vivió la pandemia.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=sMnXpCuQ55Q&amp;list=OLAK5uy_kmYFFmpXaXgHMkbEL1YK2CE03EpdFq7mo&amp;index=7"></oembed></figure>También aparece "Hablar de flores", junto a Coti, una de las canciones que la propia banda destaca entre sus favoritas del disco. "Le puso su impronta, su melodía y se la puso bien al hombro", contaron sobre el trabajo del músico rosarino.Para ellos, el proceso de grabar con otros artistas tiene más que ver con compartir que con negociar. "Es como juntarse a cocinar con amigos. Cada uno aporta algo distinto y después todos disfrutan del banquete", resumieron.<h4>La celebración sigue en la ruta</h4>Más allá de la colaboración en Mi vida sin tu vida, la relación con Los Auténticos Decadentes tendrá un nuevo capítulo durante la segunda mitad del año cuando ambas bandas se embarquen en una gira conjunta por Latinoamérica y Europa.El proyecto llevará el nombre de "Auténticos Caligaris" y promete una experiencia poco convencional: canciones compartidas, cruces permanentes entre los grupos y músicos entrando y saliendo del escenario durante toda la noche.&nbsp;<blockquote>"No se lo pierdan porque no se repite, es un caos hermoso el que hemos armado", anticiparon.</blockquote>Quizás esa sea también una buena definición para el universo Caligaris: un caos feliz, compartido y luminoso que, incluso cuando la realidad golpea, insiste en sostener la alegría como bandera.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DY5mgWNGfUm/?img_index=1"></oembed></figure>

Salió Caligaris Sí, un álbum atravesado por el optimismo que caracteriza a la banda cordobesa | Foto: prensa.

Con grandes colaboraciones, la banda cordobesa presentó Caligaris Sí, un álbum atravesado por una idea que sostiene desde hace casi tres décadas: elegir el optimismo incluso cuando la realidad es compleja.&nbsp;

Con grandes colaboraciones, la banda cordobesa presentó Caligaris Sí, un álbum atravesado por una idea que sostiene desde hace casi tres décadas: elegir el optimismo incluso cuando la realidad es compleja.&nbsp;

"Siempre sí, siempre con buena onda": la filosofía detrás del nuevo álbum de Los Caligaris

Gigi lanzó "Sunset", su primer EP, con un concepto marcado por su momento preferido del día. Por eso, cuando llegó el momento de ponerle nombre al proyecto que terminó convirtiéndose en Sunset, la respuesta apareció casi sola.&nbsp;"El atardecer es mi momento favorito del día. Siempre fue así", contó la artista en diálogo con Filo.news. "Sentí que podía usar ese cambio de colores en el cielo como referencia de mis emociones y mis facetas", añadió.La artista viajó a Estados Unidos para realizar su nuevo trabajo de estudio junto a productores y compositores de distintos países. Allí volvió a encontrarse, una vez más, con un atardecer diferente que transformó en metáfora para contar un momento de transformación personal y artística."Yo siento que el sol es como un referente de nosotros mismos. Elegí ese momento en el que cambian todos los colores porque me servía para hablar de los cambios que fui atravesando", explica.<figure class="media"><oembed url="https://open.spotify.com/album/5UHPBULPVkNw0ST6LT3jgq?si=-9DyWE2uQxCkvcEjelGFhA"></oembed></figure>El resultado es un EP de seis canciones que viajan entre distintos ritmos y estados de ánimo. Hay pop, influencias urbanas, momentos más introspectivos y una presencia cada vez más marcada de la electrónica.<blockquote>"Sunset es una mezcla o una demostración de muchas de mis facetas. Tiene muchos ritmos, es muy energético, pero también es una montaña rusa. Quería que se sintiera así", resume.</blockquote>Uno de los sonidos que atraviesan el proyecto es el afro house, un género que descubrió durante el proceso creativo y que terminó ocupando un lugar central dentro del disco. No por casualidad, ante la pregunta sobre cuál es su canción favorita del EP, responde sin dudar: "Piel Dorada"."Hice esa canción en Miami, con calor, playa y toda esa energía alrededor. Siento que representa bastante lo sonoro de Sunset. El afro house tiene eso: te transporta automáticamente", asegura.La construcción visual también es una pieza fundamental de su propuesta. Gigi es publicista además de cantante y reconoce que suele obsesionarse con los detalles estéticos y que cada canción forma parte de un universo más amplio.Eso se refleja especialmente en "Pinterest", uno de los temas más personales del trabajo. "Elegimos ese nombre porque todos sabemos qué es Pinterest. Es el lugar donde vamos a buscar lo perfecto, lo aspiracional", explica.&nbsp;<blockquote>"La canción habla de luchar con el qué dirán, con querer ser perfecta para el otro. Es de las más vulnerables del EP", afirma.</blockquote>Aunque el disco muestra diferentes búsquedas, la artista siente que llegó en un momento distinto de su carrera. Ya no desde la incertidumbre de los primeros lanzamientos, sino desde una mayor confianza en su identidad."Sigo explorando porque siempre van a aparecer cosas nuevas, pero hoy me siento mucho más segura de mi estilo y de quién soy artísticamente", sostiene.Y mientras Sunset recién empieza su recorrido, ella ya mira hacia adelante. Hace pocas semanas también lanzó "Para olvidar", una colaboración con dos productores de música electrónica que quedó fuera del EP, pero que funciona como otra muestra de la dirección que está tomando su sonido.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DYlOPGgANXy/?hl=es-la"></oembed></figure>"Me hice esperar mucho, pero les voy a dar mucha música", promete entre risas. "Tenía todo esto guardado y estaba esperando el momento correcto para sacarlo. Ahora arranqué y no voy a parar", concluyó.

