“Una de las cosas que más me dice la gente es: ‘Estás diciendo lo que yo diría si estuviera arriba de un escenario’”. Esta frase fue lanzada por el "Negro" Gamboa, cantante de Cabra da Peste, banda oriunda de La Plata que el próximo 9 de agosto se presenta en el Arena Sur de Pompeya a más de seis años de sus inicios en la música y después de haber llenado un Complejo C Art Media. Con una fusión de sonidos y ritmos, se erigen como uno de los actores más jóvenes del rock barrial y rioplatense, con canciones de alto contenido de crítica social e ideas contundentes de lo que buscan comunicar.En sus letras se cuelan vivencias, sentimientos, una visión amplia de Latinoamérica y memoria. El recorrido incluye escenarios de Santa Fe, Córdoba, Chaco, Bahía Blanca, el conurbano bonaerense y ahora Chile. Pero el punto de partida fue claro allá por 2018: el under platense y una búsqueda de identidad desde abajo.“Durante el primer año tocábamos todos los días: martes, jueves, donde fuera. Y después de la pandemia, cuando solo teníamos un año y dos meses como banda, salimos para afuera. Primero conurbano, después Córdoba, Rosario. Así se fue armando ese público tan variado”, cuenta el cantante en charla con Filo.news.Durante la pandemia, Cabra da Peste tuvo tiempo de expandir su música vía redes sociales y la salida de este fenómeno mundial los encontró con una cantidad de público mucho más grande, de todas partes de Argentina. "No entendíamos nada", recuerda el Negro. Aunque también los flasheó la cantidad de banderas de diferentes barrios del conurbano y puntos del país que aparecieron en los recitales. Las banderas son parte de la identidad del rock nacional y barrial, pero con los años se fueron perdiendo y se observan cada vez en menos bandas. En la vuelta de Los Piojos o en los "banquetes" de La Renga aún se pueden ver muchos de esos trapos que eran parte del folklore de este hermoso género.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=ayHI2rFSmrg"></oembed></figure><h4>Ensalada de ritmos y bandera clara</h4>El sonido de Cabra da Peste parte del rock barrial —con influencias de La 25 o Las Pastillas del Abuelo—, pero no se queda quieto. “Es un rock 2000, pero con mucha música latinoamericana. Yo fui mochilero mucho tiempo, y eso está en mi forma de componer. Además, los diez músicos escuchan cosas muy distintas, así que es una ensalada de ritmos”, reconoce el Negro.Al reflexionar sobre el alto contenido social de la música de Cabra, el Negro subrayó que "falta un poco de sentimiento social en las letras de hoy", ya que todo es "muy superficial". "Nosotros buscamos ir más profundo: hablar de lo que pasa en la sociedad, de lo que se siente. En palabras simples y contagiar a la gente de lo que uno es en el día a día”, enfatiza.Y esa búsqueda tiene respuesta del otro lado: “Mucha gente te dice ‘esta canción me la escribiste para mí’. Esa comunión que tenemos con el público nace desde el sentimiento, de decir lo que a uno le molesta o le duele. Y eso genera conexión”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/03/cabra8847_.png"></figure>En tiempos de hits de dos minutos, Cabra da Peste se planta con canciones de cuatro, cinco o más. “Las nuevas generaciones hacen temas de 2.20 minutos y, en medio de la inmediatez, nosotros ahí vamos metiendo canciones de cinco minutos. Pero apostamos a que duren lo que tengan que durar. Si el mensaje es sincero y claro, no importa el tiempo”, reflexiona.Algunas canciones salen directo de la calle, de lo vivido. El Negro cuenta que años antes de formar Cabra da Peste fue mochilero y eso le dejó grandes enseñanzas, así como también canciones que nacieron de esa experiencia. Bus al Norte, por ejemplo, narra una historia real de él cantando en un bondi con una nena. “La calle es una linda universidad”, resume.<h4>Una canción para Santiago</h4>En la previa de un nuevo aniversario de la desaparición de Santiago Maldonado, el Negro recuerda que el compromiso social y político de Cabra da Peste no es un decorado. Le dedicaron una canción al artesano que interpretaron en Plaza de Mayo y suelen acompañar a su hermano Sergio.“Me toca de cerca su historia. Por ser mochilero, por sus luchas. Tenemos contacto con Sergio, su hermano. Desde nuestro lugar, tratamos de mantener viva su memoria y su lucha”, dice, con una Wiphala y un cuadro de Santiago colgados de fondo.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=MYi68RafhJA&amp;list=RDMYi68RafhJA&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Cabra da Peste se presentará el 9 de agosto en el Arena Sur de Pompeya junto a Andando Descalzo. Y en noviembre preparan su mayor apuesta hasta ahora: una fecha en La Plata, su casa, donde todo empezó. Por ahora, mantienen el misterio. Pero ya sembraron lo suficiente como para que la cosecha tenga público asegurado.&nbsp;

Nacida en La Plata y formada por diez músicos con influencias diversas, Cabra da Peste construyó una identidad propia entre el rock barrial, ritmos latinoamericanos y letras cargadas de contenido social. La banda se prepara para uno de sus shows más grandes en Buenos Aires y anticipa una apuesta aún mayor en su ciudad natal.

Nacida en La Plata y formada por diez músicos con influencias diversas, Cabra da Peste construyó una identidad propia entre el rock barrial, ritmos latinoamericanos y letras cargadas de contenido social. La banda se prepara para uno de sus shows más grandes en Buenos Aires y anticipa una apuesta aún mayor en su ciudad natal.

Rock y conciencia social: Cabra da Peste, la banda que “dice lo que muchos querrían gritar desde un escenario”

Juku Ares lanzó "Sitcom", su tercer disco solista, y el material más pop de su carrera. Atrás quedaron las guitarras ruteras de Quemarropa. Ahora, los samplers y la programación toman el control de un álbum que autodefine como “pop puro y duro”, con influencias de Miranda! y la búsqueda de letras que vayan "al hueso".&nbsp;“Es exactamente el disco que quería hacer, de principio a fin no le cambio nada”, sintetiza Juku en diálogo con Filo.news a días del lanzamiento. Arranca el día feliz de aún tener repercusiones de la escucha del álbum, aunque también trata de desconectarse y dejar que "el disco haga su vida, su recorrido". En la vorágine de tener las métricas a la mano, es difícil no mantenerse expectante viendo como crecen las visualizaciones. Sin embargo, lo logra: "Recién ayer volví a entrar a redes y me encontré cosas muy lindas, pero prefiero no estar en el minuto a minuto porque te volvés loco”.Sitcom será presentado el 14 de agosto en The Roxy Live con banda nueva, invitadxs y un show con fuerte impronta visual y pop. Luego, Juku recorrerá el país y se presentará en México y España.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/20/@charieriobueno1760_.jpg"><figcaption>Juku Ares: "Pienso los álbumes como películas" | Foto: @charlieriobueno</figcaption></figure>Sitcom no es solo un disco, es un concepto. Juku reconoce que le cuesta pensar fuera de un álbum, más allá que sean tiempos de singles. “Me empezó a gustar la idea de que cada tema sea una escena distinta. Yo pienso en discos todavía, que es algo que no se suele hacer más. Pero toda mi vida los pensé como películas: este es el tema tres, este es el cinco, este es el final. Me gusta armar la película entera más que un álbum de singles sueltos”.¿Por qué Sitcom?: “Me gustó la palabra, primero. Y además siento que hoy en día todo es una simulación -reflexiona Juku- nada es del todo real y nada importa tanto. Como en 'Don’t Look Up', que está por caer un meteorito y a nadie le importa. Hoy todo está desdibujado. También la situación de Argentina es tan bizarra que decís: ‘La realidad supera la ficción constantemente’”.Su otra pasión es la cocina: lejos de tener un algoritmo recargado de música, Juku prefiere "ver videos de tiburones"a tenes que métricas de redes. "Mi segunda pasión es la cocina, así que miro recetas todo el tiempo. Es mi cable a tierra. En vez de estar monitoreando data, estoy viendo cómo hacer un aguachile”, dice entre risas. "En YouTube miro chefs que me gustan, los sigo y los faneo más que a los músicos. Eso me salva un poco de volverme loco con todo lo de los números”, reconoce.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=08IHmxrug74&amp;list=RD08IHmxrug74&amp;start_radio=1"></oembed></figure>El disco fue producido junto a Santiago Napoli y Polska. Según cuenta, el objetivo era que no sonara a nada que hubiera hecho antes: “Les llevé los temas y me dijeron: ‘Vamos a hacer que no suene como nada tuyo’. Pusimos cláusulas: sin guitarras, sin parte C, temas que vayan al hueso, sin nada abstracto. Queríamos un disco re pop, más Miranda! y Chano, menos Spinetta. Yo compongo un montón, tenía 20 temas y elegimos los que fueran más directos. Queríamos que cada canción diga algo exacto y conciso”.Aunque produjo bandas como Turf y Noventas, Juku decidió alejarse de esa faceta: “Empecé produciéndome a mí y después ayudaba amigos. Un día produje un disco que anduvo bien y me empezaron a llamar. Terminé produciendo cosas que jamás me imaginé. Pero en un momento dije ‘no, no quiero ser productor’. Quiero ser compositor y cantante de mis canciones”, cuenta sobre una decisión tajante en un momento en el que lo buscaban de todos lados para continuar produciendo. Sin embargo, con tranquilidad reconoce que hoy solo lo llaman por su música.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=uzYK8y_qcOQ&amp;list=RDuzYK8y_qcOQ&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Juku se entusiasma hablando de la música pop, aunque no deja de cuestionar la industria: "El infierno de lo igual", que todas las canciones traten de replicar una receta, que suenen de la misma forma. "Es como que la industria hace lo mismo todo el tiempo porque cree que la gente quiere escuchar lo mismo. Pero no sé si la gente quiere eso o si escucha lo mismo porque es lo que hay”.Para él, hacer un hit no es algo matemático: “Hay hits que no te hubieras imaginado nunca. Hoy parece que para que sea un hit tiene que sonar a género urbano con pop y estribillo recontra repetitivo, como ‘Miénteme’. Yo banco más los temas que rompen el molde que los prefabricados”.<h4>El éxito, la frustración y el presente</h4>Ares es consciente de sus logros y sus límites: “Obvio que no tengo los números astronómicos de Tini, pero para alguien que no tiene la misma suerte, mis números son increíbles. Todo es relativo. ¿Desde qué lugar medís el éxito o la frustración?”, reflexiona.Y cierra con la tranquilidad de quien hizo el disco que quería hacer: “De principio a fin, no le cambio nada. Así lo imaginé e incluso mejor. Después, si le gusta a más o menos gente, es algo que no puedo controlar”.

Juku Ares lanzó Sitcom | Foto: @charlieriobueno

“Hoy todo es una simulación y nada importa tanto”, dice Juku Ares en diálogo con Filo.news sobre su nuevo álbum pensado como escenas de una serie que retrata la vida real.

“Hoy todo es una simulación y nada importa tanto”, dice Juku Ares en diálogo con Filo.news sobre su nuevo álbum pensado como escenas de una serie que retrata la vida real.

Juku Ares presenta Sitcom: un álbum de "pop puro y duro" que relata escenas de su vida

El rock siempre fue del pueblo y para el pueblo. El 13 de julio de 1985, la música mostró su costado más solidario con el Live Aid, uno de los acontecimientos más emblemáticos de la historia de la música, que logró reunir a las mayores estrellas de rock y pop como Queen, David Bowie, Sting, Elton John, Mick Jagger, Bob Dylan, Led Zeppelin, Madonna, U2, Tina Turner y Sting para recaudar fondos para contrarrestar la hambruna en Etiopía.&nbsp;El Live Aid contó con dos conciertos simultáneos en el estadio Wembley de Londres, Reino Unido y en el John F. Kennedy Stadium de Filadelfia, Estados Unidos, logró una recaudación de más de 100 millones de dólares, según Forbes, y fue transmitido vía satélite en más de 70 países que duró más de 16 horas, siendo considerado uno de los eventos musicales más vistos en todo el mundo y uno de los mejores shows en vivo de Queen.&nbsp;La logística fue tan compleja que artistas como Phil Collins viajaron durante el festival de un continente al otro para estar presentes en ambos conciertos, una proeza que simbolizó la magnitud de la jornada. El baterista tocó con Sting en Londres y luego en Filadelfia con Led Zeppelin, aunque este espectáculo no fue el mejor ya que hubo problemas para ensamblar ambas baterías.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/13/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2025-07-13T130150.2679775_.jpg"></figure><h4>Queen en Live Aid: los 21 minutos con los que Freddie Mercury marcó a fuego la historia del rock</h4>Solo 21 minutos bastaron para que Queen, con Freddie Mercury al frente, marcaran a fuego la historia del rock con un show histórico, condensando lo mejor de su carrera en aquel pequeño lapso de tiempo. Tal es así que en 2010 fue elegido como el mejor concierto en vivo de la historia.Según cuenta la autora Lesley-Ann Jones, que escribió el libro "Mercury: An intimate Biography of Freddie Mercury", en los '80 la banda sentía que su tiempo había pasado y era tiempo de dejarle lugar a otros artistas más emergentes como U2 y The Cure. Sin embargo, el Live Aid llegó para demostrarles lo contrario: la historia de Queen aún no había terminado.Wembley fue un antes y un después en sus vidas. No solo la gente se dio cuenta de lo imponente que fue Queen aquella tarde, sino que también supieron reconocerlo grandes músicos como Bono, Elton John, Paul McCarney y David Bowie, que en aquel momento se dieron cuenta que ese show iba a ser irrepetible en la historia de la música.Comenzaron al calor de "Bohemian Rhapsody", en una versión abreviada, continuaron con "Radio Ga Ga", donde Mercury dirigió las palmas y se mostró con soltura por todo el escenario. Al cerrar la canción, el cantante comenzó a dirigir a todo el estadio con un "Ay-Oh", todos los asistentes cantaron junto a Freddie Mercury, que en ese momento se tuvo que haber dado cuenta que ese show no sería como cualquier otro, que todo el tiempo que gastó Queen en ensayar para aquella presentación hizo que sonaran a la perfección. Luego interpretaron "Hammer to Fall", "Crazy Little Thing Called Love", y cerraron con dos himnos: "We Will Rock You" y "We Are the Champions".<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=o-0ygW-B_gI&amp;list=RDriwDo7_GxjM&amp;index=3"></oembed></figure>Esos 21.25 minutos condensaron gran parte de la historia de Queen, no es casual que la película Bohemian Rhapsody (2018) cierre justamente con ese momento clave en la historia del grupo.&nbsp;Las veces que los miembros de Queen hablaron sobre el proceso que siguieron antes de presentarse en Wembley frente a 72.000 personas y casi dos mil millones de fans que los vieron por televisión, deslizaron que prefirieron dejar los trucos de lado y solo se concentraron en tocar cada nota a la perfección. Esto quedó a la vista en parte del ensayo de la banda que se conoció posteriormente, en el que se muestra que tocaron cada una de las canciones del set antes de su presentación.“El resto de nosotros tocamos bien, pero Freddie salió y lo llevó a otro nivel. No eran solo fans de Queen. Conectó con todos. Nunca había visto algo así en mi vida”, reconoció el guitarrista Brian May tras la presentación.<h4>Mick Jagger y David Bowie: el show que no fue</h4>El vocalista de The Rolling Stone y Bowie querían cantar “Dancing in the Street” en simultáneo desde Londres y Filadelfia, respectivamente. Llegaron a hacer pruebas pero el delay satelital era tan grande que resultaba imposible sincronizar.&nbsp;Finalmente decidieron grabar el videoclip días antes y lo estrenaron durante Live Aid. Fue una producción exprés debido a que tuvieron un solo día de grabación en el East London Docklands. “Fue el video más divertido que hice en mi vida”, reconoció Mick Jagger.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=HasaQvHCv4w&amp;list=RDHasaQvHCv4w&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Lejos de las controversias, el Live Aid estuvo en el centro de la polémica por la actuación de Led Zeppelin, que se reunió después de tres años separados. La presentación fue caótica por la falta de ensayos y de sincronización con la batería de Collins. También el set improvisado de Bob Dylan generó controversias por comentarios sobre la deuda agrícola estadounidense.“Espero que parte de este dinero pueda usarse también para ayudar a los granjeros aquí en América que lo necesitan”, señaló Dylan en su presentación.Esto enojó a Bob Geldof, impulsor del Live Aid, quien consideró fuera de lugar su comentario, ya que la recaudación de los conciertos eran exclusivamente para Etiopía. Sin embargo, inspiró directamente a Willie Nelson, Neil Young y John Mellencamp para crear Farm Aid ese mismo año, ayudando a agricultores familiares estadounidenses.La organización recaudó más de 140 millones de dólares, destinados a combatir la hambruna en África. Aunque surgieron críticas sobre el posible desvío de fondos, Bob Geldof defendió públicamente la transparencia del proyecto, insistiendo en que la música había abierto un camino de ayuda sin precedentes.Al año siguiente, el 13 de julio comenzó a celebrarse de manera informal como el Día Mundial del Rock, en reconocimiento al espíritu de unidad y solidaridad que mostró la comunidad musical.&nbsp;