"Pinterest habla de luchar con el qué dirán, con querer ser perfecta para el otro" | Foto: @tutedelacroix

El EP cuenta con seis canciones que fusionan diferentes ritmos. La elección del nombre, no fue azaroso, ya que lo eligió porque es el momento en que "cambian todos los colores y me servía para hablar de los cambios que fui atravesando", explicó la artista.

El EP cuenta con seis canciones que fusionan diferentes ritmos. La elección del nombre, no fue azaroso, ya que lo eligió porque es el momento en que "cambian todos los colores y me servía para hablar de los cambios que fui atravesando", explicó la artista.

Gigi presentó "Sunset", un EP que explora emociones: "Pinterest" y la presión de ser perfecta a ojos de los demás

Nadie lo soñó porque hubiese sido una pesadilla. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2026/06/05/murio-el-indio-solari-a-los-77-anos-conmocion-en-el-rock-argentino">La noticia de la muerte del Indio Solari a los 77 años sacudió y movilizó a la Argentina</a>. Se nos fue una de las figuras más influyentes de la cultura popular de las últimas décadas, el rey de la metáfora y padre del rock de barrio. Sin embargo, reducirlo solo a la figura de un músico sería quedarse corto porque fue un artista político que convirtió al rock en una herramienta para pensar la sociedad. "Yo he tenido bandas de combate, no he tenido bandas de entretenimiento", dijo a Caja Negra.&nbsp;Familias enteras fueron atravesadas por la muerte del líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, quien supo regalarle al pueblo argentino alegría en medio de momentos difíciles. Quienes intentan separar al Indio de la política no escucharon con atención sus canciones o prefieren ignorar una dimensión central de su obra. Carlos Solari narró una época difícil junto a Skay, las problemáticas de un mundo sumido en la Guerra Fría, la recuperación de la democracia, el avance de la globalización y el hiperconsumismo.Un álbum como Oktubre resume la mirada política en las letras y en el arte de tapa a cargo de Rocambole con la revolución rusa; en lo musical era "muy pop", en palabras de propio Indio. "Te prefiero igual, internacional", pasaje de "Fuegos de octubre", expresa una mirada que cuestiona las fronteras nacionales y reivindica la solidaridad entre los pueblos, donde "un chico del Congo no es menos que uno argentino y viceversa", y al mismo tiempo que evoca al himno del movimiento obrero mundial.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZNoq1tj8CJ/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>El Baión para el Ojo Idiota contiene una de las críticas más filosas a los medios masivos de comunicación manejados por grandes empresas. Vaca Cubana, parte de este gran álbum, se inspira en un incidente real en Cuba en los años 60's cuando un satélite experimental estadounidense (el Thor-Ablestar) se desvió y sus restos impactaron sobre una vaca en la isla. En medio de la carrera espacial, la vaca, "solitaria", representaba la vulnerabilidad frente a los juegos de poder de los "grandes" del mundo.&nbsp;El siguiente álbum, ¡Bang! ¡Bang!... Estás Liquidado también se enmarca en la Guerra Fría, con frases icónicas como "violencia es mentir" de "Nuestro amo juega al esclavo". "Ojo que nuestro amo, haciéndose el boludo, nos garca todo el tiempo. Juega a que está esclavizado, a que lo presionan los centros económicos… ¡pero sigue mordiendo como un hijo de puta!", sintetizó. Además, aclaró que el verso "si hace falta hundir la nariz en el plato, lo vamos a hacer" se refería a "la necesidad de ensuciarse las manos para sacar algo adelante".&nbsp;Los Redondos se separaron en 2001, antes de la caída del gobierno radical. Skay, coautor de la banda sonora de la vida de miles de argentinos, lo despidió este viernes con sentidas palabras: "Te llevo en cada recuerdo, en cada canción de ayer. Con un inmenso dolor. Buen viaje mi querido amigo, hasta siempre. Ahora sos la luz que viaja entre nosotros y para siempre". El fenómeno redondo no se puede separar de Skay, sus acordes, sus solos de guitarra y su mirada crítica de la sociedad.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZNG9Eyudpr/?hl=es-la"></oembed></figure>En 2016, el Indio anunció que Mr. Parkinson le estaba pisando los talones. Al año siguiente, en Olavarría llegó lo que muchos temían, pero que también esperaban que no ocurra: su adiós de los escenarios. La misa de aquel año cerró con dos fallecidos. Tras los acontecimientos el Indio sintió, en sus propias palabras, que "no podía abarcar más esa multitud", "no se podía manejar esa cantidad de gente de ninguna manera".&nbsp;Este domingo, el pueblo realizó una procesión, en tranquilidad, hacia el Parque de los Trabajadores en Wilde, Avellaneda, para convertir el partido bonaerense en una auténtica misa ricotera. Ya hay más de 60 cuadras de fila para despedirlo en las inmediaciones del Polideportivo José María Gatica, un fenómeno solo comparable con el velorio de Diego Armando Maradona. La misa ricotera se extenderá "hasta que haga falta" para que “nadie pierda su oportunidad de decirle adiós”, anticipó la familia. El velorio arrancó una hora antes por la cantidad de personas que llegaron al lugar, a tal punto que la fila llega al Puente Pueyrredón.&nbsp;"Mientras se espera -a ingresar en la despedida- y se camina, nos cuidamos entre todos, sin distinciones, como siempre lo hemos hecho y él esperaba de nosotros. Graciosos y valientes", dijo esta mañana la familia en el último comunicado. En ese "cuidarnos entre todos" reside uno de los principales valores de la misa y el fenómeno ricotero.