Queen en Live Aid: solo 21 minutos bastaron para hacer historia.

El Live Aid contó con dos conciertos simultáneos en el estadio Wembley de Londres, Reino Unido y en el John F. Kennedy Stadium de Filadelfia, Estados Unidos, logró una recaudación de más de 100 millones de dólares para combatir la hambruna en Etiopía. Queen hizo historia, Collins participó de los shows de ambos continentes y la vuelta de Led Zeppelin.

El Live Aid contó con dos conciertos simultáneos en el estadio Wembley de Londres, Reino Unido y en el John F. Kennedy Stadium de Filadelfia, Estados Unidos, logró una recaudación de más de 100 millones de dólares para combatir la hambruna en Etiopía. Queen hizo historia, Collins participó de los shows de ambos continentes y la vuelta de Led Zeppelin.

Día Mundial del Rock | 40 años del Live Aid: la solidaridad como bandera de un concierto sin precedentes en la historia

Los Tabaleros regresan al Teatro Vorterix el próximo 11 de julio con un show recargado. Volvieron a las bases. Así podría resumirse este nuevo espectáculo que viene de sus primeros años y ya presentaron el pasado 27 de junio. Durante años el foco estuvo en lo musical, sonar mejor día a día y la prolijidad técnica, pero este 2025 volvió a su costado más teatral. Su inspiración siempre fue artística en el más amplio sentido de la palabra: el cine y el teatro son dos fuentes fundamentales: Lolita, su álbum de 2013, es una de las tantas muestras de ello.&nbsp;“Siempre acudimos al teatro y al cine como inspiración. Lo hacíamos por necesidad y también para divertirnos y sorprender. En esta última gira, como veterano de una guerra invisible, le contaba a los más chicos de la banda todo eso que hacíamos años atrás: &nbsp;y sentí una nostalgia. Entre nostalgia y orgullo dijimos: esto lo hicimos antes que Louta, volvamos”, relató Beto Martínez.También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/11/17/los-tabaleros-su-historia-la-vuelta-al-patio-del-konex-su-relacion-con-el-mono-de-kapanga-y-un-nuevo-material">Los Tabaleros: su historia, la vuelta al patio del Konex, su relación con el Mono de Kapanga y un nuevo material.</a>“En nuestros primeros shows hacíamos esto en el Teatro Ciego. Teníamos personajes como un gitano, una malabarista que tomaba antes de actuar y un loco encapuchado que tocaba el acordeón. Lo hacíamos para enfermar un poco a la gente, sorprenderla. Después nos preocupamos más por el audio y lo dejamos de lado”, recordó Beto.Félix Mateo, por su parte, describió que para él el show fue "entrega absoluta y sacrificio" porque estaba enfermo, "tenía miedo de morir y por suerte sobreviví". "El calor del público me sanó", subrayó poéticamente.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/07/SÃºper_POP-urrÃ­_de_lo_que_fue_el_viernes_en_el_@teatrovorterix_Gracias_por_el_aguante_y_el_cariÃ±o4516_.jpg"><figcaption>Los Tabaleros vuelven al Teatro Vorterix el 11 de julio | Foto: @tutedelacroix</figcaption></figure>El espectáculo está dividido en dos capítulos: Azul y Rojo. El primero, inspirado en la diosa egipcia Nut, que representaba el agua, el sexo, el amor y el peligro. El segundo, teñido de carmesí, traía un gaucho endemoniado, el diablo de la Salamanca, con facón en mano y referencias a Nazareno Cruz y el Lobo. “Queríamos generar algo que no sea familiar, sino que tenga ese ácido que el rock debería tener. Una cuota de peligro y vértigo”, añadió el cantante.En su búsqueda estética también aparecieron referencias cinematográficas. “Kubrick en Ojos bien cerrados usa mucho el contraste azul y rojo, igual que nosotros. La estética de las capuchas, el ocultismo, todo viene de ahí. Me gusta que la gente no sepa qué esperar en un concierto, que haya misterio y sorpresa”, explicó Beto, aunque señaló que van a reestructurar la obra: "Queremos que la gente se lleve nuevos recuerdos”.Beto es el creativo del grupo, Félix entre risas dice "de esto se encarga él". “Me puse a investigar dos meses el azul. Era muy difícil de obtener en la antigüedad y los egipcios flasheaban mucho con ese color, lo usaban en templos y para representar a Nut, la diosa que se tragaba el sol cada noche para devolverlo al amanecer. Tenía toda una connotación sexual y mística, por eso conceptualizamos todo el capítulo en azul y tonos cercanos”, precisó el cantante.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/07/SÃºper_POP-urrÃ­_de_lo_que_fue_el_viernes_en_el_@teatrovorterix_Gracias_por_el_aguante_y_el_cariÃ±o_(3)5761_.jpg"><figcaption>Los Tabaleros en el Teatro Vorterix con su nuevo show en capítulos | Foto: @tutedelacroix</figcaption></figure>El Capítulo Rojo, en cambio, toma referencias gauchescas y demoníacas: “El carmesí es el color de la sangre del crespín, que los gauchos usaban para manchar sus bombos y llamar al diablo en la Salamanca. Está ligado al inframundo, a Seth en Egipto, al pecado, la lujuria y la pasión. Por eso el diablo en escena es un gaucho con facón. El gaucho, que era un referencia a Nazareno Cruz y el Lobo, que también era la representación del diablo estaba pasado y en un momento yo lo tenía que desarmar y él me clavaba el facón, un miedo porque me lo clavaba", contó Beto entre risas.<h4>Entre Pastillas, Nocheros, Calligaris y un nuevo folklore</h4>Además del show en Vorterix, Los Tabaleros están grabando un proyecto audiovisual llamado “Todo es Folklore”, con colaboraciones junto a Las Pastillas del Abuelo, Los Nocheros y Los Caligaris.&nbsp;"Para nosotros, todo es folklore. El rock ya es folklore también", lanzaron. Es que lo llevaron no al género, sino al significado más puro de la palabra: aquel conjunto de tradiciones, costumbres, creencias, expresiones artísticas y conocimientos populares que caracterizan la esencia de un conjunto de personas. "Nosotros los argentinos tenemos un rock que no tienen otros países en América, ¿qué más folklore? Para mí Charly, Los Rodríguez recontra folklore", analizó Félix, mientras que Beto agregó que Charly tuvo como padrino musical a Eduardo Falú.&nbsp;Filosofando sobre la música y las obras, reconocen que "hay canciones que envejecen muy bien", así como otras no trascienden. Una de ellas es Eterno Amor de Los Manseros Santiagueños, una de las canciones que Los Tabaleros tienen grabadas dentro de su repertorio, así como también Porque yo te amo de Sandro.&nbsp;Entre risas, recuerdan que el Mono Fabio de Kapanga creía que Eterno Amor era una canción de Los Tabaleros y, en palabras de Beto, "lloraba" hasta que se enteró que pertenecía a Los Manseros.&nbsp;"Hay canciones que son no ves es son inoxidables, que cada tanto nos gusta cantar, también el homenaje que le tenemos hecho en vida a Roberto Sánchez, que a veces ya nos olvidamos que son de él porque las tenemos tan incorporadas que no las pensamos como cover", señalaron Beto y Félix, mientras que consideraron que el mejor piropo que pueden decirles es que esas canciones que eligieron de otros músicos son propias, pues significa que las tocan con pertenencia.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DLnmc0Jv3FL/"></oembed></figure>La grabación de "Todo es Folklore" se realizará el próximo 9 de julio en una larga jornada con las tres bandas y esperan que sea una jornada maratónica.

Los Tabaleros, su show en Teatro Vorterix y lo que se viene este año | Foto: @tutedelacroix

El próximo 11 de julio vuelven al Teatro Vorterix con un show performático, “siempre acudimos al teatro y al cine como inspiración", reconocieron en diálogo con Filo.news y contaron sobre el espectáculo y lo que viene este año.

El próximo 11 de julio vuelven al Teatro Vorterix con un show performático, “siempre acudimos al teatro y al cine como inspiración", reconocieron en diálogo con Filo.news y contaron sobre el espectáculo y lo que viene este año.

Los Tabaleros vuelven a las bases con un show performático: "Esto lo hacíamos antes que Louta"

Después de ocho años, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/06/29/despues-de-ocho-anos-la-renga-volvio-a-capital-federal-y-al-duco">"EL BANQUETE" volvió a servirse en el mítico estadio de Huracán</a>. Con tres shows demoledores y mucho frío aunque con calor humano, La Renga coronó su vuelta a Buenos Aires este sábado con más de 45.000 personas, presentaron nuevas canciones y armaron un set list muy power donde sonaron sus éxitos y canciones que venían escuchándose muchísimo menos en estos años como "Panic Show" con un guiño contra Javier Milei."Gracias realmente por haber venido y haber compartido esta fecha, nos la llevamos en el corazón y esperamos volver pronto", expresó conmovido Chizzo al cierre del show antes de cantar Hablando de la Libertad (1996). Es que, la última vez que La Renga tocó en un escenario en CABA fue justamente en el Palacio Ducó en 2017, donde realizó seis show inolvidables. Después de eso, sucesivas veces intentó acercarse a la Ciudad y le negaron la posibilidad de tocar.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/06/Gracias_por_estos_tres_banquetes_en_casa,_la_vuelta_a_capital_fue_hermosaâ¤ï¸_Nos_vemos_prontoð¸_@4326_.jpg"><figcaption>La Renga volvió a Huracán después de ocho años e hizo tres shows demoledores | Foto: @makierem y @santigarciadiaz</figcaption></figure>La Renga es familia. Tal es así que en el puesto de merchandising de Arte Infernal se podía ver a Silvina Cendón atendiendo al público, en las plateas también estaba Wayra y "La Negrita", madre de los hermanos Iglesias (Tete y Tanque), quien cumplía 85 ese sábado y le dedicaron Voy a bailar a la nave del olvido (1991). En el público también se veían familias completas con niños pequeños saltando y agitando, así como también grupos de amigos que hace años siguen a la banda a donde toque.&nbsp;El power trío de Mataderos se desenvolvió con mucha soltura en el escenario, Tete lo recorrió de punta a punta, como acostumbra. Arrancaron al calor de Tripa y corazón (1998), y siguió con la presentación de Buena ruta hermano (2024), canción que escribieron para la banda sonora de Totalmente Poseídos, la película sobre su vuelta a los escenarios tras la pandemia. En la tercera canción sorprendieron con El ojo del huracán (2003), canción número tres del disco Detonador de sueños, que le da también título al último DVD homónimo del grupo que incluye el recital realizado el sábado 4 de diciembre de 2004 en el Palacio Ducó.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/06/Gracias_por_estos_tres_banquetes_en_casa,_la_vuelta_a_capital_fue_hermosaâ¤ï¸_Nos_vemos_prontoð¸_@_(1)5487_.jpg"><figcaption>"El banquete" en Huracán: La Renga volvió a jugar de local después de ocho años | Foto:&nbsp;</figcaption></figure>Las banderas del público flamearon desde el minuto uno del show, cuando el campo se avalanchó contra el escenario al escuchar los primeros acordes de Tripa y corazón, pero el show terminó de explotar cuando sonaron A tu lado y Detonador de sueños (2003).Además de Buena ruta hermano, también sonaron por primera vez La banquina de algún lado y Ese lugar de ninguna parte, incluidos en la road movie de La Renga.&nbsp;En un set list muy power repasaron canciones como La balada del diablo y la muerte, En el baldío, El juicio del ganso, Motoralmaisangre, El final es en donde partí, Oscuro diamante y El viento que todo empuja.En el público por varios momentos se escuchó cantar contra Javier Milei, algo que ya es habitué en los shows de rock. El momento cúlmine contra el presidente fue cuando tocaron su nueva canción Hay un tirano que es para vos, última canción que lanzó la banda de Mataderos hace seis meses y luego decidió que Panic Show (2000) vuelva al ruedo, pero al presentarla lo hizo de una manera particular: "Este tema se llama ‘Hay un tirano que me robó el león’, perdón, se me confundieron los temas", comentó con humor Chizzo.Esta canción fue apropiada por Javier Milei para su campaña en 2023, pese a que La Renga hizo un pedido legal para que el ahora presidente no la utilizara, ya que no compartía el espíritu de la canción. Así y todo, el libertario decidió interpretarla en más de una ocasión.&nbsp;En las visuales se pudo observar algún destello de la película de Totalmente Poseídos, el cierre llegó con Masomenos blues, Desnudo para siempre (o despedazado en mil partes), Oportunidad oportuna, El final es en donde partí y Hablando de la Libertad, augurando la posibilidad de volver a ver pronto al público porteño en casa.

"El Banquete" está servido en CABA: La Renga volvió a Parque Patricios al estadio de Huracán que los vio crecer | Foto: @makierem y @santigarciadiaz

"Gracias realmente por haber venido y haber compartido esta fecha, nos la llevamos en el corazón y esperamos volver pronto", fueron las palabras de Chizzo en el cierre de la tercera noche en Huracán con un show explosivo. La Renga, la familia y los amigos. Así se vivió el banquete.

"Gracias realmente por haber venido y haber compartido esta fecha, nos la llevamos en el corazón y esperamos volver pronto", fueron las palabras de Chizzo en el cierre de la tercera noche en Huracán con un show explosivo. La Renga, la familia y los amigos. Así se vivió el banquete.