“Yo he tenido bandas de combate, no he tenido bandas de entretenimiento” | Foto de Olavarría 2017.

“Yo he tenido bandas de combate, no he tenido bandas de entretenimiento”, dijo a Caja Negra. Esas palabras sintetizan su arte, su pensamiento y el fenómeno político.

“Yo he tenido bandas de combate, no he tenido bandas de entretenimiento”, dijo a Caja Negra. Esas palabras sintetizan su arte, su pensamiento y el fenómeno político.

Última misa ricotera en homenaje al Indio Solari: rock, política y una multitud que lo convirtió en bandera

A 11 de la primera movilización de Ni Una Menos, organizaciones feministas advirtieron sobre el fuerte retroceso de las políticas públicas destinadas a prevenir y asistir situaciones de violencia de género. Desde 2024 el presupuesto nacional para el área se redujo un 89%, se desarticularon programas de asistencia y la Línea 144 perdió personal y capacidad de intervención, según el último informe de Amnistía Internacional en la previa del 3J. A su vez, 144 niñas, niños y adolescentes quedaron sin madre por femicidios durante 2025, mientras se redujo el alcance de programas de reparación como la Ley Brisa.&nbsp;La advertencia llega en un contexto donde la violencia machista continúa mostrando cifras alarmantes y posterior al femicidio de Agostina Vega y Dulce María Beatriz Candia. Aunque en 2025 se registraron 200 víctimas directas de femicidio, un 12,3% menos que el año anterior, los datos muestran que el fenómeno mantiene un piso elevado desde hace casi una década: en promedio, una mujer es asesinada cada 36 horas en Argentina.&nbsp;"Hoy la demanda es concreta: que el Estado no abandone a las mujeres y garantee políticas públicas efectivas, con recursos suficientes, para que puedan vivir libres de violencia", señalaron desde Amnistía Internacional en un documento elaborado por el aniversario de Ni Una Menos.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZIaeTHlWlK/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>El informe remarca que la baja registrada el año pasado se explica principalmente por la reducción de casos en la provincia de Buenos Aires y advierte que no alcanza para hablar de una mejora estructural. Por el contrario, sostiene que la violencia letal contra las mujeres sigue siendo una "emergencia sostenida".Los datos también muestran que siete de cada diez femicidios ocurren en la vivienda de la víctima o del agresor y que en el 83% de los casos existía un vínculo previo entre ambos, generalmente parejas o exparejas. En ese sentido, el documento subraya que la violencia de género no es un hecho aislado sino un problema estructural que requiere respuestas integrales del Estado.Además de los femicidios, las organizaciones alertaron sobre otras formas de violencia que suelen permanecer invisibilizadas, como la económica, psicológica, sexual y digital. "Los femicidios son la punta visible del iceberg", señalaron, al describir una trama cotidiana de controles, humillaciones, amenazas y situaciones de violencia que muchas veces son naturalizadas.El relevamiento también advierte sobre el aumento de la violencia hacia las diversidades sexuales. Durante 2025 se registraron 227 crímenes de odio contra personas LGBTI+, la cifra más alta desde que existen registros y más de un 60% superior a la del año anterior.<h4>Qué pasa con las falsas denuncias</h4>Las falsas denuncias solo representan el 0,09% de más de ocho millones de causas analizadas entre 2023 y 2025, según datos de Amnistía Internacional. En contraste, hay una falta de denuncias, ya que solo el 10% de las mujeres que sufren violencia sexual denuncia. En casos de femicidios, apenas el 18% de las víctimas había denunciado previamente."Los proyectos que buscan agravar penas en casos de falsas denuncias solo en casos de violencia de género o abuso sexual distorsionan el problema real y desalientan a quienes ya enfrentan más obstáculos para denunciar, más dificultades probatorias y más temor a no ser creídas. Instalar el mito de que las víctimas mienten no protege: solo silencia y refuerza la impunidad", destacan desde Amnistía Internacional.El aniversario de Ni Una Menos vuelve a encontrar a la Argentina frente a un panorama desolador, donde las políticas de prevención, asistencia y acompañamiento están siendo desfinanciadas, mientras la violencia de género continúa dejando cifras alarmantes.