"El banquete" regresó al barrio de la quema: La Renga jugó de local en Huracán con tres show demoledores después de ocho años

"El banquete" regresó al barrio de la quema: La Renga jugó de local en Huracán con tres show demoledores

El Ministerio de Salud de la Nación modificó el Sistema Nacional de Residencias Médicas en medio de la escalada del conflicto entre el Gobierno y los residentes del Hospital Garrahan. Se distinguieron dos contratos: uno directo con las instituciones y otro con la modalidad actual. La gran diferencia radica en la precarización de fondo que existe en el primer sistema, ya que al trabajador se le quitan todos los derechos laborales."Le damos la posibilidad de elegir a los residentes médicos", destacó Mario Lugones, funcionario a cargo de la cartera sanitaria. En ese sentido, explicó que para los residentes del Garrahan tendrán dos tipo de contratos: uno directo con el hospital, donde "cobran más (sin descuentos), pueden recibir bonos y el hospital les cubre los seguros"; y otro con la modalidad actual bajo la tutela del Ministerio.También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.youtube.com/watch?v=5NyMiTldIqQ">Norma Lezana: Crisis en el Hospital Garrahan, sus residentes y Mario Lugones | Cable a tierra</a>."Más libertad, más transparencia", cerró Lugones en su mensaje. Sin embargo, desde el Hospital pediátrico explican que esto es "precarización" y enfatizan que "las residencias como tal dejan de existir".<figure class="media"><oembed url="https://twitter.com/Mariolugones_ar/status/1940426052066558022"></oembed></figure>"El régimen de residencias tiene ciertas cuestiones que están muy atadas a tener derechos laborales como un trabajador y ahora lo están convirtiendo en un sistema de becas, en el cual nos hacen optar por dos tipos de contrato: uno sin aporte jubilatorio, sin aguinaldo, sin ningún tipo de descuento, en el cual, entre comillas, se ganaría un poquito más, y en el otro es un contrato con descuentos que se ganaría un poquito menos. Entonces, como se modifica el sistema de contratación, el planteo es que se cierran las residencias porque las residencias como tal dejarían de existir", explicó un residente de la institución pediátrica.&nbsp;"Al modificar el sistema de contratación, las residencias se convierten en becas: los contratos se anualizan, no tienen aportes previsionales, descuentos jubilatorios, aguinaldo, vacaciones pagas y otros derechos laborales como obra social. En el otro formato (bajo el Ministerio) se tienen todos los derechos, entonces es como una extorsión a decidir cobrar un poco más o cobrar un poco menos y tener más o menos derechos laborales", concluyó.Si bien el Gobierno defiende el nuevo sistema, desde el Garrahan explicaron que en ambos casos "las becas empeoran las condiciones". En ese sentido, hay una gran incógnita respecto a lo que pueda ocurrir con los recursos que perciben los residentes por parte de la institución: actualmente un residente tiene su contrato con Nación con aportes y percibe, en simultáneo, un incentivo del propio hospital. Ahora no se sabe qué pasará y si se pueden quitar esos fondos, según explicó Alejandro Lipcovich de la junta interna de ATE a Filo.news.Cabe destacar que, los contratos que ya están en marcha no se modificarán -porque la ley no es retroactiva- pero los nuevos residentes que ingresen en septiembre tendrán que elegir entre ambos formatos. Estos nuevos contratos ya no tendrán los fondos extras de parte del hospital, como sí ocurre, hasta el momento, con los actuales residentes.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/04/WhatsApp_Image_2025-07-04_at_11.00.43_AM8337_.jpeg"></figure>En ese marco, los trabajadores del Garrahan anunciaron dos paros de 24 horas el 10 y 17 de julio, esta última fecha con una convocatoria a una marcha federal que partirá desde el Congreso de la Nación hacia Plaza de Mayo, con la intención de que se replique en diferentes partes del país.

El Gobierno modificó el Sistema Nacional de Residencias Médicas y desde el principal hospital pediátrico denuncian que "las residencias como tal dejan de existir".

El Gobierno modificó el Sistema Nacional de Residencias Médicas y desde el principal hospital pediátrico denuncian que "las residencias como tal dejan de existir".

¿Qué pasa con las residencias médicas en el Hospital Garrahan?

Nico Bereciartúa, el guitarrista argentino que brilla de The Black Crowes y es auspiciado por Gibson, sale de gira por el país con un show íntimo donde repasa su repertorio solista y clásicos del cancionero nacional e internacional. Su historia está marcada por el rock desde la infancia: es hijo de Víctor “Vitico” Bereciartúa, fundador de Riff junto a Pappo. Desde chico está en contacto con la música y los instrumentos, cuenta que esos momentos de la niñez donde comenzaba a tener sus primeros acercamientos a los instrumentos de su padre lo marcaron a fuego. El violero fue parte de Viticus y Pappo's Blues (en su última formación), donde desarrolló todo su talento y fue mejorándolo, hasta llegar a la escena internacional.“Arrancó todo en casa, viendo instrumentos de Vitico en el living y agarrándolos. Cuando encontrás tu pasión, te das cuenta de que esos momentos te marcaron”, cuenta sobre su infancia en diálogo con Filo.news. Empezó a tocar la guitarra a los 12 años con Botafogo como profesor y su vida siempre estuvo atravesada por la música: “Cuando era chico no entendía tanto que mi viejo no estuviera por ser músico. Pero eso me abrió puertas, posibilidades, me forjó”, narra. De chico, miraba películas como "Encrucijada" -que cuenta la vida de Robert Johnson, un músico y guitarrista de blues conocido como el Rey del Delta Blues- y junto a su hermano Manuel decían: "Queremos tocar así".Nico fue parte de Viticus, donde grabó cuatro discos y giró por Argentina y España, aunque también fue convocado por Pappo en 2004 para ser parte de la última formación de Riff: “Cuando me llamó me dejó un mensaje diciéndome que aprenda quince temas. Lo llamé y le dije: ‘Ya me los sé todos. ¿Cuándo hay que salir?’. Fue un momento muy groso y en el momento fui conciente de lo groso que era, pero hoy es una marca que llevo a fuego”, resumió.En 2014, después de su paso por Viticus y Riff, decidió lanzar su carrera solista. Su primer disco, NICO, ganó el Premio Gardel al Mejor Disco de Artista Nuevo de Rock y fue nombrado entre los mejores guitarristas argentinos por Rolling Stone.<h4>El salto internacional y las palabras de Jimmy Page</h4>Ese mismo año, un video que subió a Facebook cambió su destino. Llegó hasta Rich Robinson, quien lo vio y lo convocó para su banda solista. “Toqué como dos años con él y quedó una amistad. Después The Black Crowes se unieron de un de nuevo, el guitarrista en un momento renunció y ahí me llamaron para audicionar y quedé”, recuerda sobre su llegada a la legendaria banda.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/03/FOTO_NICO_CON_BLACK_CROWES1955_.jpg"><figcaption>Nico Bereciartúa y su historia de cómo llegó a The Black Crowes | Foto: gentileza de prensa.</figcaption></figure>Con ellos giró por Estados Unidos, Latinoamérica y Europa, compartiendo escenario con Ronnie Wood, Steven Tyler, John Fogerty y Jimmy Page. El exLed Zeppelin grabó con The Black Crowes y tras un show en Londres destacó la forma en la que Nico tocaba la viola. “Jimmy Page vino a ver el show en Londres, se presentó antes y estuvo todo el show mirando y cuando terminó se acercó él, me afrenó, me agarró de la mano a decirme cosas muy lindas. Tuvimos una linda charla. Ya habíamos tenido una linda charla antes del show, pero cuando terminó me dijo que le había encantado como tocaba y conectaba con Rich. Él tocó con Rich, entonces me decía: 'Me encanta ver a Rich conectando con vos, como tocan los dos juntos, como se ensamblan las guitarras...'. Yo estaba plasmado mientras Jimmy Page me decía eso, tenía mariposas en la panza, Jimmy Page me estaba diciendo cómo se ensamblan las guitarras a mi", recuerda.<blockquote>"Jimmy Page me dijo que le había encantado como tocaba y conectaba con Rich. Él tocó con Rich, entonces me decía: 'Me encanta ver a Rich conectando con vos, como tocan los dos juntos, como se ensamblan las guitarras...'. Yo estaba plasmado mientras Jimmy Page me decía eso, tenía mariposas en la panza, Jimmy Page me estaba diciendo cómo se ensamblan las guitarras a mi", recuerda.</blockquote>También es músico auspiciado por Gibson, que lo eligió para componer e interpretar la música de su serie documental The Process.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DEnCmm9xKU-/?hl=es-la"></oembed></figure><h4>Nico Bereciartúa y su historia con Keith Richards</h4>Entre aquellas personas que lo eligieron y destacaron su labor también se destacó un Rolling Stones. La última vez que la histórica banda estuvo en Argentina, 2016, Nico Bereciartúa fue invitado a una cena íntima, donde tocaría música de fondo: “La idea era que estuviéramos tocando lejos, como ambientando, sin que nos vean”, cuenta. Pero tuvo acceso directo a los Stone y nada salió como estaba planeado: “Estaba con Bobby Flores tocando y de repente levanté la cabeza y estaba Keith Richards mirándome. Casi me muero. Fue escatológico, te diría. Me quedé paralizado”.Richards no solo lo escuchó, sino que se acercó hasta él: “Se vino directo y me dijo al oído: ‘Eso suena de puta madre, hermano’, y se fue entre risas y toses”, recuerda con cariño y una sonrisa en la cara. “Después le pregunté a Bobby, que es de otros tiempos, si había filmado y me dijo: ‘No, esos recuerdos quedan adentro’. Fue increíble”, enfatiza.<h4>Nico Bereciartúa: “La música tiene que dejarte algo”</h4>Sobre la música de hoy, Bereciartúa opina sin rodeos. “Lo mainstream me parece decadente, un vacío tremendo tanto armónicamente como líricamente. Para mí la música siempre tiene que dejarte algo: una melodía, una parte de la letra, un mensaje. Hoy siento que vas, pasás el momento y ya está”, subraya.Aunque rescata nombres de la escena nacional actual: “Me gusta Conociendo Rusia, Wos, Trueno. Hay una camada joven que hace las cosas bien y conecta con la gente”.<h4>Gira acústica por Argentina</h4>Aprovechando las pausas en la agenda de los Black Crowes, Nicolás inicia una gira íntima por el país, solo con su guitarra, su slide y su voz. Tocará versiones acústicas de su repertorio y clásicos del cancionero nacional e internacional.Fechas confirmadas: 4/7 – Chauvin – Mar del Plata 5/7 – Templeton – Cariló 10/7 – Casa Brava – Rosario 12/7 – Stanley Bar – Santa Fe 17/7 – Espacio Live – La Plata 19/7 – Willys Bar – Luján de Cuyo, Mendoza&nbsp;