Siete de cada diez femicidios ocurren en la vivienda de la víctima o del agresor y en el 83% de los casos existía un vínculo previo entre ambos, generalmente parejas o exparejas, según un informe de Amnistía Internacional.

Siete de cada diez femicidios ocurren en la vivienda de la víctima o del agresor y en el 83% de los casos existía un vínculo previo entre ambos, generalmente parejas o exparejas, según un informe de Amnistía Internacional.

A 11 años de Ni Una Menos, alertan por el recorte de casi 90% en las políticas de género

Después de una larga espera, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2026/04/13/camionero-del-under-al-ritual-autogestion-ruta-y-una-comunidad-que-no-para-de-crecer">Camionero</a> lanzó Pruebas de contacto, su tercer álbum de estudio, una obra de diez canciones que funcionan como una declaración de principios, donde buscan recuperar la experiencia física y emocional de escuchar música en tiempos dominados por algoritmos y consumos fugaces.El disco, que será presentado en vivo el próximo 22 y 23 de mayo en el Teatro Flores y luego tendrá <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/p/DYf0r-fluLx/?hl=es-la&amp;img_index=1">una gira por las provincias del Norte</a>, no sólo reafirma el pulso rockero de la banda, sino que mantiene el perfil de un personaje ficticio que gira alrededor de sus álbumes.&nbsp;En esta edición es "el varón", de la canción que abre el disco, que retoma la figura de un financista, según contó Santiago en la escucha oficial, un personaje atravesado por el deseo, el poder y la fragilidad. Previamente en Club Camionero están el "Genio del Abasto" o el "Asesino del autocine", mientras que en Todo lo sólido se desvance se encuentran "Guerrero Atípico" y "Rico Chico".Antes del lanzamiento oficial, quienes ya habían adquirido su entrada para el show recibieron el álbum en formato físico algunos días antes. El gesto, más que una estrategia promocional, buscó volver a lo analógico y a conectar con el boca en boca y recomendar un disco que se escuchó en mano de un amigo, un vecino o un conocido.“Volver a esto de dar un disco en la mano, por más que suene a estrategia de marketing, tiene un poco que ver con recuperar esa experiencia donde se recomiendan bandas y no es que aparecen por algoritmo, es una persona que lo vivió, que conectó con esas emociones y te lo pasa”, señaló Joan Manuel, durante la presentación de prensa en el Centro Cultural Richards.&nbsp;La decisión sintetiza el espíritu de Camionero, que construye un vínculo real con su público y reivindicar al disco como objeto, experiencia y ritual compartido.<h4>Diez canciones, diez formas de conectar</h4>El recorrido comienza con "Mala Suerte, Varón", una apertura de riffs secos y urgencia rockera que presenta al protagonista del álbum como una figura atravesada por el azar, el deseo y cierta autodestrucción.La canción homónima, "Pruebas de contacto", baja la intensidad para abrir un clima más contemplativo. Allí, Camionero explora la fragilidad de los vínculos y la necesidad de sostenerlos incluso cuando todo parece tambalear."Amuletos" introduce un giro atmosférico y casi hipnótico. Las guitarras se expanden y construyen un paisaje sonoro más envolvente, mientras la letra con profundidad te lleva a otro lugar. Es una de las canciones más sutiles del álbum y demuestra la capacidad de Camionero para trabajar climas con la misma solidez con la que construye riffs.Con "Una Última Oferta" dejan al descubierto su amor por Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. La canción evoca al mítico guitarrista con aspereza y filo. Según contó Joan en la escucha, el desafío era "salir" del sampler ricotero e ir a un sonido más Camionero.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/20/undefined"><figcaption>Camionero presenta en vivo Pruebas de Contacto el 22 y 23 en el Teatro Flores | Foto: Diego Homez.</figcaption></figure>"Botón de Pánico" acelera con espíritu punk y traduce la ansiedad en un estallido de energía. Luego, "Fiebre" baja el tono, por momentos recuerda mucho a la musicalidad de Amor Amarillo de Gustavo Cerati, generando un pasaje justo a la mitad del álbum.El álbum vuelve a subir la intensidad con "Busco La Paz", un rock 'n' roll crudo, mientras "Criaturas Calientes" despliega un groove eléctrico y sensual, donde cuerpo y sonido se pueden fundir en una misma pulsión.Uno de los puntos más altos llega con "Catedrales", una canción muy conectada con la musicalidad de El Mató a un Policía Motorizado -con guitarras in crescendo y un crecimiento paulatino-. Tanto Joan como Santiago confesaron que admiran muchísimo a la banda platense y lo contaron en la escucha, destacando sobre todo los primeros años.Mientras sonaba el tema, ambos músicos saltaron junto a familiares y amigos, en una escena que dejó al descubierto el entusiasmo con el que viven este lanzamiento.El cierre queda en manos de "Mi Esqueleto", una balada cruda y confesional que despoja al protagonista de toda coraza y deja al descubierto la dimensión más humana del disco. Tal como lo dijo Santiago, los álbumes tienen que cerrar con una balada y Pruebas de Contacto no iba a ser la excepción.<h4>Un acto de resistencia cultural</h4>En un contexto donde la música suele consumirse de manera fragmentada, Pruebas de contacto apuesta por la escucha completa y por el disco como obra integral."Atrás de la entrega del disco hubo un laburo inmenso y caótico que se resolvió increíblemente fácil. Con el disco, la gente se lleva una sensación de recuperar un poco esa experiencia que nosotros vivimos antes de internet", sostuvo Joan Manuel Pardo.Con este tercer trabajo, Camionero propone volver a escuchar con atención, a compartir música con la persona que tenemos al lado y a reconstruir ese contacto real que le da sentido al rock.