Nicolás Bereciartúa sale de gira por el país con un show íntimo | Foto: gentileza de prensa.

El músico sale de gira por el país con un show íntimo donde repasa su repertorio solista y clásicos del cancionero nacional e internacional. En la previa, el músico habló con Filo.news y contó cómo forjó su exitosa carrera que lo llevó a la legendaria banda The Black Crowes.&nbsp;

El músico sale de gira por el país con un show íntimo donde repasa su repertorio solista y clásicos del cancionero nacional e internacional. En la previa, el músico habló con Filo.news y contó cómo forjó su exitosa carrera que lo llevó a la legendaria banda The Black Crowes.&nbsp;

Nico Bereciartúa: el guitarrista argentino de The Black Crowes que fue elegido por Pappo, Jimmy Page y Keith Richards

“Siempre creí que vivir de la música iba a ser tocar música”, dice <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2023/12/14/jose-palazzo-es-un-sinsentido-que-la-renga-no-pueda-tocar-en-capital">José Palazzo</a>, aunque la vida lo haya llevado a trabajar con la música pero debajo del escenario, produciendo a las bandas. Sin embargo, con Los Mentidores esa balanza parece inclinarse: se para sobre el escenario para tocar blues, otro de sus sueños cumplidos; y ahora lanzan Blend, un nuevo álbum que cuenta con la producción de Ricardo Tapia, de La Mississippi.“Consumimos lo que vendemos”, enfatiza. A diferencia del consejo narco de Scarface, Palazzo asegura que él sí se deja llevar por lo que produce. "Disfruto mucho de la música", reconoce. Y es que, esa es su pasión, entre sus géneros preferidos más allá del rock también está el blues, y como toda pasión, tiene momentos de devoción absoluta, de viaje musical (real y metafórico), de tocar por amor a la música, aunque sea un martes a la noche en un barcito. Así arrancaron Los Mentidores.<h4>Los Mentidores presentan Blend, su tercer álbum de estudio</h4>"Este disco es pasión musical", reconoce Palazzo sobre Blend, que cuenta con la participación de Juanse, Euge Quevedo, Ricardo Tapia y Joaquin Levinton. La banda, compuesta por Franco Ronchetti (voz y guitarra), José Palazzo (bajo), Diego Mari (guitarra), Fernando Ormeño (voz y armónica) y Claudio Grimau (batería), empezó como una zapada entre amigos que solo podían tocar los martes en el bar El Mentidero de Córdoba para 20 personas, según cuenta el productor de Cosquín Rock. Con los años, la zapada se convirtió en una banda, grabaron discos, se animaron a los escenarios y hoy presentan su tercer material de estudio: Blend, una mezcla de estilos, referencias y sonidos.Entre risas, desde el inicio de la pre-escucha del álbum en las oficinas de Popart Discos, el productor de Cosquín Rock asegura que "pierde plata" con Los Mentidores y hace chistes con la disquera que no se van a hacer ricos tocando blues.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=dPsQcqncklo&amp;list=RDdPsQcqncklo&amp;start_radio=1"></oembed></figure><blockquote>“El disco no se iba a llamar así, pero fue saliendo solo. Es una mezcla de muchos colores musicales, de muchos sabores musicales con un único resultado. Cuando se mezclan varias cepas sacas un vino que no es ni Malbec ni Merlot: es blend”, cuenta Palazzo.&nbsp;</blockquote>El productor es Ricardo Tapia de La Mississippi, a quien Palazzo esperó un año para grabar y Tapia pudo recién en febrero, mes en el que se realiza el Cosquín Rock. Pero José no estaba dispuesto a dejar pasar otro año y el álbum no iba a salir sin la producción de Tapia, podía, pero no era lo que querían.&nbsp;La idea no era hacer un disco de blues clásico, sino abrirlo: "A Ricardo le gustó. En los blues clásicos que nosotros ya teníamos compuestos le empezamos a buscar una vuelta a alguno de los shuffles que teníamos y lo transformamos en un funky, o a una canción que era un slow blues, lo transformamos en un gospel o alguna canción que teníamos que era más como un country, lo transformó en un slow country o un country blues. Nos dio una apertura muy linda", resume el bajista y reconoce que, con Los Mentidores, Tapia se animó a hacer lo que no haría con La Mississippi.&nbsp;La canción homónima, Blend, es un tema instrumental grabado en una sola toma, que hasta que llegaron a la pre-escucha no volvieron a escuchar. Esa es la confianza, ciega, que le tienen Los Mentidores a Ricardo Tapia.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=wDAnNz6low8&amp;list=RDwDAnNz6low8&amp;start_radio=1"></oembed></figure><blockquote>“Hay guiños a los Piojos, hay rock and roll, hay gospel. Y todo eso convive con algo que no es tan habitual: hacemos blues alegre. Hay canciones tristes con música luminosa, tocadas con alegría”, resume.</blockquote>"My baby don't love me", una canción que cuenta sobre un amor que se terminó, cuenta con la participación de Mysti Soul Choir que es un coro gospel de Córdoba que le dio un toque de soul increíble a la canción. La canción, según cuenta Palazzo, cierra con los aplausos que Ricardo Tapia les enseñó a hacer con las piernas. No, no se aplaude con las manos en las grabaciones, se hace sobre los cuádriceps.&nbsp;Con la mezcla de colores musicales que adelantó Palazzo que proponía este álbum, "No lo pienses más", que cuenta con la colaboración de Joaquín Levinton, tiene una fuerte base funky con un beat envolvente. Una balada que invita a una mujer a enamorarse: "Quiero verte entrar por la ventana, ser la historia de amor que me contaron, ser el complice de todo lo que te pasa".&nbsp;"A todo que sí", que es un funky, bailable y con un groove bien marcado, incluye además un guiño directo a Taxi Boy de Los Piojos. Palazzo contó en la escucha que le escribió a Andrés "Ciro" Martínez para hacer una colaboración e iba a realizarse para este álbum pero no llegaron porque el líder de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/06/22/despedida-con-paciencia-los-piojos-regresaron-a-river-presentaron-una-nueva-cancion-y-prometieron-volver">Los Piojos salió de gira por el interior del país</a>. Se esperaba que la banda de El Palomar se despidiera en el Quilmes Rock, pero en medio de la fiebre piojosa, el reencuentro se extendió hasta el pasado 23 de junio. "Andrés me dijo: 'Si no llegabamos a grabar ese tema que teníamos previsto, hagamos uno juntos'. Porque a él le gustó la idea de irse a Córdoba tres días y componer con los músicos. Así que tal vez en diciembre salga un nuevo tema", adelantó Palazzo.<h4>Blues local: la raíz cordobesa, la herencia de Pappo y el fantasma de Manal</h4>Aunque la referencia geográfica del blues parezca venir siempre de Memphis o Chicago y estos lugares son la raíz, Palazzo no duda: en Argentina también hay una presencia muy fuerte del blues desde los inicios de nuestro rock nacional. “Manal fue nuestro primer artista de blues, y todos los grandes del rock argentino tienen un blues: los Piojos, la Renga, los Ratones, los Redondos, todos”, enumera. Pero el foco también está en Córdoba.“El primer blues cordobés famoso lo compuso el Gordo Cueto, que después lo hizo popular la Mona. Era un shuffle. Nosotros somos fans de ese blues local, que mezcla a Pappo con el cuarteto”, explica. Esto no es casual, ya que muchos músicos del rock cordobés se reconvirtieron tocando en orquestas de cuarteto.<h4>Del escenario al alma: cuando la música es resistencia</h4>Además de Los Mentidores, Palazzo programa hace diez años la Casita del Blues en Cosquín Rock, una trinchera donde ese estilo sobrevive con amor, saliendo de lo mainstream. “La gente se para frente al escenario, baila y la pasa bien. Quizás en su casa no escucha blues, pero si Los Mentidores te tocan 10 canciones en un bar con una birra en la mano, terminas bailando”, asegura.Y en esa simple postal está el corazón del proyecto. “Somos fanáticos de esto. Yo viajé a Memphis, a Nashville, a Alabama. Estudié esa música. Y cuando tocamos, nos pasa algo: lo disfrutamos. El tiempo vuela, como en las cosas lindas”, dice.El tema que más le gusta del disco se llama “Me levanté”, es eléctrico, autoreferencial, confesional. Pero también nombra otro: My baby don't love me, un tema alegre cantado con un coro gospel que narra el abandono de una pareja. “La historia es tristísima, pero la música es feliz. Brilla”, dice, y sonríe.