Camionero presentó Pruebas de Contacto, su tercer álbum de estudio | Foto: Diego Homez.

El dúo lanza su tercer álbum de estudio, una obra de diez canciones que reivindica al rock como una experiencia compartida. Como anticipo, quienes adquirieron sus entradas para los shows en el Teatro Flores recibieron una copia física del álbum unos días antes de su salida oficial.

El dúo lanza su tercer álbum de estudio, una obra de diez canciones que reivindica al rock como una experiencia compartida. Como anticipo, quienes adquirieron sus entradas para los shows en el Teatro Flores recibieron una copia física del álbum unos días antes de su salida oficial.

Camionero presentó Pruebas de Contacto: diez canciones para volver a escuchar un disco de principio a fin

Dándara lanzó Ciudad del Sol, su primer álbum de estudio que habla su vida entre San Juan y Buenos Aires y combina géneros diversos como el afrobeat, R&amp;B, soul, hip hop y folklore. Nuevos Aires, anteúltima canción del material, cuenta con la colaboración especial de Dante Spinetta.La presentación contó un videoclip de cada una de las ocho canciones por las que está compuesto el nuevo material y se realizó en el bar "Sótano" del Complejo C Art Media.La canción homónima, que abre el álbum, tiene un pulso melódico que evoca la calidez de su provincia, un gesto de pertenencia que se convierte en motor creativo. Luego, "Vicio" se adentra en una relación que se volvió nociva entre idas y vueltas, con un groove urbano que marca distancia con lo superficial. "Foco" es una declaración de presencia, utilizando la metáfora de una cámara, con un sonido que mezcla R&amp;B, soul y afrobeat.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=J06Q2IueGPg&amp;list=RDJ06Q2IueGPg&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Exactamente en la mitad del material aparece "Dandarita", una voz en off de ella, aparentemente de más chica. "Quiero sentir que la gente le gusta mi canto, que me aplauda con orgullo, no de compromiso. Yo si tengo algún defecto cantando, que me lo digan, porque yo lo quiero mejorar. Lástima que no me animo. Tengo que vencer esta vergüenza. Esto podría estar lleno de personas diciéndome: 'Dándara, Dándara, Dándara'", dice.En el otro extremo de Foco, aparece "A contramano", una canción que se apoya en un tempo más lento, con una base suave de R&amp;B y soul que le da un aire íntimo. Habla de como su sueño muchas veces la aleja de otras cosas esenciales de la vida como el cumpleaños de su madre. "Necesito ir más lento, parar un poco, pensar en lo que siento, salir del foco". La sorpresa llega con "Santo", donde la chacarera se funde con coros gospel, uniendo lo espiritual con lo popular en una plegaria colectiva. Y en "Nuevos Aires", la voz de Dante Spinetta se suma para tender un puente entre tradición y modernidad, con funk y soul que refrescan el aire del disco. El cierre es nuevamente con "Ciudad del Sol" pero en una versión acústica.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=F_ZLOqDnACg&amp;list=RDF_ZLOqDnACg&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Ciudad del Sol tiene una diversidad estilística que mezcla afrobeat, R&amp;B, soul, hip hop y folklore, y se muestra como parte de una búsqueda identitaria que reivindica raíces afro. El álbum genera un puente entre lo que dejó atrás la artista sanjuanina (familia, amigos, etc) para instalarse en Buenos Aires, e ir en busca de su sueño.

Ciudad del Sol tiene una diversidad estilística que mezcla afrobeat, R&amp;B, soul, hip hop y folklore, y se muestra como parte de una búsqueda identitaria que reivindica raíces afro.

Ciudad del Sol tiene una diversidad estilística que mezcla afrobeat, R&amp;B, soul, hip hop y folklore, y se muestra como parte de una búsqueda identitaria que reivindica raíces afro.

Dándara debuta con Ciudad del Sol, un viaje musical entre San Juan y Buenos Aires

"Pasaron 40 años y sigo construyendo. Yo pensé que en algún momento todo se volvía más plano, más cómodo", así arranca el Bahiano su diálogo con Filo.news antes de su show en <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://venti.com.ar/evento/bahiano-en-niceto-club">Niceto el próximo 16 de mayo</a>. Con una carrera atravesada por distintas etapas -desde El ritual de la banana (1987) a Tarde Gris (2008)- y generaciones, el músico sigue mirando hacia adelante, componiendo, revisitando sus canciones y encontrando nuevas formas de conectar con el público."Pensé que después de cierto recorrido era todo más tranquilo. Pero no cambia nunca. Es como una espiral. Hacés 20 peldaños y siempre faltan 20 más", dice. Y en esa imagen se condensa bastante lo que continúa siendo actualmente su vínculo con la música. Si bien no hay una necesidad de validación externa, hay una búsqueda más íntima: "A esta altura no siento que tenga que demostrar nada. Lo único que me importa es tener una buena conexión con el público, que las canciones les gusten… y principalmente que me gusten a mí".En esa línea, Bahiano "sigue construyendo", está componiendo un nuevo álbum que lo tiene entusiasmado. Promete invitados latinoamericanos y temática reggae. "Ya estoy componiendo, escribiendo. No sé cuál va a ser el título aún ni la tapa. Todavía falta bastante: elegir canciones, ver qué es lo qué es lo que nos gusta más... algunas ya tienen bosquejo de letras y, bueno, ver qué sucede, escucharlas, dejarlas descansar y, mientras tanto, los conciertos", adelanta sobre su próximo material.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DXVRFYURbtY/"></oembed></figure>En todo momento, para pensar su nuevo material como en recuerdo de su discografía, aparece el "público", que no es una masa abstracta. "Conozco a mi público, al que me viene acompañando hace años. No son como las nenas de Sandro, -dice en chiste- va cambiando. El que tenía 20 años cuando yo tenía 20 ya no está. Van llegando otros, nuevas generaciones, y eso también es un desafío".&nbsp;De ahí nace, en parte, la necesidad de revisar su propio material. Pura Adrenalina aparece como una forma de volver a esas canciones -de fines de los 80, 90, principios de los 2000- pero desde otro lugar. “Quise ayornarlas, darles otra percepción. Ver cómo las siento hoy. Porque yo nunca soy un tipo que se conforma: termino un disco y ya estoy pensando ‘hubiera cambiado esto, aquello’”. En ese proceso, incluso, reconoce cierta dificultad personal: “Soy bastante veleta con mis decisiones. Algo hoy me parece increíble y mañana me parece una mierda. Por eso necesito un productor, alguien que me ponga un marco, que me diga ‘dejalo descansar’”.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://youtu.be/KhSnjMpUyxw?si=k8XOVo8RdTUB1yHJ"></oembed></figure>Cuando la conversación gira hacia su salida de Los Pericos, el tono no cambia, se autopregunta el motivo por el cuál siempre vuelve el tema después de tantos años de alejarse, pero lo cierto es que Pericos marcó su historia y la atraviesa, a tal punto, que más adelante cuenta historias de canciones que forman parte de su cancionero y de su exbanda.&nbsp;<blockquote>“No fue fácil. Ninguna decisión lo es. Yo me fui yendo de a poco, me fui apagando de a poco cuatro años antes de irme del todo. Había cosas que ya no sentía iguales, que no me generaban lo mismo, no congeniaba. Sentía que ya no era algo bueno lo que estaba pasando y que era más por el sustento que me quedaba que por el placer de hacer música", cuenta Bahiano.