"Este disco es pasión musical", reconoció José Palazzo en diálogo con Filo.news. Blend es el tercer álbum de estudio de la banda, producida por Ricardo Tapia de La Mississippi.

"Este disco es pasión musical", reconoció José Palazzo en diálogo con Filo.news. Blend es el tercer álbum de estudio de la banda, producida por Ricardo Tapia de La Mississippi.

Los Mentidores, la banda de José Palazzo, lanzó "Blend": "Consumimos lo que vendemos y eso se nota en el disco"

Dieciséis años después, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/12/15/despues-de-15-anos-volvieron-los-piojos-la-emocionalidad-del-publico-fue-la-clave-de-uno-de-los-shows-mas-esperados">Los Piojos volvieron a River</a> para una nueva despedida. Otra noche fría en Núñez diciéndole adiós a los más de 65.000 piojosos que se congregaron desde diferentes puntos del país, pero ahora con la promesa de que no pasará tanto tiempo para un nuevo reencuentro. Y trajeron bajo el brazo un regalo: "Paciencia", una nueva canción que es fruto de estos siete meses que estuvieron juntos arriba de los escenarios.&nbsp;Al ingresar al estadio el clima no era de despedida, era de fiesta como lo fue en todos los shows. A pesar de que todavía queda un ritual más, el de anoche fue el último para muchos piojosos y eso no empañó el clima festivo. Los ojos vidriosos se observaron arriba del escenario, abajo se veían muchas sonrisas de felicidad por tener la oportunidad de volver a ver a la banda de la adolescencia con la familia y amigos.&nbsp;También puede interesarte: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/06/01/no-podes-explicar-a-los-piojos-sin-entender-la-argentina-de-los-90-s-juan-cruz-revello-y-un-libro-que-es-testimonio-de-epoca">“No podés explicar a Los Piojos sin entender la Argentina de los 90's”: Juan Cruz Revello y un libro que es testimonio de época</a>.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/22/LOS_PIOJOS_1_x_@irishsuarez_-_0457475_.jpg"><figcaption>Los Piojos arrancaron su despedida en River con más de 65.000 piojosos | Foto: @irishsuarez</figcaption></figure>El show arrancó a las 21.30, "Llevátelo", "Te diría" y "Desde lejos no se ve" fue la primera terna de canciones que encendieron el ritual en el estadio de River Plate, donde el campo se achicó y solo se podía saltar al compás de quien estaba al lado. "Difícil" vino a poner paños fríos y tranquilizar el fervor de las primeras canciones.&nbsp;Los Piojos tienen discografía de sobra para hacer mil listas alternativas y a lo largo de estos siete meses demostraron que hasta se animaban a tocar "Vals inicial", que en La Plata, Ciro reconoció que no se la acordaban ya que solo había sonado una vez en vivo.&nbsp;Entre las canciones que aún no habían sonado en este regreso se destacó el gran "San Jauretche" con todo un estadio rezando que el pensador y político radical-peronista traiga buena leche. Detrás de los músicos se observaba una imagen medio caricaturesca de Arturo Jauretche.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/22/EDIT_LOS_PIOJOS_-_SABADO_21_-_@gggonzalolopez-525464_.jpg"><figcaption>Hijos de Los Piojos tocando Verano del '92 en River | Foto: @gggonzalolopez</figcaption></figure>En este reencuentro, así como están presentes los niños en el público también están en el escenario. Para "Verano del '92" -que solía tocarse con la Chilinga- Dani Buira se encargó de preparar a todos los hijos de sus compañeros para que se calcen los bombos y también sean parte de estos rituales.&nbsp;Aunque el protagonismo lo tienen Alejandro Martínez, Danilo Fernández y Caetano Buira que son los encargados de ponerse al hombro parte de "Pistolas" reemplazando a sus padres (Andrés "Ciro" Martínez, Daniel "Piti" Fernández y Daniel Buira, respectivamente).&nbsp;<h4>Los Piojos presentaron "Paciencia", la nueva canción de este regreso</h4>La canción número 22 de la lista fue "Paciencia", el regalo de este regreso para todos los piojosos. Una canción que remite a la forma en la que esperó todo el público la vuelta de Los Piojos. &nbsp;La canción dice "habrá que esperar a septiembre para ver el sol", y es que, los piojosos en septiembre de 2024 volvieron a ver el sol cuando se anunciaron los primeros shows del reencuentro.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DLMDrw_IdK1/?hl=es-la"></oembed></figure>En la noche del sábado también volvió Chucky de Ipola, ausente en las últimas presentaciones, y tocó "Ruleta" con los arreglos inigualables de su teclado mientras Ciro, entre risas, le tiraba: “¿Te acordás cómo era?” El público piojoso, claro, se acordaba de memoria.&nbsp;También sonó Sudestada en honor a "Tavo" Kupinski, con su hermano Matías en guitarra y el video del zurdo en vivo cantando la canción perteneciente al álbum Máquina de Sangre (2003).<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/22/LOS_PIOJOS_1_x_@irishsuarez_-_017_(1)5653_.jpg"><figcaption>Daniel "Piti" Fernández en la despedida de Los Piojos en River | Foto: @irishsuarez</figcaption></figure>Hubo clásicos infaltables —“Tan Solo”, “Como Alí”, “Bicho de Ciudad”— pero también regalos para los viejos piojosos: “Shup Shup”, “Quemado”, “Cancheros”. Y sobre el cierre, una seguidilla de temas que marcó la recta final del show: “Unbekannt”, “Genius”, “Muévelo” y, claro, “Farolito”. Todo apuntaba al desenlace, pero aún quedaba una más: “Y qué más”, que fue la que daría lugar a la lectura de cada bandera que flamea desde hace décadas.“Como un borracho necesita un bar, como un preso libertad, te necesito”, cantaron los piojosos con la garganta al rojo vivo. En ese instante, Dani Buira se acercó con su tambor al extremo del escenario. Escuchó su nombre coreado una y otra vez, se quedó quieto, y cuando la ovación no paraba… se quebró.&nbsp;Como cada uno de los shows del regreso, Los Piojos cerraron con el Himno Nacional Argentino y se prendieron las luces. La segunda y última función será mañana, 22 de junio, en el mismo estadio y promete ser otra noche histórica. El último ritual piojoso será transmitido en Argentina, Uruguay y Paraguay por Flow a las 20.30.