</blockquote>En el medio, suma otro elemento: "Siempre me sentí un artista infravalorado en este país. Como que me faltaban cinco para el peso. Pero no necesito esa validación para ser feliz. Yo me valido primero conmigo”."En un momento hice como un área de seguridad, y dije: 'Chicos, me voy a tomar un mes para ver si continúo o no'. Y no se percataron porque en ese mes nadie se comunicó conmigo. Entonces, levanté el teléfono y me fui", añade sobre su salida de Los Pericos.El desafío fue volver al ruedo: “Estaba esa duda de qué iba a hacer solo. Pero yo seguí haciendo lo mismo: escribir canciones”.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/08/WhatsApp_Image_2026-05-08_at_11.05.09_AM_(1)7804_.jpeg"><figcaption>Bahiano llega a Niceto el próximo 15 de Mayo y promete un show emocionante. A casi 40 años de trayectoria, ya trabaja en un nuevo álbum | Foto: gentileza de prensa.</figcaption></figure>Entre esos temas del repertorio solista aparece “Tarde gris”, una canción que nació en un momento completamente distinto. Corría el año 2007 y Bahiano se encerraba para escribir las canciones de Nómade (2007). "No tenía muchas herramientas más que abrir la ventana a un departamento que había alquilado para meterme a escribir y estar solo, porque tenía hijos chicos", arranca contando. Su única inspiración era un día de lluvia, la ventana de un departamento y una medianera toda descascarada en frente."Me acuerdo que me senté y dije: 'Ay, justo hoy me mudo. No, no puede ser'. Tenía un dos ambientes en Belgrano y escribí: 'Tarde gris'. Toda esa tarde fue la nada misma, rompí papeles, hojas y demás. Y después, empezó eso de esperar siempre que algo suceda y no sucede, que no es tu día... y a partir de eso empecé a amasar a ver si podía lograr algo y llamé a Matías -su productor- y le dije: 'La tengo'", cuenta sobre la canción reversionó junto al músico brasilero Paulinho Moska, quien le agregó unas estrofas.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=5wXiYljFuzk&amp;list=RD5wXiYljFuzk&amp;start_radio=1"></oembed></figure>También recuerda que "El ritual de la banana" eran frases sueltas: "¿Qué carajo significaba el ritual de la banana?", se autopregunta y resalta que fue la primera vez que compuso en inglés, gracias a una novia de aquellos años 1985/86, a quien le decía: "Quiero decir esto" y ella se ocupaba de traducirle la frase, y después él lo cantaba por fonética.&nbsp;La presión de que sea algo más "en serio" en ese momento no existía, Bahiano recién entraba en Los Pericos y estudiaba arquitectura en la UBA. "Iba a ser divertido estar ahí, la diversión. Nunca esperé que pasara algo. Hasta que aparece la compañía EMI-Odeón y nos vienen a ver un par de conciertos. Claro, nosotros metíamos metíamos 500/600/900 personas. Hacíamos marketing. Íbamos caminando por la calle repartiendo panfletos de los de dónde iba a hacer el show, muy under", recuerda sobre aquella época.Llegaron a llevar cassettes a la radio para que los pasen, era el hito del momento. Una tarde en "Feedback", el programa de Mario Pergolini y Ari Paluch por Rock &amp; Pop, escucharon que sonaba su cassette. Sonaba "El ritual de la banana" por primera vez al aire en la radio que encumbraba a los artistas del momento. No lo podían creer. La reacción de ellos fue aún más increíble: "Empezamos a llamar por teléfono. 'Hola, soy Cacho del taller mecánico. De acá, de la avenida Garay. Queremos que pasen esos pibes'. Y así empezaron a llamar familiares. Y dicen: 'Estamos recibiendo muchos llamados porque les gustó'. Y lo volvieron a pasar. Después Mario nos invita al piso y ahí nos llaman de Emi-Odeón para grabar".Hoy, unas décadas después, el motor sigue siendo el mismo. “La preparación de un disco nuevo te genera adrenalina", resume y el vivo también. "Es lo que vengo haciendo hace años: intentar que las canciones me gusten y que a la gente también", concluye. El 16 de mayo en Niceto será otra estación en esa espiral que describe al principio. Sin cierre, sin llegada definitiva.