Los Piojos se despidieron, pero promentieron que no pasará tanto tiempo para su reencuentro | Foto: @irishsuarez

En el primero de sus shows de despedida, Los Piojos regalaron al público una nueva canción. La noche estuvo cargada de emoción, pero no dejó de lado la festividad con la que se vivieron todos los rituales de este reencuentro. Este domingo llega el último ritual piojoso, pero prometieron que no pasará tanto tiempo para volver a verlos.

En el primero de sus shows de despedida, Los Piojos regalaron al público una nueva canción. La noche estuvo cargada de emoción, pero no dejó de lado la festividad con la que se vivieron todos los rituales de este reencuentro. Este domingo llega el último ritual piojoso, pero prometieron que no pasará tanto tiempo para volver a verlos.

Despedida con “Paciencia”: Los Piojos regresaron a River, presentaron una nueva canción y prometieron volver pronto

<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/07/02/lobel-presenta-su-ep-almagro-studio-session-en-la-trastienda-la-magia-de-volver-a-buenos-aires">Lobel</a> presentó "El momento perfecto", su tercer álbum de estudio, donde invita a dejar de lado la búsqueda de las condiciones ideales. “Hoy es perfecto, ya es perfecto. Tal vez es hoy el único momento”, canta en la canción que da nombre al nuevo material y ahí está toda la tesis: empezar a vivir, decidir y sentir. “Cada canción es como un click”, dice Facundo Bugallo en conversación con Filo.news. “Una epifanía, un momento donde decís: ‘Ah, entiendo algo’”.Con la valija siempre en la mano, como en la imagen del álbum, Lobel está en constante viaje, ese que es tan emocional como geográfico y que también se respira en su música. Las presentaciones en vivo ya tienen fecha: Lima en agosto, luego Ciudad de México y finalmente Buenos Aires.&nbsp;Este nuevo álbum es una continuación conceptual del EP "El muchacho de ojos tristes" (2023), que contiene tres canciones que se están incluidas en El momento perfecto, entre ellas "Verano en Buenos Aires", casi como si fueran las semillas de un árbol que finalmente floreció. “Marcaron el camino. Las grabé primero, y sentí que por ahí tenía que seguir”, explica.Musicalmente, El momento perfecto tiene diferentes influencias, entre ellas, algo de Sandro, rock británico -porque es un enamorado de Oasis- y tintes de canción latinoamericana. “La gente me decía que encontraba estilos distintos. Y es verdad. Pero hay una unidad: la canción tratando de resistir en todos esos estilos”.&nbsp;“Me interesa que la canción sea un momento clave, como cuando hacés un click interno. Puede ser doloroso o luminoso, pero te cambia”, reconoce Facu. En Canción para mi mente, por ejemplo, se declara la guerra a uno mismo: “Es uno peleando contra su cabeza, esa que a veces va en contra de la intuición, del deseo”. En el nombre de la canción también hay un guiño a Sui Generis.El concepto de tiempo atraviesa todo el disco. Hay una búsqueda de presencia, de soltar el control: “Hay que disfrutar el proceso y entender la imperfección de los caminos como parte de una gran perfección. La perfección en sí está constituida de grietas también”, reflexiona. En tiempos de ansiedad crónica y postergación, de pronto habitar el ahora, con todo lo que conlleva, parece revolucionario.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=m4nXxPctTdo"></oembed></figure>La pandemia también dejó huella. La canción que cierra el disco nació en una casa vacía en Lima, en plena cuarentena. “Tenía ataques de hipocondría, estaba solo. Fue un momento límite. Ahí entendí que había que hacer silencio, calmar la cabeza. El disco también es eso: una búsqueda de calma”, confia.El videoclip de El Fin, dirigido por Demian Bello, resume esa búsqueda. Un músico camina por Buenos Aires, con su guitarra, entre el caos de la ciudad, buscando un reloj, un signo, algo. “No es una canción solo de amor. Le canta a lo que más amás. Puede ser una persona, una pasión, o la música misma”, resume.En un mundo de inmediatez y estímulo constante, El momento perfecto apunta a poner el freno de mano. “Este disco hay que escucharlo con atención. Invita a algo más: a frenar, a reflexionar, a decidir qué vas a hacer con tu ahora”, recomienda Facu.&nbsp;El momento perfecto ya tiene fecha de presentación en vivo: el <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.passline.com/eventos/lobel-el-momento-perfecto-en-buenos-aires?srsltid=AfmBOoqWYxun8-3Gtw3Y3kcC-ysMTmLpSN7KcZt01pOre8WQzVzhZnUG">3 de octubre en Lucille</a>. Antes, se vienen shows en Lima el 23 de agosto y Ciudad de México a fines de ese mismo mes.&nbsp;

Lobel lanzó "El momento perfecto", su tercer álbum de estudio | Foto: gentileza de prensa.

Lobel presentó su nuevo disco "El momento perfecto", una obra introspectiva que invita a frenar y reflexionar, pero también "a decidir qué vas a hacer con tu ahora”, reconoce Facundo Bugallo en diálogo con Filo.new.

Lobel presentó su nuevo disco "El momento perfecto", una obra introspectiva que invita a frenar y reflexionar, pero también "a decidir qué vas a hacer con tu ahora”, reconoce Facundo Bugallo en diálogo con Filo.new.

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Despedida con “Paciencia”: Los Piojos regresaron a River, presentaron una nueva canción y prometieron volver pronto

“El momento perfecto es hoy”: Lobel y la búsqueda de belleza en el caos