Antes de su show en Niceto, el exlíder de Los Pericos habló con Filo.news sobre su presente, el desafío de reinventarse, la salida de la banda y el nuevo disco que prepara con espíritu reggae y artistas latinoamericanos.

Antes de su show en Niceto, el exlíder de Los Pericos habló con Filo.news sobre su presente, el desafío de reinventarse, la salida de la banda y el nuevo disco que prepara con espíritu reggae y artistas latinoamericanos.

Bahiano: la historia detrás de “Tarde gris”, su salida de Los Pericos y el desafío de seguir reinventándose

<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2026/02/15/yas-gagliardi-lanza-la-culpa-una-cancion-que-habla-de-la-ruptura-de-una-amistad">YAS lanzó Distinta</a>, un álbum de pop melódico que tiene grandes baladas, pero también destellos de pop rock. Allí, habla de sus "veinti", una etapa de transformación personal y crecimiento, donde sintió la necesidad de correrse y volver a empezar. "Necesitaba reencontrarme, entender por mí misma lo qué quería hacer y hacia donde quería ir", sintetiza rápidamente sobre su nuevo disco.&nbsp;“Empecé a componer sin ningún tipo de presión, solo por el simple arte de escribir y contar las cosas que a uno le pasan”, explica. Ese proceso estuvo atravesado por la etapa de sus veintitantos años, atravesada por vínculos que se reconfiguran, desiciones impostergables y una identidad que todavía no termina de cerrarse.“Crecer es hermoso, pero es muy doloroso”, plantea YAS y aclara que ante todo positiva, en medio de risas. Esa premisa es neurálgica para el disco y lo atraviesa: habla de amistades que dejan de coincidir, proyectos que cambian de dirección, expectativas que muchas veces no se cumplen. “Uno sueña mucho, pero esas idealizaciones muchas veces son nuestras peores enemigas”, agrega y marca uno de los ejes más claros del álbum.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Lpr-8XVriK4&amp;list=RDLpr-8XVriK4&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Dentro de ese recorrido, “Esencia 2” aparece como uno de los puntos más personales del disco. La canción toma la figura de un padre presente que la acompañó desde sus primeros pasos en la música y la cruza con el momento en el que esa contención empieza a transformarse. “Habla de mi papá, pero también de mi proceso de crecer”, explica. El trasfondo incluye una enfermedad que obligó a cambiar ritmos y a reordenar prioridades.&nbsp;<blockquote>“Me empecé a encontrar con una YAS que creció, empezó a vivir en Buenos Aires porque yo soy de Villa María, Córdoba, y que tomó las riendas de su carrera. Mi papá siempre me acompañó mucho y me marcó el camino, después tuvo una enfermedad que lo llevó a bajar un cambio. Y me tocó tomar las riendas de mi carrera, que es hermoso pero también asusta, porque crecer asusta”, cuenta.</blockquote>Asusta tanto como duele, otra de las canciones destacadas del álbum es justamente "Crecer duele", que cuenta el proceso de crecimiento pero también la idealización de un niño sobre ese proceso que no deja de ser traumático: "Yo que pensaba que a los 16 entendería todo, ya tengo veinti y no es así", afirma YAS en la sexta canción del disco.&nbsp;En lo sonoro, Distinta delimita el género en el que YAS se siente más fuerte: el pop y las baladas, con algunos desvíos hacia un pop rock. Después de haber probado con distintos géneros, entre ellos lo urbano, elige quedarse allí: “Descubrí que mi esencia es el pop y quiero seguir fortaleciéndome ahí”, sostiene, marcando un orden que hasta ahora no estaba del todo definido en su recorrido. Si bien el rock aparece de costado y como desviaciones del pop, YAS abre la caja de los recuerdos, esos que quedaron más bien guardados, y después de un rato se acuerda que en su primera presentación cantó Mariposa Tecknicolor de Fito Páez.El cierre del álbum habla de su "Deseo de cumpleaños", que fue el 30 de abril, y cómo fue el proceso de cambio hasta llegar a sus 23. El deseo es "no dejar nunca de cantar" y entre las conclusiones observa que "el tiempo vale más que el dinero" y que "lo único que importa es llegar y no quien llega primero".<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/04/Yas_204835_@tutedelacroix6531_.jpg"><figcaption>YAS presentará Distinta en un show íntimo el 15 de mayo en Café Berlín | Foto: @tutedelacroix</figcaption></figure>YAS hizo la preescucha de Distinta en U.House, un centro de eventos tecnológicos, donde hizo que su familia, amigos y la prensa se sumergiera en la estética de su álbum con paredes con QR para escuchar las canciones, paredes interactivas y espacios con grullas y bancos para sacarse fotos.Junto a dos bailarinas, una pianista y una guitarrista interpretó por primera vez en vivo Esencia 2, La Niña, La Culpa, Crecer Duele y Distinta. La presentación oficial será el próximo 15 de mayo en el Café Berlín y <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://livepass.com.ar/events/yas-en-cafe-berlin">las entradas ya se pueden conseguir a través de Livepass</a>.En su breve carrera, YAS ya fue parte de la apertura de shows masivos para artistas convocantes como Tini y Lali, que en fueron instancias de aprendizaje, según cuenta. “Te encontrás con un público que no es tuyo y lo tenés que conquistar”, dice, y en esa idea deja entrever una lógica de trabajo más que una anécdota, ya que entiende el vivo como un espacio donde la construcción es constante y no está garantizada.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/04/Yas_205802_@tutedelacroix7718_.jpg"><figcaption>YAS presentó parte de Distinta en U.House | Foto: @tutedelacroix</figcaption></figure>“Distinta es un álbum que habla de la etapa de los 20, de que uno cada día puede ser mejor y también es una historia de amor hacia la familia, los amigos, al niño interior de uno mismo y a la música”, resume rápidamente sobre su material. Distinta funciona más como punto de partida, de un momento en el que todavía hay preguntas abiertas, pero donde por primera vez el rumbo deja de depender de lo que viene de afuera y empieza a construirse desde adentro.

“Crecer es hermoso, pero es muy doloroso”, asegura YAS en la presentación de Distinta | Foto: @tutedelacroix

La artista cordobesa presentó "Distinta", un álbum de baladas pop, donde las canciones recorren el crecimiento, los vínculos y la incomodidad de los veintitantos.

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